Fingerpicking bedeutet eigentlich nur, dass man die Saiten mit den Fingern zupft, ohne Pick. Dieser Stil ist ein so integraler Bestandteil der Folkmusic, dass er oft die erste Wahl der Gitarrenbegleitung ist. Aber er spielt auch eine große Rolle im Bluegrass, in der Countrymusik, im Blues und Rock, ja sogar im Heavy Metal. Und für Singer-Songwriter ist er schon immer der ideale Spielstil gewesen, da er so gut zu ihrer nachdenklicheren Art zu arbeiten passt. Ohne Fingerstyle-Gitarre gäbe es kein “Take Me Home, Country Road”, “Stairway to Heaven”, “Rhiannon”, “Hallelujah” und eine ganze Reihe von weiteren klassischen Hits.

Fingerpicking ist eine der wenigen musikalischen Techniken, die tatsächlich Spaß machen, so fließend, so beruhigend, so Zen. Außerdem scheint das Fingerpicking einfach den besten Klang aus der Gitarre als Instrument herauszuholen.

Wenn du immer noch nicht überzeugt bist, sieh dir dieses Video an, um einen Eindruck davon zu bekommen, was die Fingerstyle-Gitarre für die Geschichte der populären Musik bedeutet. Die meisten der Lieder in diesem Video sind Kombinationen verschiedener Fingerpicking-Styles, von denen wir dir heute einige beibringen werden.

Fingerpicking mag zunächst schwierig erscheinen, aber sobald deine Finger geübt sind, bewegen sie sich mit der Leichtigkeit und Anmut trainierter Delphine. Du wirst eine deutliche Verbesserung sehen, sobald deine Finger den Stil verinnerlicht haben, dein Spiel wird locker flockig aussehen und du kannst dich auf deinen Stil oder deinen Gesang konzentrieren.

Die folgenden vier Fingerpicking Styles und ihre Variationen öffnen dir die Tür und bieten dir eine Grundlage für das spätere Erlernen weiterer Styles. Du musst zunächst keine Akkorde spielen, wenn du anfängst, sie zu üben. Wenn du dennoch sofort Akkorde verwenden möchtest, empfehlen wir dir, dir welche mit möglichst wenig stummen Saiten auszusuchen, wie zum Beispiel G-Dur, e-Moll und E-Dur. Dadurch ist das Lernen einfacher, und wenn du die Muster einmal einstudiert hast, kannst du sie immer noch mit den anderen Akkorden ausprobieren.

Für diesen Artikel werden wir die Saiten nach dem Cipher-System nummerieren, das intuitiver ist als die Art und Weise, wie deine Gitarrensaiten nummeriert sind, wenn du sie kaufst. Die Saiten werden also wie folgt nummeriert (denk daran, B steht für deutsch H):

Es gibt keine “richtige” Art und Weise, die untenstehenden Muster zu spielen; sie sind einfach nur Hilfen fürs Fingerpicking, und es steht dir völlig frei, sie nach Herzenslust miteinander zu mischen und zu verändern. Wir werden dir nicht einmal sagen, welche Finger du für welche Saiten benutzen sollest; benutze einfach die Finger, die dir am angenehmsten sind, denk nur daran, deinen Daumen für die Basssaiten aufzusparen.

Es ist einfacher, wenn du deine Finger schon auf den Saiten platzierst, die sie zupfen sollen. So gewöhnen sie sich schon einmal daran, in der Nähe dieser Saiten zu bleiben, bis sie gebraucht werden.

Bei der Fingerstyle-Gitarre wird der Daumen normalerweise bereitgehalten, eine der ersten drei (Bass-)Saiten anzuschlagen, während die drei Finger für die Saiten drei bis sechs bereitgehalten werden. Du kannst aber auch alle drei der höheren Saiten gleichzeitig anschlagen, wie es Joni Mitchell, Tracy Chapman und so viele andere Singer-Songwriter getan haben.

Die ersten beiden Muster sind relativ einfach, aber für das dritte und vierte Muster wirst du etwas länger brauchen, also sei nett zu dir selbst und lass dir Zeit. Auch wenn sie jetzt schwierig erscheinen – wenn du sie einmal gelernt hast, wirst du sie praktisch mühelos spielen können.

1. Das Grundmuster (Eins-Vier-Fünf-Sechs)

Zupfe die erste Saite mit dem Daumen, dann die vierte Saite mit dem Zeigefinger, die fünfte Saite mit dem zweiten Finger und den höchsten Ton des Akkords mit dem dritten Finger. Wiederhole das Ganze bis zum Ende.

Du kannst diesen Style mit beliebigen Liedern im 2/4- oder 4/4-Takt spielen.

Variation: Wechsle zwischen den Basstönen die du mit dem Daumen spielst. Du kannst das Ganze auch rückwärts spielen, beginne mit der sechsten Saite, um wie ein Teil des Intros von “Stairway to Heaven” zu klingen.

2. Das “Rising Sun”-Muster (Eins-Vier-Fünf-Sechs-Fünf-Vier)

Dieser Style ist für jene Songs im 3/4-Takt, die wir so oft in der Folkmusic finden, und manchmal im Rock, wo er zum 2/4-Takt wird (zwei Hauptschläge, aber jeweils in drei kürzere Schläge unterteilt). “House of the Rising Sun”, “In the Pines” und “Nothing Else Matters” von Metallica sind einige Beispiele für  Songs, die dieses Muster verwenden.

Beginne genau wie im Grundmuster, aber nachdem du die sechste Saite mit dem dritten Finger angeschlagen hast, kehrst du die Richtung um und schlägst mit dem zweiten Finger noch einmal die fünfte Saite an und dann mit dem Zeigefinger die vierte Saite.

Variationen: Auch bei diesem Muster kannst du zwischen den Basstönen wechseln, die du mit dem Daumen spielst.

Eine andere Variante besteht darin, einen schnellen Durchlauf (mit Daumen plus Zeigefinger und zweitem Finger) der dazwischen liegenden Saiten einzufügen, bevor du die sechste Saite anschlägst und dann die Richtung umdrehst. Wenn du wissen willst, wie das klingt, dann hör dir die Animals an, wie sie “House of the Rising Sun” spielen.

3. Das “Suzanne”-Muster

Dieses Muster heißt so, weil es dem Muster am Anfang von Leonard Cohens Song “Suzanne” sehr ähnlich ist.

Zupfe die dritte und fünfte Saite gleichzeitig mit Daumen und zweitem Finger, dann zupfe die dritte Saite. Dann zupfe die zweite und sechste Saite gleichzeitig mit dem Daumen und dem zweiten Finger, und zupfe die dritte Saite erneut. Wiederhole das.

Anmerkung: Obwohl dieses Muster einen charmanten Klang hat und ein großartiges Intro darstellt, wie im “Sound of Silence” von Simon and Garfunkel, ist es für ein ganzes Lied ein wenig eintönig und wird normalerweise zusammen mit einem anderen Fingerpicking-Style verwendet, um Abwechslung oder Emotionen  zu erzeugen. Es bereitet dich auch darauf vor, das nächste Muster zu lernen.

4. Das “Blackbird”-Muster (Eins und Sechs, dann Zwei-Fünf-Eins-Sechs-Drei)

Ja, es ist nach dem Song der Beatles benannt, in dem es vorkommt (und es ist auch in “Dust in the Wind” von Kansas zu hören). Die einfachste Art, dieses Muster zu erklären, ist wieder, die Saiten in der Reihenfolge zu nennen, in der sie gezupft werden.

Hier ist die Reihenfolge, in der du die Saiten zupfst: eins und sechs zusammen, zwei, fünf, eins, sechs, drei (1+6-2-5-1-6-3). Mit welchen Fingern du zupfst, ist nicht ausschlaggebend, aber um die Bewegung richtig hinzukriegen ist es wichtig, dass der erste Ton und jeder zweite Ton danach mit dem Daumen gespielt wird, der zwischen den drei Basstönen hin und herwechselt.

Wenn du das erst einmal hingekriegt hast, musst du nicht mehr ganz so streng darauf achten, welche Saiten du anschlägst – wichtig ist, dass du Leichtigkeit bei der Auf- und Abbewegung zwischen Daumen und Fingern entwickelst.

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Wenn du einmal verstanden hast, wie man diese Muster spielt, kannst du anfangen, Akkorde zu verwenden. Benutze dafür deine Uberchord-App, um deinen Stil zu optimieren, bis er sauber ist. Danach kannst du daran arbeiten, mit Stil und Gefühl zu spielen, um dein Spiel unvergesslich zu machen. (Mehr dazu findest du in unserem Artikel 8 Erleuchtende Zen-Lehren, um die Kunst der Gitarre zu meistern).

Wenn du mit der Fingerstyle-Gitarre weitermachen möchtest, sollte dein  nächster Schritt sein, neue Muster spielen zu lernen und sie zu kombinieren, und zu lernen, die Melodie während des Spielens hinzuzufügen. Bei den großen Fingerpickern klingt es oft so, als spielten zwei Gitarren – eine spielt die Melodie und die andere begleitet sie. Es ist nicht so unmöglich, wie es klingt, es braucht nur ein wenig Hingabe und Übung. Bleib dran, und vergiss nicht: Wir stehen hinter dir!

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(Wenn du ein sichereres Gefühl für die Theorie hinter der Praxis des Musizierens bekommen möchtest – im Uberchord Blog findest du eine hilfreiche Reihe von Musiktheorie-Artikeln, die am Ende dieses Artikels aufgeführt sind).

Das Intervallmuster der Dur-Tonleiter

Die Tonintervalle in einer Dur-Tonleiter sind wie folgt:

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton

Mit anderen Worten, an der dritten und der siebten Position der Tonleiter gibt es ein Halbton-Intervall, und zwischen allen anderen Noten sind es Ganztöne. Alle Dur-Tonarten folgen diesem Muster. Wenn du also jemals selbst die Vorzeichen einer Tonleiter herausfinden willst, beginne einfach mit dem Grundton und zähle das obige Muster ab.

Das bedeutet, dass zum Beispiel die Tonleiter der Tonart C-Dur aus C, D, E, F, G, A und H (engl.: B) besteht.

Das Intervallmuster der Moll-Tonleiter

Werfen wir nun einen kurzen Blick auf die Unterschiede zwischen einer Dur- und einer Moll-Tonleiter.

Anders als bei Dur-Tonarten sind die Intervalle in einer Moll-Tonart die folgenden:

Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton

Das heißt, die zweite und die fünfte Note der Tonleiter liegen nur Halbtöne über den vorhergehenden Noten, und alle anderen Noten liegen Ganztöne über den vorhergehenden Noten. Alle natürlichen Moll-Tonarten folgen demselben Muster.

Akkorde und Akkord-Progressionen

Es ist sehr wichtig, zwischen dem Intervallmuster einer Tonleiter und der Reihe von Akkorden, die auf jedem dieser Intervalle aufgebaut sind, zu unterscheiden.

Akkord-Progressionen der Dur-Tonleiter

Zum Beispiel besteht der C-Dur-Akkord, der den Grundakkord der C-Dur-Tonleiter bildet, aus den Noten C, E und G – der ersten, dritten und fünften Note der Tonart C-Dur.

Wenn du alle Akkorde der Tonart C-Dur verwenden würdest, wären das die folgenden:

I. C

II. d-Moll

III. e-Moll

IV. F

V. G

VI. a-Moll

VII. H vermindert

Warum sind die Akkorde D, E und A Moll? Weil in der Durtonleiter die Akkorde an der zweiten, dritten und sechsten Stelle der Tonart Moll sind.

Warum ist das B ein verminderter Akkord? Weil es in der Tonart C-Dur an der siebten Stelle steht, und in Dur-Tonarten sind alle Akkorde an siebter Stelle vermindert.

Akkord-Progressionen der Moll-Tonleiter

Um die Dinge ein wenig komplizierter zu machen, sind nicht nur die Tonfolgen in Moll-Tonarten anders, sondern auch, welche Akkorde Dur und welche Moll sind. In Moll-Tonarten ist die Reihenfolge wie folgt:

I. Moll

II. vermindert

III. Dur

IV. Moll

V. Moll

VI. Dur

VII. Dur

Der C-Moll-Akkord, der den Grundakkord der C-Moll-Tonleiter bildet, besteht zum Beispiel aus den Noten C, Es und G – der ersten, dritten und fünften Note der Tonart C-Moll.

Warum klingt dieser Akkord so anders als der C-Dur-Akkord? Der Unterschied ist eine einzige Saite: im C-Moll-Akkord wird das E zu Es (weil das die Tonart von C-Moll vorschreibt), und das ist alles, was nötig ist, um einen fröhlichen C-Dur-Akkord in ein melancholisches C-Moll zu verwandeln.

Septakkorde

Zur Abwechslung und für mehr Ausdruckskraft kann der V-Akkord in jeder Tonleiter, egal, ob Dur oder Moll, auch als V7 gespielt werden. Das bedeutet, dass die siebte Note der Tonleiter des V-Akkordes zum Akkord hinzugefügt wird.

Der V-Akkord hat die Ehre, der Akkord zu sein, der das Ende der musikalischen Phrase ankündigt. Das Hinzufügen der siebten Note der Tonart G (F) zum G-Akkord, wodurch ein G7 entsteht, lässt den G-Akkord so klingen, als würde er zum Grundakkord (C) zurückführen, der normalerweise als nächstes kommt. Oder, wenn kein Akkord mehr folgt, verleiht er der musikalischen Phrase einen unaufgelösten Klang.

(Wenn du dich für Septakkorde und ihre Verwendung interessierst, lies diesen Artikel in unserem Blog).

Progressionen im Allgemeinen (für Dur- und Molltonleitern)

Nachdem du deine Akkordformen gelernt hast und wie sie gespielt werden, werden deine weiteren Übungsstunden darin bestehen, Akkordprogressionen zu lernen. Die Songs, die du hörst, bestehen aus Akkordprogressionen, d.h aus Abfolgen von Akkorden. Wenn du die Akkorde eines Songs nachschlägst, bekommst du die Akkordfolgen dieses Songs. Die Akkordfolgen müssen die Töne der Melodie und die Harmonie des Songs enthalten, aber sie müssen auch für sich allein gut klingen.

Die bei weitem häufigste Akkordfolge für Folk-, Klassik-, Jazz-Standards, Country- und Popsongs ist locker die folgende: I, IV, V, I (d.h. auf dem ersten, vierten und fünften Akkord in jeder Tonart, ob Dur oder Moll).

Im Folgenden findest du einige weitere Akkordfolgen. Die meisten Songs, die du kennst, sind aus verschiedenen Kombinationen dieser Akkordfolgen zusammengesetzt. Nimm dir zusätzlich zu deinen Uberchord-Lektionen ein wenig Zeit, um mit den nachstehenden Progressionen herumzuspielen. So machst du dich mit der Art und Weise vertraut, wie diese Akkorde, abhängig von ihrer Reihenfolge und ihrem Kontext, ein Gefühl von Anfang, Anstieg, Abfall und Ende erzeugen.

1. I—IV—V—I
2. I – V – VI – IV
3. I – VI—IV – V
4. I – V – VI – III – IV – I – IV – V
5. (Blues) I – I – I – I – IV – IV – I – I – V – V – I – I
6. II – IV – V
7. I – IV – V – IV
8. V – IV – I
9. VI – IV – I – V

Enharmonische Äquivalente

Hast du dich schon einmal gefragt, warum manche Tonarten zwei Namen und zwei mögliche Vorzeichen-Signaturen haben, obwohl sie genau gleich klingen? Das liegt an einem Konzept namens enharmonische Äquivalente. Mit diesem Begriff werden zwei Tonarten bezeichnet, die genau gleich klingen, aber unterschiedliche Namen und unterschiedliche Vorzeichen haben.

Das ist einfacher, als es sich anhört. Du weißt zum Beispiel wahrscheinlich schon, dass es zwischen D und E nur eine Note gibt – einen Halbton –  und dass diese Note entweder Dis oder Es genannt werden kann, je nachdem, in welcher Tonart du dich befindest.

Das Gleiche gilt für Tonarten: Dieselbe Tonart kann Dis oder Es heißen, je nachdem, welche Notation der Komponist gewählt hat.

Die meisten Komponisten und Songwriter bevorzugen die Notation mit der geringsten Anzahl an Vorzeichen (immerhin hält das die Musiker davon ab, zu meckern). So wird diese Tonart meistens als Es und nicht als Dis notiert: die Tonart Dis hat sechs Vorzeichen (Kreuze), während Es nur drei Vorzeichen hat – drei Bs.

Das gleiche Konzept gilt auch für Akkorde. F# (Fis) und Gb (Ges) sind die gleichen Akkorde auf deiner Gitarre. Das gilt auch für C# (Cis) und Db (Des).

Willst du mehr wissen? Im Uberchord-Blog findest du viele weitere Informationen zum Erkunden:

Die Dur-Tonleiter auf der Gitarre

Akkord-Folgen in der Rock Musik (englisch)

Akkord-Umkehrungen

Lerne und merke dir die Noten auf dem Gitarrengriffbrett wie ein Profi

Akkordprogressionen  – Wie du einfache Akkorde interessant machst (englisch)

Akkordprogressionen in Moll-Tonarten (englisch)

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Lerne, zu strummen – das einfache Auf- und Abzupfen auf den Saiten deiner Gitarre, normalerweise mit einem Flatpick, ist eine Gitarrentechnik, die leicht auszuführen ist, aber nicht so leicht gut zu spielen ist. Mach dir keine Sorgen! Wir von Uberchord sind dafür da, dir zu helfen. Wir haben den weltweit ersten interaktiven Strumming-Trainer eingeführt, um die Technik deiner rechten Hand zu trainieren.

Das Strumming lässt sich auf zwei Grundelemente reduzieren: Akkorde und Rhythmus. Es kommen noch andere Elemente ins Spiel, aber es sind die Akkorde und der Rhythmus, die einen Strum zum Strum machen.

Der flippige Solist mag wie der Star der Show rüberkommen, aber der Strummer ist derjenige, der sie zum Strahlen bringt. Strummer arbeiten mit den Drummern zusammen, um den Rhythmus der Musik zu tragen, und wenn kein Drummer vorhanden ist, können die Strummer den erforderlichen Rhythmus – und die Atmosphäre – ganz alleine erzeugen. Das Strumming ist so sehr Teil der Rock-, Pop-, Country- und Folkmusik, dass wir es bei Gitarren öfter hören als das Zupfen der Saiten, was es zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Technikarsenals eines Gitarristen macht.

Schnapp dir also deine Gitarre und den integrierten Strumming-Trainer deiner Uberchord-App und leg los! Hier sind ein paar Tipps:

1. Schaff dir einen Vorrat an Picks an.

Wenn du nicht mit dem bloßen Daumen strummen willst wie Johnny Cash und noch ein paar andere, brauchst du flache Plektren. Sie werden als flache Plektren bezeichnet, um sie von den Plektren zu unterscheiden, die deinen Daumen oder Finger umschließen. Du könntest auch einen Daumenpick zum Strummen verwenden, aber solche Plektren haben nicht die nötige  Nachgiebigkeit, die du für einen guten Anschlagsklang benötigst Wir gehen daher davon aus, dass du zumindest versuchen wirst, das Anschlagen mit einem flachen Pick zu lernen.

Falls du es noch nicht getan hast, kauf dir einige Picks unterschiedlicher Dicke. Wenn du sie mit nach Hause nimmst und eine Weile mit ihnen spielst, wirst du herausfinden, mit welchen du dich am wohlsten fühlst und welche dir den gewünschten Klang geben. Beschaffe dir ein paar extra Picks dieser Dicke, denn du wirst mit Sicherheit mindestens eins verlieren.

2. Beobachte andere Strummer.

Sieh dir gute Gitarrenstrummer live oder auf dem Bildschirm an und präge dir ihre Styles ein, damit du sie später selbst ausprobieren kannst.

3. Wähle einen Song, irgendeinen, und spiele ihn ganz durch.

Lerne die Akkorde deines ausgewählten Songs mit Hilfe deiner Uberchord App. Spiele den Song dann ganz durch, ohne anzuhalten, auch wenn dein Hund anfängt zu heulen und dein kleiner Bruder dir sagt, dass du echt mies klingst.

4. Nun mach eine Pause und experimentiere mit dem Sound.

An welcher Stelle schlägst du die Saiten an? Bei einer Akustikgitarre neigt man intuitiv dazu, die Saiten über dem Schalloch anzuschlagen, um den vollsten Klang zu erhalten, aber du musst tatsächlich ein bisschen zwischen Schalloch und Steg herumprobieren, bis du die beste Stelle findest. Dabei ist es wichtig, langsam zu machen und gut hinzuhören.

Übe Aufstriche. Übe Abstriche. Übe Aufstriche und Abstriche. Auch hier gilt: Bleibe achtsam, kleiner Grashüpfer. Und mache keine Saiten des Akkords eifersüchtig; schenke jeder die gleiche Aufmerksamkeit.

Sobald du das Lied mindestens einmal durchgespielt hast, lässt du dir von deiner Uberchord-App sagen, welche Saite du nicht richtig triffst, welche du überhaupt nicht treffen solltest und ob du richtig akkordierst.

5. Halte den Pick korrekt.

Es ist wichtig, das Plektrum so zu halten, dass es sich ein wenig biegen kann, aber auch nicht aus der Hand fliegt. Die meisten Spieler halten ihn zwischen dem Daumen und der Seite des Zeigefingers, wie auf dem Bild.

Es gibt ein Produkt namens “Gorilla Snot”, einen leichten Klebstoff, der das Plektrum vorübergehend an die Finger klebt. Wenn du glaubst, dass du ihn nötig hast und dich der Name nicht zu sehr abtörnt – fühl dich frei, ihn zu benutzen.

6. Lass deine Gitarre atmen.

Drücke deine Gitarre nicht so fest an dich, dass sie nicht mehr mit dem Klang schwingen kann. Positioniere deinen rechten Arm und deine rechte Hand außerdem so, dass sie die Saiten nicht dämpfen.

7. Was tun mit dem rechten Arm?

Sieh dir Keith Richards’ Anschlagtechnik bei “Angie” an.

Das Strumming hängt mehr von der Bewegung des rechten Arms ab als das einsaitige Flatpicking und Fingerpicking. Du musst in der Lage sein, schnell und präzise anzuschlagen und dabei das richtige Timing einzuhalten, entweder im Einklang mit sich selbst oder mit der Band.

Allerdings gibt es viel zu viele Kontroversen darüber, ob man aus dem Ellbogen oder aus dem Handgelenk strummen soll. Meiner Erfahrung nach erfordert das Strumming ein Gleichgewicht von beiden, aber das ist deine Lernkurve, also schau dir die Spieler in diesen Videos an und finde deinen eigenen Stil.

Jon Bon Jovi benutzt hier nicht nur sein Handgelenk und seinen Ellenbogen, sondern auch seine Schulter zum Strummen.

Wenn das Akkorddiagramm stumme Saiten anzeigt (du siehst ein “x” über der Saite), versuche, sie mit dem linken Daumen stumm zu schalten, um zu vermeiden, dass das Plektrum sie zum Klingen bringt. Wenn es dir anfangs schwer fällt, alle Saiten anzuschlagen, schlage sie sehr, sehr langsam an und beschleunige erst, wenn sich der Klang verbessert. (Seit vielen Jahren verwenden Jazzmusiker die Slowpoke-Methode, um schwierige Passagen zu meistern und den Klang ihres Spiels zu verbessern. Auch du kannst immens von diesem Trick profitieren).

8. Lerne einige grundlegende Rhythmen und übe sie.

Im Wesentlichen besteht das Strumming aus Auf- und Abschlagen, Auf- und Abschlagen – auf einen bestimmten Rhythmus. Wenn du verschiedene Rhythmen lernen möchtest, kannst du online per Google-Suche eine Vielzahl von Rhythmusmustern finden. Aber versteife dich nicht zu sehr darauf, die Muster präzise einzuhalten – Strumming ist eine Freiformtechnik, die man nicht festnageln sollte. Es ist besser, seinen eigenen Groove zu finden und mit ihm zu rollen.

9. Lerne, wie man Saiten dämpft.

Selbst als Anfänger kann man das lernen; es ist nicht so schwer, und außerdem macht es Spaß. Es bedeutet, dass man für den Bruchteil einer Sekunde den Akkord mit der linken Hand nicht so fest runterdrückt. Das führt das, dass die Resonanz der Gitarre kurz gestoppt wird und so ein knackiger Beat erzeugt wird.

Versuche, beim Anschlagen eines Akkords wie F, bei dem du die meisten Saiten gedrückt halten musst, mit deiner linken Hand zu “pulsieren”: Halte  die Saiten runter und hebe deine Finger immer wieder gerade so weit an, dass die Saiten beim Anschlagen nicht klingen. Mache das im Rhythmus und genieße den Sound, den das erzeugt. (Du kannst die Saiten auch mit der rechten Hand dämpfen, aber das ist eine kniffligere Lektion, mit der wir uns später beschäftigen werden).

Hör dir an, wie Darius Rucker die Saitendämpfung einsetzt (hörst du den Boom-chik, der um 1:45 beginnt?), um seinem Rhythmus den richtigen Wumms zu geben.

10. Begeistere dich!

Gutes Strumming hängt mehr als jede andere Gitarrentechnik von deiner Begeisterung ab. Sie ist auch beim einsaitigen Flat-Picking und Fingerpicking wichtig, aber die Einfachheit und Unmittelbarkeit des Strummings hat etwas, das erst durch Begeisterung wirklich zum Leben erweckt.

Hier ist ein Experiment für dich: Wenn du grob gelernt hast, wie du deinen Song strummst, nimm dich selbst beim Spielen auf. Jetzt leg die Gitarre hin, setz dir deine Kopfhörer auf und hör dir dein Lieblings-Rouser an – diesen einen Song, der dich jedes Mal packt und auf den Berggipfel hebt. Verwende diese Energie, um den Song noch einmal zu spielen und aufzunehmen. Hörst du den Unterschied? Das ist Begeisterung.

Die Beatles müssen sehr begeistert gewesen sein, als sie verkündet haben, dass man mit Geld keine Liebe kaufen kann:

Hier sind 5 essentielle Strumming-Muster zum Lernen:

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Je weiter du fortschreitest, desto komplexere Rhythmen kannst du dir vornehmen. Du kannst zum Jazz-Comping übergehen, was viel schwieriger ist, als es aussieht! Du kannst auch lernen, einzelne Saiten beim Strumming zu zupfen. Aber denke immer daran: Mit Begeisterung und Achtsamkeit findest – und behältst – du deinen eigenen Strumming Groove!

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Es gibt so viele Arten, an das Songwriting heranzugehen, wie es Songwriter gibt. Wenn du dich dafür entscheidest, dass das Komponieren von Musik dein Ding ist, wirst du feststellen, dass auch du eine einzigartige Methode in dir trägst, einen eigenen Songwriting-Prozess, der sich herauskristallisieren wird, je mehr du experimentierst. Aber für heute werden wir dir eine supereinfache Methode des Songschreibens vorstellen, um dir den Einstieg zu erleichtern. Dazu musst du keine Noten oder Tabulatur lesen können, womit es auch für Gitarrenanfänger keine Entschuldigung mehr gibt, es nicht einfach mal zu versuchen.

Jeder hat mit einem ersten Song angefangen! Bob Dylans erstes Lied war eine Hommage an einen anderen Songwriter, Woody Guthrie. Damals schrieb kaum ein Sänger seine eigenen Lieder. Bobs erster Song war also für einen der wenigen, die es taten.

Um dafür bereit zu sein, deinen ersten Song zu schreiben, musst du als erstes deine Würde ablegen. Wenn du dir Sorgen machst, dass sich jemand über dich lustig machen könnte, arbeite allein. Wenn du es nicht ertragen kannst, wie ein Idiot zu klingen, überwinde dich – wir klingen anfangs alle wie Idioten. Das Wichtigste für den Moment ist, dass du dich frei fühlst für ein Brainstorming, das deiner Kreativität die Tür öffnet.

Fangen wir an! Alles, was du brauchst, ist eine Gitarre, die Uberchord-App, ein Aufnahmegerät sowie Stift und Papier.

1. Fange mit einem Satz an

Vielleicht ist es etwas, das du in dein Tagebuch geschrieben hast. Vielleicht ist es irgendein dummer Spruch, den du und deine Freunde immer zueinander sagen. Vielleicht hat deine kleine Schwester, die gerade das Sprechen lernt, etwas erstaunlich Niedliches gesagt. Dieser Satz oder Phrase bildet den Titel, die erste Zeile oder den Refrain deines Liedes.

Hol Stift und Papier heraus und schreib den Satz auf. Vielleicht fällt dir, sobald du ihn aufschreibst, ein weiterer ein, und noch einer, und noch einer. Mach weiter und schreib diese Zeilen auf, sowie sie dir einfallen. Halte Stift und Papier griffbereit, denn du wirst sie brauchen, um dem Song weitere Worte hinzuzufügen und dir Notizen über die Akkorde zu machen.

(Paul McCartneys erstes Lied war “I Lost My Little Girl”. Er schrieb es auf seiner ersten Gitarre, einer Framus Zenith-Akustikgitarre, die er immer noch besitzt. Er singt das Lied in diesem Video).

https://www.youtube.com/watch?v=QgpEmgAlHhg

2. Behalte diesen Satz im Gedächtnis, wenn du beginnst, Gitarre zu spielen.

Spiele in der Tonart, die dir im Moment am liebsten ist. Verwende deine Uberchord-App, um eine Akkordfolge auszuwählen. Du kannst sogar die Akkordfolge deines Lieblingssongs verwenden, denn während Melodien dem Urheberrecht unterliegen, sind Akkordfolgen frei verfügbar. Niemand hat bisher eine Akkordfolge urheberrechtlich geschützt! Achte nur darauf, dass du bei der Verwendung der Akkordfolge aus einem anderen Song nicht auch dessen Melodie oder Text übernimmst. Deine Melodie und dein Text müssen beide selbstgeschrieben sein.

Spiele weiter, entspanne dich und gleite in diesen ganz speziellen Zustand hinüber, lasse die Ideen unzensiert zu dir kommen. Fange beim Spielen an zu summen und summe mit deiner Gitarre weiter, bis du eine Melodie geschaffen hast.

Versuche nun, anstatt zu summen, deine spezielle Phrase zusammen mit der von dir geschaffenen Melodie zu singen. Dies wird einige Wiederholungen erfordern, aber schließlich wird die Phrase zur Musik passen. Du solltest deine Stimme an dieser Stelle aufnehmen, wenn du Angst hast, du könntest die Melodie vergessen.

(Keith Richards schrieb seinen ersten Song, “As Tears Go By”, nachdem sein Manager ihn mit Mick Jagger in eine Küche gesperrt und ihnen gesagt hatte, dass er sie nicht rauslassen würde, bis sie einen Song geschrieben hätten).

3. Schreibe den Liedtext fertig

Bevor du dich jetzt sträubst, denke daran, dass nun die kreativen Voraussetzungen dafür geschaffen sind, den Liedtext fertig zu stellen. Vielleicht hast du festgestellt, dass dir beim Singen der Phrase automatisch andere Reimphrasen in den Sinn kamen. Wenn du sie noch nicht aufgeschrieben hast, ist jetzt der richtige Zeitpunkt. Du kannst entweder weiter auf der Gitarre herumklimpern, während du nach lyrischen Ideen suchst, oder du kannst dich auf Papier beschränken.

Wenn du das Standardformat Strophe und Refrain wählst, brauchst du verschiedene Musikideen für den Refrain und mindestens zwei Strophen, aber abgesehen davon ist alles möglich. Du kannst sogar beschließen, deine Phrase einfach immer und immer wieder zu wiederholen!

(Du kommst einfach nicht über die erste Phrase hinaus? Kein Grund zur Sorge! Viele Songwriter, z.B. Fat Boy Slim, schreiben Lieder, die einfach den ersten Satz wiederholen, wie in “Funk Soul Brother”)

4. Polier es auf Hochglanz!

An dieser Stelle verwandelst du dein Brainstorming in ein fertiges Produkt, das für jemand anderen gespielt und gesungen werden kann. Gehe deine Texte auf dem Papier durch und übe sie zu singen. Korrigiere sie dabei, um sicherzustellen, dass sie flüssig und leicht zu singen sind.

Jetzt kannst du deine Uberchord-App hervorholen, um die Akkordfolge durchzuspielen und überprüfen zu lassen, dass du sie korrekt spielen.

Gib das Lied mit dem fertigen Text ein und füge die Akkorde dort hinzu, wo sie hingehören. Achte darauf, dass du deinen Namen als Komponist nennst!

Wenn dir das so gut gefallen hat, dass du auch weiterhin Songs schreiben möchtest, stehen dir viele Abenteuer in Sachen Instrumentierung, Schreiben, Stil, Musiktheorie, Experimentieren, Arrangieren und hoffentlich auch Audioaufnahme und Live-Performance bevor. Gute Reise!

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Diese Woche stellen wir dir Progressionen in der Folk Music vor, werfen einen Blick auf das, was sie von anderen unterscheidet, und präsentieren dir ein paar tolle Songs zum Nachspielen. Halte deine Uberchord App (klicke zum kostenlosen Download) griffbereit! Für ein wenig Hintergrundwissen über Akkordprogressionen und warum es hilft, sie auswendig zu kennen, schau dir unbedingt die vorherigen Beiträge in dieser Reihe an.

Was ist ist “Folk Music”?

Es ist allgemein anerkannt, dass der Begriff “Folk Music” verwendet wird, um zwei getrennte musikalische Ströme zu definieren, nämlich den Folk der Gegenwart und den Folk der Vergangenheit:

1) Der Folk der Vergangenheit: Ein uralter Strom der Inspiration

Diese Kategorie umfasst jene Musiktraditionen, die soweit zurückgehen, wie sich gerade noch jemand erinnern kann, und die von der armen Landbevölkerung ohne Zugang zu höherer Bildung geschaffen und weitergegeben wurden. Aufgrund ihrer musikalischen Einfachheit, kindlichen Unschuld, authentischen Emotionen und der Darstellung bescheidener Themen steht sie auf einer Stufe mit der Volkskunst. In ihrer reinen Form wird sie fast immer auf akustischen Instrumenten gespielt, und die meisten Lieder stammen aus der Feder des ehrwürdigen A. No Nym.

Dieser Strom ist seit langem eine Quelle der Inspiration für “höhere”, anspruchsvollere Genres wie Klassik und Jazz sowie für Rock, Reggae und Country-Musik. Immer wieder hört man neue Versionen der alten, traditionellen Songs von modernen Künstlern, lange nachdem alle vergessen haben, wer das Lied eigentlich geschrieben hat. Beispiele dafür sind “House of the Rising Sun”, “On Top of Old Smokey” und “Darlin’ Corey”. Diese Songs haben etwas so Rohes, Reines und Menschliches an sich, dass sie immer wieder aus der Versenkung auftauchen und uns geradezu verfolgen.

Ein Folksänger in dieser Tradition ist weniger ein Songwriter als vielmehr ein Songüberträger, der die alten Songs in seinem eigenen, einzigartigen Stil interpretiert und vielleicht sogar ein oder zwei Strophen hinzufügt, bevor er die Essenz des Liedes an die nächste Generation weitergibt.

Obwohl es in diesen alten Liedern keine typische Akkordprogressionen gibt, folgen sie oft der einfachen I-IV-V-I-Progression, die den meisten westlichen Musikstücken gemein ist. Aber selbst wenn diese Progression verwendet wird, gibt es einige sehr interessante Variationen, z.B. werden die II-, III-, VI- und VII-Akkorde in die Grundprogression reingequetscht, wann immer sie irgendwie passen.

In der Volksmusik aus Kulturen des Nahen Ostens und Afrikas treffen wir oft auf Modi, die nicht ganz in die westliche Triosonatenform (vier Sätze von acht Takten) passen, sondern eher eine kurze musikalische Phrase verwenden, die eine unbestimmte Anzahl von Malen mit Variationen wiederholt werden, bevor eine Bridge mit einem anderen Rhythmus und einer anderen Melodie gespielt wird. Wir finden dies sogar in den Vereinigten Staaten in einigen Musikstücken der amerikanischen Ureinwohner und im Blues des nördlichen Mississippi.

2). Der Folk der Gegenwart: Akustische Selbstreflexion, Aufrüttler und Protestsongs

Die zweite Untergattung der Folkmusic ist sehr stark von den alten Traditionen inspiriert und nimmt oft die alten Lieder in ihr Repertoire auf. Einige der größten Singer-Songwriter des zwanzigsten Jahrhunderts begannen als Folksänger, bevor sie sich für musikalische Innovation entschieden und eigene Songs schrieben. Doch auch dann ließen sie sich noch von der Tradition inspirieren und interpretierten zuweilen die alten Lieder neu.

Die neueren Folksänger neigten dazu, in eine von zwei Richtungen zu gehen; entweder sie blieben weiterhin eine Stimme für die Stimmlosen und sangen gegen Ungerechtigkeit, wie Bob Dylan, Joan Baez und Buffy Sainte-Marie, oder sie wandten sich nach innen und erforschten ihre eigenen emotionalen Landschaften, wie Joni Mitchel, Leonard Cohen oder Neil Young.

Aber die meisten taten beides, entweder weil die Grausamkeit der Welt sie auf ihr Inneres zurückwarf, oder weil ihre Reflexionen sie zu einer mitfühlenden Antwort auf das Leid zwangen.

Die Folksänger von heute führen diese Tradition in unzähligen Formen fort und verblüffen durch ihre Innovation und ihre Fähigkeit, dem Wesen der Folktradition treu zu bleiben und gleichzeitig für die sozialen Belange von heute relevant zu sein.

Die gute Nachricht für uns ist, dass die Gitarre das bei weitem häufigste Instrument in der neuen und alten Folkmusic ist. Wo immer du einen Folksänger siehst, siehst du mit Sicherheit mindestens eine Gitarre. Andere Genres verwenden auch Gitarren, aber die Folkmusic ist vielleicht das einzige Genre, in dem man oft einen einzigen, einsamen Sänger mit einer einzigen, einsamen Gitarre findet.

Neuere Folksänger sehen sich oft zu Unrecht eingeschränkt, besonders die Gitarristen, die die Dinge etwas auf-ampen wollen. Es stimmt, dass sich Folkmusiker fast immer für akustische Gitarren entscheiden, allenfalls mit einem Mikrofon davor. Aber ich habe einmal mit einem Gitarristen gearbeitet, der mich warnte: “Hütet euch vor den Folk-Nazis!” Diese, so erklärte er, wären die Leute im Publikum, die darauf bestünden, dass eine Gitarre, die in einem Verstärker stecke, keine Folkgitarre sei. Das mag erklären, warum Bob Dylan so viel Aufsehen erregte, als er mit einer E-Gitarre auf die Bühne kam. Wenn du dich dafür entscheidest, Folkmusic zu spielen, bleibe standhaft und lass dir nicht vom Publikum die Instrumentierung diktieren. Deine Gitarre, deine Regeln!

Ein universelles Genre

Es kann manchmal schwierig sein, zu sagen, welche Folksongs alt und welche neu sind, da einige der Songs, die am traditionellsten klingen, Autoren haben, die noch leben und deren Namen wir kennen, und einige Folksongs, die wir für modern halten, Hunderte von Jahren alt sind.

Im Gegensatz zu den meisten Musikgattungen, die wir uns angesehen haben, ist Volksmusik universell. Rock, Blues, Jazz und Country-Musik sind alle in Amerika entstanden, aber jede Kultur auf der ganzen Welt hat ihre eigenen, einzigartigen Volksmusiktraditionen. Nur die klassische Musik kann diese Universalität auch noch für sich beanspruchen, was vielleicht auch der Grund dafür ist, dass Volksmusik und klassische Musik so oft Hand in Hand gehen. Beethoven verwendete Melodien aus Hirtenliedern, Gershwin wurde von der Musik der Afroamerikaner des Südens inspiriert, und sowohl Wagner als auch Strawinsky bauten ihre Kompositionen auf uralter Folklore auf.

Die Volksmusik ist nicht nur ein internationales Phänomen, sondern jede Musikrichtung, die heute existiert, hat ihre Wurzeln im Folk. Jazz und Rock haben ihre Wurzeln im Blues, der seine Wurzeln wiederum in amerikanischen Volksliedern und afrikanischer Volkstanzmusik sowie in den volksmusikalischen Traditionen der britischen Inseln hat. Der Reggae verdankt seine Existenz nicht nur amerikanischen Pop-Genres wie Rhythm and Blues, sondern auch dem jamaikanischen Mento, einer Art ländlicher Volkstanzmusik. (Mit der Ausbreitung des Reggae in andere Länder nahm er auch deren Folk-Traditionen auf, ebenso wie den Jazz). Die Country-Musik gründet auf alten amerikanischen Folksongs und keltischen Melodien. Und wenn du dir die Volksmusik-Idiome einer beliebigen Kultur auf der Welt genauer ansiehst, wirst du feststellen, dass jede von ihnen eine Tradition hat, die unendlich weit in die Vergangenheit zurückreicht.

Was hebt die Akkord-Progressionen des Folk von anderen ab?

Wegen der oben genannten Aspekte existiert so etwas wie eine Standard-Folk-Akkord-Progression nicht. In den Subgenres ist es noch schwieriger, von typischen Akkordfolgen zu sprechen, da jedes Subgenre unterschiedliche verwendet.

Wir können jedoch sagen, dass die Folkmusic im Allgemeinen bestimmte Merkmale aufweist, die sie von anderen Genres unterscheiden. Diese können hilfreich sein, wenn du deine lokale Gewerkschaft zum Handeln anregen, eine starke Botschaft an die Geschäftswelt senden oder gegen einen Krieg protestieren willst. Hier sind ein paar von den Dingen, die die Volksmusik anders machen:

1. Viele Songs stehen in Moll.
2. Auch wenn sie in Dur stehen, verwenden sie trotzdem viele Moll-Akkorde.
3. Folk ist eins der wenigen Genres, in denen es erlaubt ist, einen VII Akkord zu benutzen.
4. Akkordwechsel sind selten.
5. Die Tonika (oder der Grundakkord) wird in den Progressionen des Folk wesentlich öfter verwendet als in anderen Genres.
6. Die Akkorde beschränken sich in der Regel auf die einfachen Dreiklangsformen, ohne dass zusätzliche 6., 9. und 13. Noten hinzugenommen werden (V7-Akkorde wiederum sind üblich).

Aber davon abgesehen sind keine Grenzen gesetzt!

Ein paar gute Songs

Viele Songwriter wühlen sich durch alte Folksongs, um interessante Akkordfolgen zu kopieren. Das ist nicht nur völlig legal (nur das Kopieren einer Melodie kann Ärger bringen), der neue Song klingt in der Regel auch nicht wie die Folk-Progression, die übernommen wurde!

Anstatt also auf typische Folk-Progressionen einzugehen, gehen wir nun auf die Progressionen bestimmter Lieder ein, die in der Folktradition stehen.

Keltische Musik: Siúil a Rún

Keltische Musik ist von intensivem Gefühl geprägt. Sie kann romantisch, fröhlich oder melancholisch sein, aber sie ist immer kraftvoll. Dieses bewegende Liebeslied, das von einem irischen Mädchen handelt, dessen Geliebter nach Frankreich aufbricht, steht in der Tonart d-Moll. (Beachte das häufige Erscheinen des VII. Akkords, der dem Ganzen einen eindringlichen Klang gibt).

I-VII-VI-VII-I

III-VI-VII

I-VII-VI-VII-I

VII-I

Dm           C        Bb   C   Dm

I   wish I was on yonder hill

F                       Bb     C

‘Tis there I’d sit and cry my fill,

Dm           C               Bb   C Dm

And every tear would turn a mill,

C                           Dm

Iss guh day thoo avorneen slawn.

Deutschland: Die Gedanken Sind Frei

Dies ist ein großer alter Aufrüttler aus Deutschland. Er wird seit vielen Jahren von Gefangenen, Partisanen und Revolutionären gesungen, und in der jüngeren Vergangenheit auch von dem verstorbenen Leonard Cohen. Diese Version steht in C-Dur. Die Progression ist sehr einfach, basiert auf der konventionellen I-IV-V-I-Progression, kehrt aber zum Zweck der Betonung immer wieder zum I-Akkord zurück und erzeugt einen stolzen, selbstbewussten Klang.

I-V-I

I-V-I

V-I-V-I

IV-I-V-I

C                     G         C

Die Gedanken sind frei, wer kann sie erraten?

C                 G7         C

Sie ziehen vorbei wie nächtliche Schatten.

G               C           G7     C

Kein Mensch kann sie wissen, kein Jäger erschießen,

F         C                 G7   C

Es bleibet dabei: Die Gedanken sind frei!

Frankreich: Au Clair de La Lune

Dieser alte Klassiker steht hier in C. Eine interessante musikalische Neuerung besteht darin, dass er die Tonart für nur zwei Takte (die zweite Zeile des Refrains) wechselt, was für einen einzigartigen Klang sorgt.

I-V-IV-V-II-V-IV-V-III
(Tonart wechselt zu G)
V-I
(Tonart wechselt zurück zu C)
I-V-IV-V-I C

C                       G    C       G7               C
Au clair de la lune mon ami Pierrot?

G     C        G7       C
Prête-moi ta plume   pour écrire un mot.

G                                                           G7
Ma chandelle est morte, je n’ai plus de feu,

C                       G     C          G7        C
ouvre-moi ta porte   pour l’amour de Dieu.

Amerikanisch: What Wondrous Love is This?

Dies ist eine wunderschöne alte Volkshymne aus den Appalachen. Die Akkordfolge ist einfach, aber eindringlich, ebenso wie die Melodie. Sie verwendet eine Version der I-IV-V-I-Progression, jedoch in Moll. Diese Version steht in a-Moll.

Progression:

I-V-I

IV-V-I

I-V-I

I-V-I

Am                                                      Em               Am

What wondrous love is this, oh my soul, oh my soul?

Dm                                   Em              Am

What wondrous love is this, oh my soul?

Am

What wondrous love is this

Em                           Am

That caused the Lord of Bliss

Em               Am

To bear the dreadful curse for my soul, for my soul,

Dm                                   Em              Am

To bear the dreadful curse for my soul?

Obwohl sie alles andere als einfältig ist (sie ist ein integraler Bestandteil vieler intellektueller Bewegungen), ist Folkmusic relativ einfach zu spielen. Wenn du also deine Uberchord-Trainingssessions abarbeitest, wirf ein paar einfache Folksongs ein, um sie interessanter zu machen!

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Eine der großen Freuden des Gitarrelernens ist das Entdecken der wunderschönen, nicht standardmäßigen Akkorde, die dennoch leicht zu spielen sind! Du kannst sie verwenden, um Lieder, die du bereits kennst, zu verfeinern, denn auch wenn sie vielleicht nicht Teil der Standard-Akkordprogression sind, können sie das gewisse Extra liefern, wenn “normale” Akkorde nicht ganz ausreichen.

Diese Akkorde sind am häufigsten in Prog Rock, Fusion, Jazz und experimenteller Musik zu finden, und zwar nicht, weil sie schwer zu spielen wären, sondern weil es die abenteuerlustigeren Musiker sind, die dazu neigen, sie zu verwenden. Dennoch sind viele der Akkordpositionen  nicht schwieriger zu spielen als Standardakkorde, und es gibt keine festen Regeln, wann man sie benutzt. Warum nicht selbst mal ein solcher  abenteuerlustiger Musiker sein?

Wir haben Diagramme einiger Positionen beigefügt, aber du kannst auch gerne zu unserem Akkordfinder gehen und sehen, ob es andere Positionen gibt, die du ausprobieren möchtest. Du kannst außerdem die Uberchord App verwenden, um dir den Namen des Akkordes sagen zu lassen, den du gerade spielst. Wenn du also mal den Namen eines Akkords vergessen oder einen “neuen” erfunden hast, spiel ihn einfach der App vor und sie sagt dir, wie er heißt.

Sus4-Akkorde

Dies ist ein wunderschöner Akkord, bei dem die mittlere Note um einen Halbton erhöht wird, also die Terz durch die Quarte ersetzt wird. Der Name kommt vom englischen “suspended” (“aufgeschoben” oder auch “schwebend”). In der Akkordfolge “schwebt” der durch die Quarte verschobene Akkord zum Grundakkord hin. Aber um die Theorie brauchst du dich jetzt nicht zu kümmern.

So schön sie auch für sich alleine klingen, so sehr betteln die schwebenden sus4-Akkorde um Auflösung. Anders gesagt, wenn du einen Dsus4 spielst, solltest du danach besser einen normalen D-Akkord spielen, sonst haben deine Zuhörer das Gefühl, in der Luft hängengelassen worden zu sein. Aber keine Sorge – von einem sus4-Akkord zu einem einfachen Akkord zu wechseln, ist ganz einfach – man muss nur einen einzigen Finger verändern.

Sus2-Akkorde

Dieser Akkord ist luftig, ätherisch und resonant. Er ist dem sus4-Akkord ähnlich, kann aber für sich alleine stehen, und einige von Joni Mitchells Songs enthalten einen sus2 nach dem anderen. In diesem Akkord wird die Terz durch eine Sekunde ersetzt.

Dur-Septakkorde

Bei einem Dur-Sept-Akkord wird dem Akkord die 7. Note der Tonleiter hinzugefügt, und da diese 7. Note um einen Halbton erhöht wird, ist sie Dur und nicht Moll, wie es normalerweise in der Dur-Tonleiter der Fall ist. Es handelt sich um einen leicht dissonanten Akkord, der genau den richtigen Hauch von verwirrter Melancholie hinzufügen kann.

Verminderte Septakkorde

Bei verminderten Septakkorden wird der 7. Ton der Tonleiter zum Akkord hinzugefügt und einen Halbton erniedrigt, so dass er vermindert ist, nicht Moll, wie es bei einem normalen Dur-Akkord der Fall wäre. Auch dieser Akkord ist dissonant, und zusätzlich ein wenig skurril.

6-, 9-, 11-, und 13-Akkorde

Wir behandeln all diese zusammen, weil es zu lange dauern würde, jeden einzeln zu erklären. Außerdem haben diese Akkorde einige wichtige Eigenschaften gemeinsam. Einige von ihnen sind vielleicht etwas schwieriger zu spielen, aber wenn du sie mit sportlicher Freude angehst, wirst du leicht einige von ihnen in dein Akkordrepertoire aufnehmen können.

Die Zahlen beziehen sich auf die Noten in der Tonleiter. Wenn du zum Beispiel einen D13 spielen willst, musst du von D an deinen Fingern 13 Noten hochzählen, was dich zum H in der nächsthöheren Oktave bringt.  Ein D13-Akkord muss also ein hohes H enthalten.

Diese Arten von Akkorden werden oft als “Voicings” bezeichnet, weil sie dem Grunddreiklang alternative Stimmen verleihen. Voicings sind nicht so sehr ein integraler Bestandteil von Akkordfolgen als vielmehr Optionen, die du nach Belieben verwenden kannst.

Die gute Nachricht ist, dass du diese Akkorde, wenn du einem von ihnen in einer Akkordfolge begegnest, ihn aber noch nicht ganz beherrscht oder die Position für dich zu schwer zu spielen ist, durch die Standardakkorde ersetzen kannst. Das ist nicht perfekt, funktioniert aber vorerst.

Genauso werden Jazzmusiker diese Akkorde auch dann einfügen, wenn das Notenblatt es nicht verlangt. Sie lassen ihr Gehör entscheiden, wo in der Musik ein solcher Akkord den Klang verbessern könnte.

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Alternative Akkorde können deine Motivation aufrecht halten, wenn dich die ewigen Wiederholungen langsam langweilen. Sie können dir Selbstvertrauen und größere Zufriedenheit für dein eigenes Spiel geben. Noch besser: Sie können dich wie einen viel erfahreneren Gitarristen klingen lassen, als du eigentlich bist, besonders wenn du die Akkorde auch noch benennen kannst! Halte deine Uberchord-App griffbereit, und du wirst im Handumdrehen wie ein Experte aussehen und klingen.

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Willkommen zu einer weiteren Episode unserer Akkordfolgen-Reihe! Wir hoffen, dass dich die Lektüre dieses Artikel für das Spielen in deinem Lieblingsgenre stärkt und du danach vielleicht sogar inspiriert bist, mal in andere Genres hineinzuschnuppern. Das ist nie verkehrt und macht dich zu einem vielseitigeren Gitarristen.

Heute stellen wir dir das Genre vor, das auf der einfachsten und gebräuchlichsten Akkordfolge in der westlichen Musik basiert: I-IV-V-I.

(In der Tonart C-Dur wäre dies zum Beispiel C-F-G-C.) Wir werden die Geschichte der Country-Musik streifen, darüber sprechen, was sie anders macht, und dir einige gute Beispiele zum Nachspielen geben.

Was sind Akkordprogressionen?

Eine Akkordprogression ist einfach die Folge von Akkorden, die man spielt, um eine Melodie zu begleiten, und wie wir bereits in früheren Artikeln erläutert haben, ist das eines der musikalischen Elemente, die einem Genre seinen besonderen Klang verleihen und es von anderen Genres unterscheiden.

Für die Bezeichnung von Akkorden verwenden wir römische Ziffern, die auf die jeweiligen Positionen in der Tonleiter zurückgehen. I ist der erste Akkord einer Tonleiter, II der zweite und so weiter ist. Es ist wichtig zu wissen, welche der Akkorde in einer Tonart Dur, welche Moll und welche vermindert sind. Das hängt davon ab, ob man in einer Dur- oder einer Molltonart spielt.

Von den Musikern in Nashville werden allerdings nicht römische Ziffern verwendet, sondern die allgemein bekannteren arabischen Ziffern (1, 2, 3 usw.). Für den Fall, dass du an die römischen Ziffern gewöhnt bist, haben wir beide Schreibweisen aufgenommen.

Die Akkorde der Dur-Tonleiter

• I 1, Akkord: Dur
• II 2. Akkord: Moll
• III 3. Akkord: Moll
• IV 4. Akkord: Moll
• V 5. Akkord: Dur
• VI 6. Akkord: Moll
• VII 7. Akkord: vermindert

(Wie in der Rockmusik wird der 7. oder VII-Akkord in Country-Akkordfolgen nur selten verwendet).

Die Akkorde der Moll-Tonleiter

• I 1. Akkord: Moll
• II 2. Akkord: vermindert
• III 3. Akkord: Dur
• IV 4. Akkord: Moll
• V 5. Akkord: Moll
• VI 6. Akkord: Dur
• VII 7. Akkord: Dur

Die 8-Takt-Phrase

Wenn wir von einer bestimmten Akkordfolge sprechen, beziehen wir uns auf die Akkorde, die für eine achttaktige musikalische Phrase verwendet werden, da die achttaktige Phrase eine der Grundeinheiten in der westlichen Musik ist. Normalerweise wiederholt der Komponist die gleiche Abfolge zweimal, fügt dann acht Takte einer anderen Abfolge hinzu und wiederholt dann die erste Abfolge. Einige Genres wollen sich abheben und stellen dieses etablierte Muster in Frage, aber mit wenigen Ausnahmen bleibt beispielsweise die Country-Musik meist ziemlich nahe an diesem Arrangement.

Inwiefern sind die Akkordfolgen in der Country-Musik anders?

Country-Musik ist dafür bekannt, dass sie musikalische Konventionen nicht in Frage stellt und daher die Akkordfolgen meist die gleichen bleiben. Auch andere musikalische Neuerungen werden vermieden, wie zum Beispiel Bridges mit Tonartwechseln in der Mitte eines Liedes oder das Hinzufügen zusätzlicher Noten zu einem Grund-Dreiklang: Ein G7-Akkord gehört noch zur Norm, aber 6er-, 9er- und 13er-Akkorde sind definitiv out. Viele Country-Lieder haben nicht einmal einen Refrain! Zu allem Überfluss sind die meisten Melodien auf die Dur-Tonarten G, A, C, D, E und F beschränkt, und da alle Akkorde in der I-IV-V-I (1-4-5-1 in Nashville) Progression Dur sind, gibt es in der Grundstruktur keine Moll-Akkorde. Findest du doch einen Moll-Akkord in einer Country-Progression, handelt es sich fast immer um einen VI (6).

Tennisspielen mit aufgestelltem Netz

Bevor du jetzt die Nase über die Country-Musik rümpfst, weil sie dir musikalisch zu einfach erscheint, denk noch einmal nach. Es mag andere Gründe geben, Country-Songs abzulehnen (deprimierende Texte, weinerlicher Gesang und scheußliche Outfits ganz oben auf der Liste), musikalische Einfachheit gehört nicht dazu.

Erinnerst du dich an unsere KISS-Regel? “Keep it simple, stupid” bringt nicht nur Gelassenheit ins Leben, sondern kann die Grundlage für die beliebtesten und zeitlos ansprechendsten Lieder sein. Was die Country-Musik hörbar und lebendig hält, ist das, was kreative Künstler innerhalb der strengen Grenzen der I-IV-V-I-Progression leisten.

Auf die Frage, warum er sich in seinen Gedichten an Regeln der Grammatik, des Rhythmus und des Reimens hielt, gestand Robert Frost: “Ich spiele Tennis gerne mit aufgestelltem Netz”. Manchmal braucht es herausfordernde Einschränkungen, um das Beste aus der Kunst herauszuholen, weshalb die Country-Musik einige der größten Gitarristen aller Zeiten hervorgebracht hat.

Aber es gibt noch einen weiteren Grund, warum die Einfachheit der I-IV-V-I-Progression Bestand hat: Sie ist so demokratisch! Man muss nicht reich oder gebildet oder von hohem Stand sein, um Countrymusik zu beherrschen. Jeder mit Talent und einer Box mit Saiten drauf kann Musik machen, und viele solcher Leute können sich zusammenfinden, um die Lieder zu spielen, die sie alle kennen. Was das Publikum betrifft, so braucht man keine musikalische Bildung, um Countrymusik zu “begreifen”.

Weil sie auch für die arme, marginalisierte Landbevölkerung verfügbar war, war die Countrymusik traditionell Ausdruck einer emotionalen Authentizität, wie sie nur solche Menschen mitbringen können.

Old Time

Old Time Music (manchmal auch als “Old Tyme” oder “Old Timey” geschrieben) ist die authentischste, älteste und reinste Form der amerikanischen Country-Musik. Wenn man tief genug in sie eindringt, findet man Anklänge an die keltischen Modi, Melodien und lyrischen Themen, die sie inspiriert haben. Viele der Lieder, zum Beispiel “Lord Randal”, wurden tatsächlich von den Britischen Inseln nach Amerika gebracht, wo sie immer noch in sehr unterschiedlichen Versionen gesungen werden. Die “Musik der alten Zeit” unterlag nicht denselben Beschränkungen wie Bluegrass oder kommerzielle Country-Musik (einige seltsamere Elemente wurden in den beiden Untergattungen später ausgemerzt), aber die Grundstruktur I-IV-V-I war ihr Fundament.

Vor allem in der Old Time Music finden wir diesen “hohen, einsamen Sound”, auf den oft Bezug genommen wird, wenn von den eindringlichsten Country-Liedern die Rede ist – diese seltsame Tonlage, die einen an starken Wind denken lässt, der an einem schmalen Bergpass durch die Kiefern heult, oder an das Jaulen von Wölfen in dunklen Tälern. Was sind die Zutaten des “hohen, einsamen Klangs”? Das Hinzufügen der Moll-VI-Akkorde zu den Grundakkorden I-IV-V-I, einige seltsame Banjostimmungen, Doppelsaiten auf der Fiddle, tragische Texte und eine leidenschaftliche Gesangsdarbeitung sind einige der Elemente, aber es ist immer noch ein Rätsel, wie genau dieser eindringliche Klang entsteht.

(Wenn du mit dem Klang echter Oldtime-Musik nicht vertraut bist, hör dir einige der Beispiele auf dieser Folkways-Seite an).

Bluegrass

Bluegrass ist ein relativ neues Phänomen in der amerikanischen Musik, das von Bill Monroe in den 1940er Jahren in Kentucky fast im Alleingang geschaffen wurde. Das neue Genre basierte weitgehend auf Monroes Old Time Music-Hintergrund, aber eine selten anerkannte Tatsache ist, dass Bluegrass-Musik stark auf die amerikanischen Sklaven zurückgeht. In den Bergen der Südstaaten, aus denen der Bluegrass ursprünglich stammt, wurden viele geflohene und später freigelassene schwarze Sklaven versteckt, wo ihr Einfluss auf die dortige Volksmusik schließlich zu einem Bestandteil des Bluegrass wurde. Bill Monroe beharrte oft darauf, dass seine neue musikalische Entwicklung ein Produkt des Hörens von schwarzer Musik sei und dass der Name “Bluegrass” sich nicht auf die gleichnamigen Grasflächen in Kentucky beziehe, sondern auf die ländlichen und bluesigen Wurzeln des Genres.

Die Akkordfolge I-IV-V-I, die der Bluegrass von der Old Time Music erbte, war in Stein gemeißelt; Bill Monroe war sehr streng mit den Akkordfolgen. Wenn jemand versuchte, am Grundmuster herumzupfuschen, sagte er: “Es klingt gut, aber es ist nicht Bluegrass”.

Mit Strenge und Innovation

Innerhalb dieser engen Form entstand eine überraschende Menge musikalischer Erfindungen. Zum einen führte der Bluegrass die Polyphonie wieder ein – die harmonische Vermischung von zwei oder mehr Instrumenten, die gleichzeitig verschiedene Melodien spielen. Die strenge Akkordformel machte es möglich, dass jeder der Musiker in einer vier- oder fünfköpfigen Bluegrass-Band (die immer aus Gitarre, Bass und Banjo und manchmal auch aus Fiddle, Mandoline, Schlagzeug und Steelguitar bestand), rhapsodische Triller und ekstatische Läufe spielen konnte und trotzdem alles glänzend zusammenpasste.

Eine weitere reizvolle Neuerung im Bluegrass ist die Verwendung des fünfsaitigen Banjos, eines Instrumentes, dem in Bluegrass-Bands mehr Freiheit gewährt wird als jedem anderen Instrument (möglicherweise wegen seiner Lautstärke). Bluegrass-Banjospieler können aus einer Vielzahl von Banjostimmungen wählen, um die Gefühlslage des Songs zu verändern. Sie können auch in der Mitte eines Songs die Stimmung ändern, so dass die Stimmung an sich wie ein musikalisches Element rüberkommt. Sie können in vierstimmiger Harmonie zusammen singen. Sie können erstaunliche Soli  spielen.

Lass uns spielen!

Aber genug geredet. Zeit zum Handeln. Hol deine Axt und deine Uberchord-App heraus und probiere diese Melodien aus.

Jedes dieser Songbeispiele verwendet die Progression I-IV-V-I, jedoch mit sehr unterschiedlichen Stilen und Klängen. Aus Platzgründen haben wir nur die erste Strophe und den Refrain jedes Liedes aufgeführt, aber der Rest der Texte ist online leicht zu finden.

Old Time: Man of Constant Sorrow

Intro: C   F  G7 C

C                    G          G7                     C
(In constant sorrow    through his days)
C                                               F
Well I am a man of constant sorrow,
G7                    C
I’ve seen trouble all my days.
C                                        F
I bid farewell to old Kentucky –
G7                       C
The place where I was born and bred.
C                             G  G7                       C
(The place where he    was born and bred)

C   F  G7 C

Bluegrass: Workin’ on a Building, von Bill Monroe

G

If I were a sinner, tell you what I would do–

C           D                          G

I’d quit my sinnin,’ and I’d work on a buildin’, too.

Refrain:

G

I’m workin’ on a buildin,’

I’m workin’ on a buildin’

C          D                   G

I’m workin’ on a buildin’ for my Lord, for my Lord.

Mainstream Country: Man in Black von Johnny Cash

Mit das Beste an der Countrymusik ist die Art und Weise, wie sie einfache Sprache verwendet, um zeitlose Wahrheiten auszudrücken. Dieser Klassiker ist ein Paradebeispiel.

G           C               G

Well you wonder why I always dress in black

C           Am

Why you never see bright colours on my back

C             G               C               G

And why does my appearance seem to have that sombre tone

Am                               D7

Well there’s a reason for the things that I have on

G                     C                   G

I wear the black for the poor and the beaten-down

C            Am

Living on the hopeless hungry side of town

C               G               C                 G

I wear it for the prisoner who has long paid for his crime

Am                         D7

But is still in there as a victim of the time

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Die Kenntnis gängiger Akkordfolgen ermöglicht es dir, mit anderen Akkordinstrumenten wie Keyboard, Banjo, Mandoline und sogar der Bassgitarre zu spielen, die ebenfalls mit Akkordfolgen vertraut sein muss. Und wenn du die Akkordfolgen nach Genre kennst, bist du als Musiker noch  vielseitiger und wandlungsfähiger.

Und was daneben auch noch wichtig ist: Es macht Spaß.

In dieser Artikelserie behandeln wir die wichtigsten und gebräuchlichsten Akkordfolgen jedes einzelnen Musikgenres. Neben Jazz werden wir auch Akkordfolgen aus Rock (einschließlich Prog, Indie, Grunge, Punk und Post-Rock), Country, Reggae, Folk und klassischer Musik ansehen (wenn wir eine wichtige vergessen haben, lass es uns wissen!).

Wir hoffen, dir so ein Werkzeug an die Hand zu geben, das dir das Gitarrelernen erleichtert und mit dem du dich soweit organisieren kannst, dass du den Kopf frei hast für deine Kunst und Kreativität und zu dem Gitarrenmeister werden kannst, zu dem du von Geburt an bestimmt bist.

Jedes Musikgenre hat seine eigenen ganz speziellen Akkordprogressionen, die Teil seiner Geschichte sind, es zu dem machen, was es ist, und ihm seine kulturelle Bedeutung verleihen.

Machen wir es uns leicht und beginnen wir mit Jazz.

Kann es wirklich so einfach sein?

Jazz 305 an der Dalhousie University war ein berüchtigter Kurs, weil er von jedem Studenten verlangte, ein berühmtes Jazzsolo zu singen, es aufzunehmen und als Abschlussprojekt einzureichen. Der Kurs wurde von dem großartigen Don Palmer unterrichtet, einem Saxophonisten aus Cape Breton, der bei Lee Konitz in New York studiert hatte und später mit vielen berühmten Musikern, darunter Tito Puente, auf Tournee ging. Natürlich hatte er eine Gig-Tasche voller großartiger Geschichten dabei.

Eines der wertvollsten Dinge, die Palmer uns lehrte, war, dass der Jazz, wenn man ihn zerlegt, eigentlich nur zwei Akkordfolgen hat. Das stimmt – die Progressionen fast jeder Jazzmelodie sind entweder die Akkorde des zwölftaktigen Blues oder die Akkorde von “I Got Rhythm”.

Bestimmt kann es nicht so simpel sein, dachte ich damals. Sicherlich kann eine der komplexesten und schwierigsten Musikgattungen nicht auf nur zwei Progressionen reduziert werden! Aber ein paar Jahre des Jazz-Hörens und des Herumklimperns auf der Gitarre überzeugten mich, dass er Recht hatte. Als ich dachte, ich hätte eine Akkordfolge gefunden, die zu keinem der beiden Schemata passte, musste ich nur etwas genauer hinsehen, um festzustellen, dass trotz einiger zusätzlicher Akkorde und Noten die ursprüngliche Progression dieselbe geblieben war.

Aber hier endet der einfache Teil. Zu sagen, dass ein Song auf einer bestimmten Akkordfolge basiert, bedeutet, dass er dieselbe Grundstruktur hat, nicht, dass er genau dieselbe Folge von Akkorden enthält. Sobald du eine grundlegende Akkordprogression kennst, musst du sie ein wenig verändern, damit sie deinen Bedürfnissen entspricht: Füge zum Beispiel einige Verzierungs-Akkorde hinzu, um die Übergänge von einem Akkord zum anderen zu erleichtern und alles weich und natürlich zu machen, und füge dann einige zusätzliche Noten (nicht nur die Noten des Dreiklangs) zu deinem Akkord hinzu, damit er jazzig klingt. An dieser Stelle kommt ein wenig Komplexität ins Spiel. Aber es wird dir nicht lange allzu schwierig erscheinen, denn wir sind ja hier, um dir zu helfen.

Progressionen als Kommunikationsmethode

Im Jazz, wie auch in vielen Bereichen des Rock, ist die Akkordprogression im Wesentlichen ein fließender Prozess; zum Beispiel kann es technisch gesehen für jede Note einer Melodie einen separaten Akkord geben, und manchmal gibt es sogar einen Akkordwechsel in der Mitte einer Note! Während sich die Melodie vorwärts bewegt, erzeugen der Platz der Note in der Melodie und die Harmonien, die sie begleiten, neue Akkorde. Du entscheidest, welche und wie viele dieser Akkorde du spielen möchtest.

Akkordfolgen sind ganz einfach Kommunikationsmethoden, auch wenn sie Ideen und Empfindungen vermitteln, die sich nicht in Worte fassen lassen (weshalb sie ja eben auch in musikalischer Form vorliegen).

Um die Idee dieser Kommunikationsweise besser zu erklären, werfen wir einen Blick auf die grundlegende zwölftaktige Blues-Akkordfolge (jeder Akkord steht für einen Takt): I – I – I – I – IV – IV – I – I – V – IV – I – I.

(In der Tonart E-Dur wäre dies z.B. E-E-E-E-A-A-E-E-B (deutsch: H) -A-E-E).

Hör dir Gary Clark Jr. an, wie er das spielt.

Während du zuhörst, stell dir vor, du gehst über ein Feld auf einen Apfelbaum zu (I). Du siehst einen Apfel auf dem Boden liegen (IV). Du lässt ihn dort liegen, aber du wirfst einen Blick zurück auf dein Haus und fragst dich, ob deine Mutter sich vielleicht freuen würde, wenn du ihr einen Apfel mitbringst (I). Dann siehst du einen größeren, feineren Apfel auf dem Boden (V) und beschließt, diesen aufzuheben und deiner Mutter zu bringen. Als du dich umdrehst, um nach Hause zu gehen, fällt dein Blick auf den ersten Apfel (IV) und du beschließt, ihn für dich selbst aufzuheben. Ziemlich bald bist du wieder zu Hause (I). Hör dir nun Gary an, wie er die Akkordfolge noch einmal durchspielt, während du dir vorstellst, wie du deiner Mutter erzählst, was gerade passiert ist.

Diese kleine Geschichte veranschaulicht, wie Akkordfolgen uns das Gefühl geben, loszugehen, etwas zu finden, dann etwas Besseres (oder Größeres oder Unheimlicheres usw.) finden, zum Ersten zurückkehren und schließlich zum Ende kommen. In der Geschichte könnte es auch darum gehen, sich auf ein Abenteuer einzulassen, sich zu verirren, gegen einen Riesen zu kämpfen und dann nach Hause zurückzukehren.

Das ist die Art von Geschichte, die man sich mit der üblichen zwölftaktigen Blues-Progression ausdenken kann. Wenn sich die Akkordfolge ändert, ändert sich auch die Geschichte. Manchmal nimmt deine Geschichte bizarre Wendungen. Manchmal verlierst du dich und bleibst verloren (d.h. die Progression löst sich nicht zum Grundakkord der Tonart auf). Manchmal begegnet man einem alten Freund, oder man trifft einen Fremden, oder es sitzt ein Bär im Baum. Je nach Geschichte kann die Akkordfolge ein wenig verändert werden, um sie der Stimmung, dem Genre und dem Liedtext anzupassen, indem zusätzliche Akkorde oder 6., 7., 9. und 13. Noten zu den Akkorden hinzugefügt werden.

Falls du es noch nicht getan hast, empfehlen wir dir dringend, dich mit Dur- und Moll-Akkordfolgen vertraut zu machen (Du musst z.B. wissen, dass in Dur-Tonarten der zweite Akkord Moll ist). Nimm dir etwas Zeit und sieh dir unsere Musiktheorie-Artikel an. Das wird dir helfen, eine Akkordfolge (z.B. I-iii-IV-V-I) in eine beliebige Tonart (z.B. die Tonart E: E-G#min-A-B-E) zu transponieren.

Dekonstruktion von Akkord-Progressionen

Um eine Akkordfolge zu dekonstruieren, müssen wir sie auf ihre grundlegendste Form zurückbringen. Das bedeutet, dass wir zunächst die 7. und 9. und 6. usw. aus den Akkorden herauslassen und die Akkorde bei ihren römischen Ziffern nennen, die in jeder Tonart, egal ob Dur oder Moll, funktionieren. Wir werden auch einige der zusätzlichen Verzierungs-Akkorde auslassen, die dazu dienen, den Fluss des Songs zu erleichtern, die aber nicht unbedingt notwendig sind, weil sie nicht in jeder Version eines Songs vorkommen (die Entscheidung, welche zusätzlichen Akkorde verwendet werden, liegt beim einzelnen Musiker oder Bandleader).

Die zwei großen Grundsteine der Jazz-Akkordprogressionen

In seiner einfachsten Form folgt das Lied “I Got Rhythm” dieser Akkordfolge (du kannst in C-Dur mitspielen, wenn du ein Gefühl dafür bekommen möchtest):

Strophen:

I           ii         V

(C–Dmin–G)

I           ii         V

(C–Dmin–G)

I           IV        V         I

(C—F—G—C)

Die Bridge wechselt die Tonart zu einer Quinte höher (was in vielen Songs vorkommt). Die Akkordfolge für die Bridge ist diese:

V         ii         V         I

(Hier wechselt die Tonart zu G: eine Quinte höher als C.)

(D—Amin—D—G)

Spiele damit herum, bis du herausfindest, wo die Akkordwechsel einsetzen. Versuche mitzusingen. (Wenn du den Text nicht kennst –  bei Google sind die Lyrics nur einen Klick entfernt.) Vergiss nicht, deine Uberchord-App zu benutzen!

Lass uns nun den zwölftaktigen Blues noch einmal ansehen:

I– I – I – I –

IV – IV – I – I –

V – IV – I – I

Spiel das durch in E-Dur: E–E–E–E–A–A–E–E–B (deutsch: H) –A–E–E.

So. Jetzt weißt du, wie man ein beliebiges Jazzlied spielt. Sicher, du musst jetzt noch verschiedene Tonarten, verschiedene Akkordformen, Übergangsnoten und Verzierungsakkorde, Füllnoten und Techniken kennen und außerdem Style und Swing haben, um alles gut rüberzubringen. Aber wenn du diese beiden Akkordfolgen richtig hinbekommst, hast du eine solide Grundlage, um so gut wie jedes jemals geschriebene Jazzlied zu spielen und darauf zu improvisieren.

Zusammenfassung

Die beiden grundlegenden Akkordfolgen des Jazz sind:

1. “I Got Rhythm,” Strophen—

I           ii         V

I           ii         V

I           IV        V         I

(In der Tonart C-Dur wären das: C–Dmin–G—C—Dmin—G—C—F—G—C.)

Bridge (Tonart wechselt zu einer Quinte höher, zum Beispiel von C zu G)—

V         ii         V         I

(D—Amin—D—G)

2. Zwölf-Takt-Blues—

I– I – I – I –

IV – IV – I – I –

V – IV – I – I

(In E-Dur hören das: E–E–E–E–A–A–E–E–B–A–E–E.)

Wenn du Jazzgitarrist werden willst, dann ist es umso besser, je früher du diese beiden in die Knochen bekommen kannst. Man kann immer von dort aus aufbauen.

Entspanne dich, tauche ein, gib dir jede Menge Zeit und halte deine Uberchord App bereit!

Friede sei mit dir.

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Frage:

Deine Frau hat dich nicht nur soeben für deinen besten Freund verlassen, sondern du landest auch noch im Gefängnis. Voller Scham und Trauer betest du für Vergebung.

Dann greifst du in deine Tasche, ziehst eine Mundharmonika heraus und fängst an, “Folsom Prison Blues.” zu spielen. Doch die Mundharmonika kann nur in einer einzigen Tonart spielen. Welche wird das sein?

Du wirst den Song in cis-Moll spielen, denn keine Tonart vereint den Schmerz verlorener Liebe, verlorener Freundschaft, verlorener Freiheit und Schuldgefühle besser als cis-Moll.

Cis-Moll und des-Moll – wie heißt das nochmal gleich?

Cis-Moll und Des-Moll sind enharmonische Äquivalente, d.h. auch wenn der Name und die Tonart unterschiedlich sind, beziehen sie sich auf die gleiche Reihe von Tönen. Komponisten wählen in der Regel die Tonart mit der geringsten Anzahl von Vorzeichen, da dies das Schreiben und Spielen eines Stückes erleichtert. Die nicht benutzte Tonart wird dabei als theoretische Tonart bezeichnet, was bedeutet, dass sie eher in der Theorie als in der Praxis existiert.

Was ist es also, das des-Moll dazu verdammt, eine “theoretische Tonart” zu sein? Die Tatsache, dass sie acht Bs hat! Wenn eine Tonart acht Bs hat und eine Tonleiter nur sieben Töne, bedeutet das für die Tonart, dass nicht nur jeder Ton der Tonleiter um eine Halbton erniedrigt wird, sondern auch, dass einer der Töne (in diesem Fall H) ein Doppel-B erhält. Im Ernst, wer braucht diese Art von Komplikation?

Für diesen Artikel werden wir also die Akkorde und Tonleitern des enharmonischen Duos cis-Moll und des-Moll vereinfachend unter dem Namen cis-Moll behandeln, da diese Tonart mit vier Kreuzen wesentlich weniger Kopfschmerzen beim Schreiben und Spielen bereitet. Wir werden eine Reise durch die Geschichte von cis-Moll unternehmen, uns die grundlegenden Akkordformen ansehen und einige Songs in cis-Moll spielen.

Nicht so beliebt in der klassischen Musik, aber erstaunlich verbreitet in Pop, Rock und Indie

Vier Kreuze sind nicht viel für einen erfahrenen klassischen Komponisten, daher ist es ein Rätsel, warum wir cis-Moll nicht öfter in klassischen Werken finden.

Vor dem zwanzigsten Jahrhundert ist die Tonart praktisch nicht existent. Bei Komponisten des zwanzigsten Jahrhunderts wie Bloch, Mahler und Prokofjew kommt sie dann etwas öfter vor.

Überraschenderweise ist die Tonart häufiger in Pop-, Rock- und Indie-Songs zu finden.

Cis-Moll Akkordposition auf der Gitarre: Grundform des h-Moll-Akkords, zwei Bünde höher

Für den cis-Moll-Akkord verwendet man die Akkordform für h-Moll und schiebt sie lediglich um zwei Bünde nach oben (es liegen zwei Halbtöne, also zwei Bünde, zwischen H und Cis). Er ist relativ einfach zu spielen und ergibt einen schönen Klang. Du kannst ihn entweder als Barré Akkord spielen oder nur die oberen vier Saiten nach unten drücken. Bei beiden Arten kannst du die Akkordform am Hals nach oben versetzen, um mehr Mollakkorde zu erzeugen.

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Wenn du einen höheren Klang haben möchtest: Auch die Grundform des g-Moll-Akkords am neunten Bund ergibt einen cis-Moll-Akkord. Beim Experimentieren solltest du deine Uberchord-App verwenden, um deinen Klang und dein Timing zu verbessern und neue Rhythmen und Schlagtechniken auszuprobieren.

(Wenn es dir schwerfällt, neue Akkorde zu lernen, findest du in diesem Artikel fünf großartige Tipps).

Theorie und Praxis: Das Muster der cis-Moll Tonleiter

Die Töne der Tonart cis-Moll sind Cis, Dis, E, Fis, Gis, A und H. Wie du siehst, sind alle Töne mit Ausnahme von E, A und H erhöht.

Hier sind zwei Oktaven der cis-Moll-Tonleiter, auf- und absteigend, mit einem Cis als Grundton, einem weiteren Cis auf halber Höhe und einem dritten Cis an der Spitze.

Die Grundform des cis-Moll-Akkordes, also der Grundakkord der cis-Moll-Tonleiter, enthält die Töne Cis, E und Gis – die erste, dritte und fünfte Note der Tonart cis-Moll. Auf der Gitarre werden diese Noten nach der im obigen Diagramm gezeigten cis-Moll-Grundakkordposition in folgender Reihenfolge gegriffen: stumm, Cis, Gis, Cis, E und Gis.

Akkorde und übliche Akkordfolgen (Progressionen) in der Tonart cis-Moll

Wenn du jeden Akkord der Tonleiter cis-Moll verwenden wolltest, wären das die folgenden (alle Akkorde in Dur, wenn nicht anders angegeben):

I. cis-Moll
II. Dis vermindert
III. E
IV. fis-Moll
V. gis-Moll
VI. A
VII. H

Hier ein Beispiel für Akkordfolgen in der Tonart cis-Moll:
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“Shape of You” von Ed Sheeran (gleiche Akkordfolge für Strophe und Refrain wiederholen)

1. (am Üblichsten) I — IV—V—I: cis-Moll — fis-Moll — gis-Moll — cis-Moll
2. I — V — VI — IV: cis-Moll — gis-Moll — A — fis-Moll
3. I — VI — IV — V: cis-Moll — A — fis-Moll — gis-Moll
4. I – V – VI – III – IV – I – IV – V: cis-Moll – gis-Moll – A – E – fis-Moll – cis-Moll – fis-Moll – gis-Moll
5. (Blues) I – I – I – I – IV – IV – I – I – V – V – I – I: cis-Moll – cis-Moll – cis-Moll – cis-Moll – fis-Moll – fis-Moll – cis-Moll – cis-Moll – gis-Moll – gis-Moll – cis-Moll – cis-Moll
6. II – IV – V: Dis vermindert – fis-Moll – gis-Moll
7. I – IV – V – IV: cis-Moll – fis-Moll – gis-Moll – fis-Moll
8. V – IV – I: gis-Moll – fis-Moll – cis-Moll
9. VI – IV – I – V: A – fis-Moll – cis-Moll – gis-Moll

Songs in der Tonart cis-Moll: Traurig, schuldbewusst und einsam

Das arme cis-Moll hat alles verloren (oder steht kurz davor) und gibt sich selbst die Schuld daran. Wir sind sicher, du kennst das Gefühl. Auch du kannst Lieder in dieser Tonart spielen und schreiben, die deine tiefste Trauer zum Ausdruck bringen, so wie es die folgenden Leute getan haben:

Britney Spears verwendete cis-Moll in ihrem Song “Oops, I Did It Again”, um Scham und Bedauern – vielleicht gepaart mit einer Prise Stolz – darüber auszudrücken, wie sie einen potenziellen Liebhaber an der Nase herumgeführt hat.

https://www.youtube.com/watch?v=tHmHWGOXB-g

Maroon 5 verwendete cis-Moll in dem Song “Maps”, um das Gefühl zu beschreiben, abgewiesen worden zu sein und den Weg zurück zu der verlorenen Geliebten zu suchen.

In “Broken Wings” benutzten Mr. Mister cis-Moll, um ihr tiefes Bedürfnis auszudrücken, eine bedrohte Beziehung in Ordnung bringen zu wollen.

Adele – Million Years Ago

https://www.youtube.com/watch?v=9LMDg6awPq8

In “Message in a Bottle”, ebenfalls geschrieben in cis-Moll, wiesen The Police darauf hin, dass wir, so einsam und traurig wir uns auch fühlen mögen, in unserem Elend nie allein sind; irgendwann schickt jeder ein SOS in die Welt.

Cis-Moll ist vielleicht nicht die fröhlichste Tonart, die es gibt, aber sie verdient dennoch deine Aufmerksamkeit. Und vielleicht erweist sie sich gerade als die richtige Tonart für dein nächstes Meisterwerk.

Oh, und hast du dir schon die Uberchord App heruntergeladen? Wenn nicht, findest du hier fünf gute Gründe, es zu tun!

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Um dir zu helfen, haben wir eine kurze Liste mit einigen der beliebtesten Weihnachtslieder auf der Gitarre für dich zusammengestellt. Die ersten drei Lieder sind in der Uberchord-App zu finden, so dass sie leicht zu lernen sind und gut gespielt werden können. Also lass uns loslegen!

1. White Christmas

Das erste Lied auf unserer Liste ist der Klassiker “White Christmas”, gesungen von Bing Crosby.

Gerüchten zufolge wohnte Irving Berlin, als er das Lied 1940 schrieb, in einem Hotel in Kalifornien – und verpasste so den schneereichen New Yorker Winter.

Als das Lied in seinem Kopf Gestalt anzunehmen begann, soll er zu seiner Sekretärin gesagt haben: “Nehmen Sie Ihren Stift und schreiben Sie diesen Song auf. Mir ist gerade der beste Song eingefallen, den ich je geschrieben habe – verdammt, mir ist gerade der beste Song eingefallen, den jemals irgendwer geschrieben hat!” Die Jury ist sich noch uneinig, ob es wirklich der beste Song ist, der je geschrieben wurde, aber laut Guinness Buch der Rekorde ist die Version von Bing Crosby die meistverkaufte Single aller Zeiten.

Es ist kein schwer zu spielender Song, es sei denn, man hasst es, das Tempo runterzudrehen und es langsam, zart und süßlich anzugehen, denn so sollte es wirklich gespielt werden. In der Tonart G-Dur passt es zu den meisten Singstimmen, aber wenn du es höher haben willst, kannst du immer einen Kapodaster verwenden oder es in C spielen.

Gitarrenakkorde zu “White Christmas,” Tonart G-Dur

G                     Am     D

I’m dreaming of a white Christmas

C                           D7         G
Just like the ones I used to know,
G7                         Cm

Where the treetops glisten and children listen

G     Am                       D7     D
To hear sleigh bells in the snow.

G                     Am     D

I’m dreaming of a white Christmas

C                                   D7         G
With every Christmas card I write.

G7           Cm
May your days be merry and bright,

G            Em C             D7     G
And may all your Christmases be white.

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “White Christmas” auf der Gitarre spielt

Und hier sind einige persönliche Lieblingsunterrichtsvideos für “White Christmas”.

Hier ist das einfachste:

https://www.youtube.com/watch?v=OunVcDTLImE

Dieses ist ebenfalls einfach, bietet aber eine gute Nahaufnahme der Akkorde beim Spielen.

2. Jingle Bells

James Pierpont hatte nicht vor, “Jingle Bells” – oder “One Horse Open Sleigh”, wie er es nannte – zu einem Weihnachtslied zu machen, aber nichtsdestotrotz hat es sich in den Kanon eingearbeitet. Es ist bis heute ein großer Favorit und wurde in viele Sprachen übersetzt.

“Jingle Bells” war das erste Lied, das vom Weltraum aus ausgestrahlt wurde. Tom Stafford und Wally Schirra schickten die folgende Botschaft von Gemini 6 an die Mission Control: “Gemini VII, hier ist Gemini VI. Wir haben ein Objekt, das aussieht wie ein Satellit, das von Norden nach Süden in einer polaren Umlaufbahn fliegt. Es befindet sich auf einer niedrigen Flugbahn, fliegt von Nord nach Süd und steigt sehr schnell an . . .” Einer von ihnen spielte dann “Jingle Bells” auf einer Mundharmonika, während der andere auf einem Satz Schlittenglocken klimperte.

Man muss einen Astronauten mit Sinn für Humor lieben.

Gitarrenakkorde für “Jingle Bells,” Tonart C-Dur

Dieses Lied wird normalerweise in C gespielt, der ersten Tonart, die die meisten von euch gelernt haben, als sie mit dem Spielen begannen. Hier sind die grundlegenden Akkorde für die erste Strophe und den Refrain:

C                                             F

Dashing through the snow, in a one-horse open sleigh,

G7                                     C

O’er the fields we go, laughing all the way.

C                                     F

Bells on bobtails ring, making spirits bright.

G7                                              C

What fun it is to ride and sing a sleighing song tonight, oh,

Chorus:

C                                         C7

Jingle bells, jingle bells, jingle all the way,

F             C               D7             G7

Oh what fun it is to ride in a one-horse open sleigh, hey,

C                                         C7

Jingle bells, jingle bells, jingle all the way,

F             C               G7             C

Oh what fun it is to ride in a one-horse open sleigh.

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “Jingle Bells” auf der Gitarre spielt:

Hier ist jemand, der dich da durchführen kann:

Und hier ist unsere Jen Trani von Mahalo:

Sieh sie dir an und stelle dir deine eigene, einzigartige Version zusammen. Denk daran: Deine Gitarre – dein eigener, einzigartiger Stil. Wetteifere mit niemandem außer mit dir selbst!

3. Little Saint Nick

Unser nächstes Weihnachtslied ist etwas kniffliger als nur Akkorde, aber es macht verdammt viel Spaß, es zu spielen, wenn man es einmal gelernt hat. Es ist ein Riff im Spiel – kein schwieriges, aber trotzdem ein Riff. Wenn du Anfänger bist, kannst du das Riff überspringen und erst einmal nur die Akkorde lernen. Das Riff wird auf dich warten, bis du dazu bereit bist (wenn du neugierig bist, kannst du dir in einem der Videos unten ansehen, wie es gespielt wird).

Dieser Song stammt von der hedonistischen Westküsten-Band Beach Boys und ist eins der niedlichsten kleinen Liedchen, die je geschrieben wurden. Wenn du das Lied “Little Deuce Coup” der gleichen Band kennst, wirst du die Ähnlichkeiten der beiden hören. Bandmitglied Mike Love half Brian Wilson bei der Komposition von “Little Saint Nick”, was aber erst anerkannt wurde, nachdem er in den 1990er Jahren eine Klage eingereicht hatte. Aber lass dir dadurch den Song nicht verderben! Er ist sehr beliebt und dankbar zu lernen und spielen.

Gitarrenakkorde für “Little Saint Nick,” Tonart G-Dur

Am7   D7                      Am7     D7

Well, away up north where the air gets cold there is a

G         Gmaj7             G6       E7

tale about Christmas that you all been told, and

Am7         D7             Am7

a real famous cat all dressed up in red, and he

G               Gmaj7       G6         G7           C

spends his whole year working out in his sled. It’s the little Saint Nick,

G

It’s the little Saint Nick.

Am7       D7             Am7          D7

Just a little bobsled— we call it Old Saint Nick, but she’ll

G           Gmaj7     G6       E7

walk a toboggan with a four speed stick. She’s

Am7         D7         Am7                 D7

candy apple red with a ski stick for a wheel, and when

G             Gmaj7       G6       G7

Santa gives it gas, man just watch her peel. It’s the

C                 G

little Saint Nick, it’s the little Saint Nick . . .

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “Little Saint Nick” auf der Gitarre spielt

Er spielt das Riff mit einem Kapodaster und einigen schönen alternativen Akkorden:

4. The Christmas Song

Jetzt lass uns gemütlich werden. Du kennst dieses Lied wahrscheinlich unter einem seiner anderen Namen, wie “Chestnuts Roasting on an Open Fire” oder “Merry Christmas to You”. Nichts drückt einen wärmeren Weihnachtsgruß aus als dieses wunderschöne Lied, das 1945 von Bob Wells und Mel Tormé geschrieben wurde.

Wenn du es ironisch findest, dass “White Christmas” in einem Hotel in Südkalifornien geschrieben wurde, wirst du auch überrascht sein zu erfahren, dass “The Christmas Song” während höllischer Temperaturen im Hochsommer geschrieben wurde. Die Noten zu dem Song entstanden aus einigen geistigen Bildern, die sich Bob Wells machte, um der unerträglichen Hitze wenigstens in seiner Vorstellung zu entfliehen. Mel Tormé gefielen die Zeilen, die er in den Noten sah, und der Rest ist Geschichte.

Die erste Aufnahme des Liedes von Nat King Cole hatte keinen Erfolg. Aber später bat er darum, es nochmal mit einem kleinen Streichorchester aufzunehmen, und es war diese Orchesterversion, die schnell zu einem großen Hit wurde.

Gitarrenakkorde für “The Christmas Song,” Tonart C-Dur

C         Dm6           Em             Am

Chestnuts roasting on an open fire,

C       C6         C7     Fmaj       E7

Jack Frost nipping on your nose,

Am       Fm           C         B7

Yuletide carols being sung by a choir,

Emaj7         Bb     G       G7         C

And folks dressed up like Eskimos, everybody knows

C Dm6           Em       Am

A turkey and some mistletoe,

C       C6     C7     Fmaj7   E7

Help to make the season bright.

Am   Fm             C           B7

Tiny tots with their eyes all aglow

Em     Am     Dm6 G C

Will find it hard to sleep tonight.

C7             Gm   C       F Am7

They know that Santa’s on his way;

Gm               C            F   Am7

He’s loaded lots of toys and goodies on his sleigh.

Fm           Bb           Eb B

And every mother’s child is going to spy,

D7             Fm6         G     G7

To see if reindeer really know how to fly.

C     Dm6           Em                 Am

And so I’m offering this simple phrase,

C       C6     C7 F       E7

To kids from one to ninety-two,

Am               Fm       C           B7

Although its been said many times, many ways,

E7 Fm G   Dm6 C

Merry Christmas to you.

Anleitung-Videos, die dir zeigen, wie man “The Christmas Song” auf der Gitarre spielt

Julie Meyer von Mahalo hat diesen Klassiker nicht vergessen, und sie bietet uns diese klare, grundlegende Lektion:

Hier ist eine fortgeschrittenere Jazz-Version, die zusammen mit der finalen Aufnahme von Nat King Cole spielt:

5. Feliz Navidad

Ja, eines der beliebtesten Weihnachtslieder in der englischsprachigen Welt ist zweisprachig – Spanisch und Englisch. Und wer betet dieses Lied nicht an? Das 1970 von José Feliciano geschriebene Lied erinnert mich immer an die mexikanische Austauschstudentin, die eines Winters unser verschlafenes kanadisches Dorf im Sturm eroberte und in jedem Auto, in dem sie zu fahren kam, darauf bestand, auf die Hupe zu drücken (“Ein hupendes Auto ist ein glückliches Auto!”). Sie war es, die uns die spanische Strophe Wort für Wort übersetzte.

Gitarrenakkorde für “Feliz Navidad,” Tonart  D-Dur

Em7 A7           D
Feliz Navidad, feliz Navidad
Em7              A7                D
Feliz Navidad, prospero año y felicidad
Em7 A7           D
Feliz Navidad, feliz Navidad
Em7              A7                D
Feliz Navidad, prospero año y felicidad
G                         A7
I wanna wish you a merry Christmas
D
I wanna wish you a merry Christmas
G                                       A7                     D
I wanna wish you a merry Christmas from the bottom of my heart
G                         A7
I wanna wish you a merry Christmas
D
I wanna wish you a merry Christmas
G                                       A7                     D G D
I wanna wish you a merry Christmas from the bottom of my heart

Und hier ist ein Video, in dem der Komponist selbst dir zeigt, wie man es spielt! (Versuche, Schritt zu halten!)

https://www.youtube.com/watch?v=wAlwIwTtNUw

Wir hoffen aufrichtig, dass dir das Lernen dieser Lieder Spaß gemacht hat. Frohe Feiertage von uns allen bei Uberchord! Wir wünschen dir Frieden, Freude, Liebe und fantastische Fortschritte auf deiner Gitarre!

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