Einer der größten Fehler, den Gitarrenspieler machen, wenn sie dem schwer fassbaren Angus-Young-Sound hinterherjagen, ist, dass sie den “Gain” am Verstärker zu hoch drehen. Der Sound von Angus basiert in Wirklichkeit auf Lautstärke und Fingern.

Angus Youngs Gitarrenrig ist das simpelste der Welt!

Er ist dafür bekannt, dass er seine Gitarre direkt an seinen Verstärker anschließt. Er braucht keine Pedale oder spezielle Tricks; er weiß einfach, wie er das Beste aus der Ausrüstung herausholen kann, die er hat, und nutzt dieses Wissen, um seinen speziellen Sound zu erzielen. Einer der größten Fehler, den Gitarrenspieler machen, wenn sie dem schwer fassbaren Angus-Young-Sound hinterherjagen, ist, dass sie zu viel Gain auf ihrem Verstärker einstellen. Der Sound von Angus basiert in Wirklichkeit auf der Lautstärke und den Fingern. Nun kann natürlich niemand ganz so klingen wie Angus, weil es nur einen Angus Young gibt. Aber man kann seine Technik studieren und sehr nahe an ihn herankommen, wenn man erkennt, dass man sich durch mehr Gain am Verstärker nur weiter vom Ton entfernt.

Warum ist das Volume so wichtig auf der Suche nach dem Angus Young-Sound?

Angus verwendet normalerweise Marshall-Röhrenverstärker. Bei den meisten Röhrenverstärkern, vor allem bei den old-school Marshall-Plexis, werden die Röhren des Verstärkers stärker angetrieben, wenn man die Lautstärke aufdreht, was zu Verzerrungen führt. Dies ist eine “sauberere” Verzerrung, als wenn man den Gain des Verstärkers ganz aufdreht. Ideal ist es, den Gain im Bereich von 1-5 (je nach Verstärker) zu halten. Kommen wir nun zu den speziellen Geräten, mit denen du dieses Ziel erreichen und im Handumdrehen wie Angus klingen kannst!

Angus Young Gitarren

Angus ist berühmt dafür, die SG Gitarre zu spielen. In diesem Fall, da das Rig so simpel ist (einfach nur eine Gitarre, die an einen Verstärker angeschlossen ist), ist der Typus der Gitarre ausschlaggebend. Die von Angus verwendete SG ist aus Mahagoniholz und hat ein Griffbrett aus Palisander. Mahagoni gibt einen dunkleren Klang, der die Akkorde voller macht und den Bässen mehr Tiefe verleiht. Außerdem hat Angus 2 Humbucker auf seiner Gitarre, typischerweise im PAF-Stil und mit relativ geringem Output.

Axe Choice #1: Gibson Angus Young SG Series 

Diese SG wird von Gibson hergestellt, der Marke, die auch die Gitarre von Angus herstellt. Sie verfügt über einen Mahagoni-Korpus und -Hals sowie 2 Humbucker-Pickups. Sie ist eine großartige Gitarre, die dir die Sounds liefert, die du brauchst, ohne dass es die Bank sprengt. Wenn du nach etwas suchst, das etwas brieftaschenfreundlicher ist, dann schau dir die nächste Gitarre an!

Axe Choice #2: Epiphone G-310 

Auch hier handelt es sich um eine Gitarre aus Mahagoni, die wie Option 1 mit den Humbuckern ausgestattet ist. Allerdings sind billigere Gitarren deshalb billiger, weil sie aus minderwertigen Materialien hergestellt sind. Wenn du also das Geld hast, rate ich dir, ein paar Nachforschungen anzustellen!

Nun, da wir den Gitarrenteil abgehandelt haben, lass uns über Verstärker reden, die wahrscheinlich wichtigste Zutat des Angus Young-Sounds!

Angus Young Signature Gitarren-Pick-ups

Gibson Signature Pickup: Angus Young hat sich mit Gibson zusammengetan, um den ultimativen Tonabnehmer für die sengenden Riffs zu schaffen, für die er bekannt ist. Mit beschichtetem Draht, einem speziellen Alnico V-Magneten und passenden Spulen bietet dieser Angus Young Signature Humbucker eine Kombination aus Vintage-Style-Punch und Ripping Sound, die fast alles durchschlägt.
Preis: $169.99

Angus Young Gitarrenverstärker

Angus ist bekannt dafür, Marshall-Verstärker zu verwenden, typischerweise im old-school Plexi Style. Werfen wir einen Blick auf einige mögliche Verstärkeroptionen.

Amp Choice #1: Marshall DSL15C
Preis: $600 USD

Hier ist ein schöner tragbarer, großartig klingender Marshall, der deine Kasse nicht sprengen wird. Er hat 2 Kanäle und ist ein Vollröhrenverstärker, das ist der wichtigste Faktor. Um den Old-School-Sound zu erhalten, den Angus benutzt, muss man einen Röhrenverstärker haben (es sei denn, du bist wirklich gut im Programmieren!). Wenn du nach dem nächsthöheren Level dieser Combo suchst (vielleicht ein voller Stack), solltest du dir die DSL-Serie von Marshall ansehen!

Amp choice #2: Marshall JTM45
Preis: $1,999.99

Dies ist ein sehr, sehr teurer Verstärker, aber wenn es dir ernst damit ist, einen authentischen Angus-Sound zu erreichen, dann schau nicht weiter herum, sondern halt dich an diesen Bad Boy!

Amp choice #3: Wampler Plexi Drive
Preis: $200 USD

Technisch gesehen handelt es sich bei dieser Wahl nicht um einen Verstärker, sondern um ein Pedal, aber es ist eine relativ preiswerte Möglichkeit, einen fantastischen Marshall-Plexi-Sound mit dem Verstärker zu bekommen, den du bereits besitzt! Wenn du ein festes Budget hast, schauen dir diesen hier an.

Wenn es um die Amp-Einstellungen geht, halte alles auf halber Strecke, dreh nicht die Verzerrung auf! Der Klang muss sehr klar bleiben und darf nicht durch Verzerrung überdreht werden. Denk daran, lieber einen klaren Ton als zuviel Gain!

Picks und Saiten

Angus verwendet sehr schwere Plektren und schlägt die Saiten sehr hart an, aber er achtet darauf, dass dem Ton kein Saitengeräusch in die Quere kommt. Ich würde empfehlen, mit einigen .60mm-Plektren zu experimentieren und herauszufinden, wie hart man Riffs picken kann. Du solltest dir auch einige schwerere Gitarrensaiten anschauen, aber nicht zu schwer, damit sie noch gut zu biegen sind! Versuche alles über .10!

Vibrato

Angus hat auch ein sehr raues und kraftvolles Vibrato. Sein Vibrato ist stärker ausgeprägt als das Blues-Vibrato. Angus legt viel Kraft in sein Vibrato und setzt seine ganze Hand in einer kraftvollen Auf- und Abbewegung für das Verbiegen der Saiten ein.

Video Anleitung

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Der H (engl. B) Akkord, der Grundakkord der Tonart H-Dur:

Die Tonart H-Dur wird seit langem mit negativen Emotionen wie Wut, intensiver Eifersucht und Hoffnungslosigkeit in Verbindung gebracht, was sie zu einem sehr wichtigen Bestandteil des Gitarristen- Repertoires macht ;-) .

Der letzte Teil von Igor Strawinskys Feuervogel, einer Oper, die auf einem rätselhaften russischen Märchen basiert, steht in H-Dur, ebenso wie die Arie “La donna è mobile” (Frauen sind wankelmütig) aus Verdis Oper Rigoletto.

Unter den Jazztiteln taucht diese Tonart nicht sehr häufig auf, mit Ausnahme von John Coltranes “Giant Steps” und Steely Dans “Aja”. In der Popmusik sieht es etwas besser aus; die Backstreet Boys, Lady Gaga und Michael Jackson haben alle eine Reihe von H-Dur-Songs in ihrem Repertoire.

Die Tonart H-Dur mit fünf Vorzeichen – Kreuzen – ist etwas knifflig abzulesen, aber auf dem Klavier sind die schwarzen Tasten leicht zu erreichen, und auf der Gitarre sind die Akkorde vergleichsweise einfach zu spielen. Sie wird wegen ihrer Anzahl von Vorzeichen und ihrer Entfernung von der Tonart C-Dur (die keine Vorzeichen hat) im Quintenzirkel als eine “entfernte” Tonart angesehen. Sieh dir an, was du über Dur-Tonleitern und ihre Funktionsweise wissen musst.

Die Position des H-Dur Akkords auf der Gitarre: ein bisschen eng

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Ähnlich wie beim A-Akkord musst du beim H-Dur-Akkord drei Finger zusammendrängen, was bei breiten Fingern eine knifflige Angelegenhet sein kann.

Aber auch wenn das anfangs lästig ist, lass sich nicht entmutigen – jeder Akkord ist spielbar, wenn man ihn nur oft genug übt! Mit der Uberchord App (zum kostenlosen Download anklicken) kannst du dir den Weg verkürzen, da sie dich genau wissen lässt, was du tun kannst, um dein Spiel noch zu verbessern.

Und wenn du später einmal Akkordfolgen spielen musst, zwischen denen es schwierig ist, zu wechseln, kannst du die Akkordfolgen einprogrammieren und erhältst hilfreiches Feedback. In unserem Blog-Beitrag findest du fünf großartige Tipps, wie du neue Akkorde leicht lernen kannst.

Theorie und Praxis: Das Muster der H-Dur Tonleiter

Wenn du bereits etwas Musiktheorie in petto hast (wenn nicht, ist hier eine gute Gelegenheit, um damit zu beginnen), weißt du, dass die Töne in einer Dur-Tonart nach diesem Muster erfolgen:

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton

Mit anderen Worten, an der dritten und siebten Stelle der Tonleiter gibt es einen Halbton, und zwischen all den anderen Tönen gibt es Ganztöne. Alle Dur-Tonarten folgen diesem Muster, wenn du also jemals die Vorzeichen selbst herausfinden willst, beginne einfach mit dem Grundton und zähle das obige Muster ab.

Das bedeutet, dass die Tonleiter der Tonart H-Dur aus einer stummen Saite plus den Noten H (engl B), Cis, Dis, E, Fis, Gis und Ais besteht.

Voilà- die H-Dur Tonleiter, mit H als Grundton und einem weiteren H, eine Oktave höher, an der Spitze.

Auf deinen Gitarrensaiten sieht das so aus:

Das Spielen von Tonleitern auf deiner Gitarre ist viel einfacher, wenn du die Griffbrettnoten auswendig kennst. Hier ist eine geheime Technik, die von vielen professionellen Gitarristen auf der ganzen Welt zum Erlernen des Griffbretts verwendet wird.

Der H-Dur-Akkord, der den Grundakkord der H-Dur Tonleiter bildet, besteht aus den Tönen H, Dis und Fis – dem ersten, dritten und fünften Ton der Tonart H. Auf der Gitarre werden diese Töne in der im Bild gezeigten Grundposition des H-Akkords in dieser Reihenfolge gegriffen: stumm, H, Fis, H, Dis und Fis.

Wenn du ein sichereres Gefühl für die Theorie hinter der Praxis des Musizierens bekommen möchtest, findest du in unserem Blog eine Reihe hilfreicher Musiktheorie-Artikel. Die Kenntnis der Musiktheorie hilft dir, ein besserer Musiker zu werden, und gibt dir den Seelenfrieden, der damit einhergeht, zu wissen, was das alles bedeutet.

Übliche Akkordprogressionen in der Tonart H-Dur

Wenn du jeden Akkord der Tonart H-Dur verwenden würdest, wären das  die folgenden. Du bist nicht strikt darauf beschränkt, nur die Akkorde in der gleichen Tonart zu verwenden, aber es hilft, sie zu kennen, also hier sind sie:

H-Dur – cis-Moll – dis-Moll – E-Dur – F-Dur – gis-Moll – Ais vermindert

Warum sind die cis-, dis- und gis-Akkorde in Moll? Weil in der Dur-Tonleiter die Akkorde an der zweiten, dritten und sechsten Stelle der Tonart moll sind. Sie sind es einfach.

Warum ist der Ais-Akkord ein verminderter? Weil er in der Tonart H auf der Septime steht, und in Dur-Tonarten sind alle Septime-Akkorde vermindert. That’s just the way it is, baby.

Für mehr Abwechslung und größere Ausdruckskraft kann der Fis-Akkord in der Tonart H-Dur auch als Fis 7 gespielt werden. Warum? Weil er an der fünften Stelle der Tonart H steht und damit die Ehre hat, der Akkord zu sein, der das Ende der musikalischen Phrase ankündigt. (Gehe einige der unten aufgeführten Akkordfolgen durch und du wirst es hören).

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“Red, Red Wine,” von UB40

Fügt man dem Fis-Akkord die siebte Note der Tonart Fis (Cis) hinzu, erzeugt man einen Fis7-Akkord. Er klingt dann etwas kopflastiger, so als ob er auf den Grundakkord (H) umfallen würde, der normalerweise in der Akkordfolge als nächstes kommt. Oder, in Fällen, in denen kein Akkord mehr folgt, verleiht er der musikalischen Phrase einen ungelösten Klang.

Sieh dir unseren früheren Blog-Beitrag über das  Verstehen und Spielen von Septakkorden an und verpasse auch nicht die Serie über das  Lernen und Verstehen von Musiktheorie.

Nimm dir ruhig ein wenig Zeit zusätzlich zu deinem Uberchord-Unterricht und spiele mit den untenstehenden Progressionen herum, um besser damit vertraut zu werden, wie diese Akkorde, je nach ihrer Reihenfolge und ihrem Kontext, ein Gefühl von Anfang, Aufstieg, Fall und Ende erzeugen.

Werfen wir also noch einmal einen Blick auf die Akkorde in der Tonart H: H-Dur, cis-Moll, dis-Moll, E-Dur, Fis-Dur, gis-Moll und Ais vermindert.

Natürlich kann man diese Akkorde nicht einfach so abspielen und erwarten, wie ein Profi zu klingen. Im Folgenden findest du einige übliche Akkordfolgen in dieser Tonart. Die meisten der Lieder, die du hörst, bestehen aus Kombinationen dieser Akkordfolgen. Wenn du sie spielst und dich an ihren Klang gewöhnst, wirst du sie wahrscheinlich als vertraut erkennen.

(B ist die englische Schreibweise für H.)

1. B — E — F# — B.
2. B — F# — G# — E.
3. B — G# — E — F#.
4. B — F# — G# — D# — E — B — E — F#.
5. (Blues) B — B — B — B — E — E — B — B — F# — F# — B — B.
6. C# — E — F#.
7. B — E — F# — E.
8. F# — E — B.
9. G# — E — B — F#.
10. G# — F# — G# — F#.

Ein paar großartige Songs in der Tonart H-Dur

Während deiner Beschäftigung mit der Musik hast du vielleicht bemerkt, dass jede Tonart – und sogar jeder Akkord – eine eigene Persönlichkeit hat. Die Tonart H-Dur zum Beispiel ist zwar äußerst vielseitig, wird aber eher als Träger von negativen Emotionen wie Verzweiflung, Wut und Angst gesehen.

Sie kann Angst verherrlichen, wie in Michael Jacksons “Thriller.”

Sie kann von verborgenem Schmerz singen, wie Lady Gagas “Poker Face.”

Sie kann eine Ode an üble Straßenviertel und wurzelloses Leben sein, wie “Nightrain”, von Guns N’ Roses…

…oder eine Ode an unerwiderte Liebe wie Coldplays “Yellow”

Lerne die Tonart H-Dur kennen, du weißt nie, wann du sie mal gebrauchen kannst!

Und wenn du noch nicht die Uberchord App (klicken zum kostenlosen Download) heruntergeladen hast, hier sind  fünf gute Gründe, es zu tun!

Quellen:

Rita Steblin (1996) A History of Key Characteristics in the Eighteenth and Early

Nineteenth Centuries, University of Rochester Press, p. 123

Emotions of the Musical Keys

The 10 Most Used Chord Progressions in Pop and Rock and Roll

Song Key Finder

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Wir starten die Reihe mit dem König aller Akkorde: dem C-Dur-Akkord.

Warum beginnt das Alphabet der Gitarrenakkorde mit “C?”

Warum hat der C-Dur-Akkord die Ehre, der erste Akkord zu sein, den die meisten Gitarristen lernen, obwohl er nur der dritte Buchstabe im Alphabet ist und sein Grundton nur der dritte der sieben musikalischen Grundtöne?

Die kurze Antwort ist: wegen des Klaviers.

In der Geschichte der Gitarre gibt es viele Fälle, in denen Gitarre und Klavier versuchen, sich gegenseitig zu kopieren und auf die eine oder andere Weise zu übertreffen, wie eifersüchtige Geschwister. Die dissonanten Akkorde des Ragtime-Klaviers zum Beispiel waren ein Versuch, die “blue note” (das Biegen der Gitarrensaiten, um einen “bluesigen” Klang zu erzeugen – lies dies, um zu erfahren, wie das geht) nachzumachen. Später kopierten Gitarristen wie Reverend Gary Davis die gleichen Klavierakkorde auf der Gitarre, was die bereits brillante Affinität der Gitarre zu Blues und Jazz noch verstärkte.

Die Gitarrensaiten nehmen sich ein Beispiel an den  klimpernden Elfenbeintasten

Aber mit C zu beginnen war nicht nur ein schlichter Fall von Kopieren. Es macht Sinn, die Gitarre von der Leichtigkeit profitieren zu lassen, mit der das Klavier die Grundlagen der Musiktheorie vermittelt. Auf deiner eigenen musikalischen Reise wirst du vielleicht sogar ab und zu selbst zu Tasteninstrumenten greifen, um die Akkordstruktur besser zu verstehen.

Gitarrenunterricht beginnt in der Regel mit der C-Akkordposition; der C-Akkord ist der Grundakkord der Tonart C-Dur. Zum Teil geschieht das deshalb, weil C-Dur die erste Tonart ist, die von Klavierschülern gelernt wird. Die Tonart C-Dur hat keine Vorzeichen (d.h. keine Kreuze oder Bs) und ist daher gut dazu geeignet, Klavieranfänger an die Musiktheorie heranzuführen, ohne sie zu überfordern. Es ist auch hilfreich, dass das “mittlere C” genau in der Mitte der Klaviertastatur liegt.

Werfen wir also einen kurzen Blick auf die Tonart C-Dur, die Tonart, für die der C-Akkord den Grundakkord bildet.

Theorie und Praxis: Das Muster der C-Dur Tonleiter

Wenn du dich bereits ein wenig mit Musiktheorie auskennst (wenn nicht, ist hier eine gute Gelegenheit, damit anzufangen), weißt du, dass die Intervalle in einer Dur-Tonart folgende sind:

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton

Das heißt, an der dritten und siebten Stelle der Tonleiter gibt es einen Halbton, und zwischen allen anderen Tönen liegen Ganztöne.

In der Tonart C-Dur bedeutet dies, dass zwischen den Tönen H und C und wiederum zwischen den Tönen E und F nur ein Halbton liegt, und in der Tonart C-Dur liegen diese beiden Halbtöne zufällig auf der dritten und siebten Stelle der Tonleiter. Voilà! Du brauchst die schwarzen Tasten (Kreuze und Bs) in der Tonart C-Dur nicht anzuschlagen.

Natürlich haben Gitarren keine schwarzen Tasten, also sollte es keine Rolle spielen, oder? Ein Gitarrenspieler kann einen Halbton (Kreuz oder B) erzeugen, indem er einfach einen Finger auf halbem Weg zwischen zwei Ganztönen platziert, d.h. indem er ihn einen Bund nach oben oder unten bewegt, denn jeder Bund repräsentiert einen Halbton.

Für die Gitarre übersetzt sich das Muster der Dur-Tonleiter—

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton –

in: zwei Bünde, zwei Bünde, ein Bund, zwei Bünde, zwei Bünde, zwei Bünde, ein Bund

C – D – E – F – G – A – B (deutsch:H)

Nebenbei bemerkt ist die Tonart a-Moll auch frei von Kreuzen und Bs und für Gitarristen eine relativ leicht zu spielende Tonart. Wenn du einen Schüler mit einfachen Akkorden beginnen lassen willst, sind die Akkorde a-Moll, e-Moll und ein vereinfachtes B7 nicht zu schlagen. Das mag erklären, warum so viele Autodidakten damit beginnen, “House of the Rising Sun” in a-Moll spielen zu lernen. Aber die Klaviertradition lebt hartnäckig weiter, vielleicht auch deshalb, weil Moll-Tasten nicht so fröhlich klingen wie die Dur-Tasten.

In der Musiktheorie macht es einfach Sinn, mit C zu beginnen. Wenn du Musiktheorie zusammen mit dem Gitarrespielen lernst (und das solltest du, denn es macht Spaß und ist sehr hilfreich), wirst du die Weisheit erkennen, die darin liegt, das Alphabet mit C zu beginnen.

Und mach dir keine Sorgen – der Uberchord-Blog bietet eine großartige Reihe von Musiktheorie-Artikeln, die dich durch den dunklen Wald und auf die helle Ebene des Musikverständnisses führen. Das wird dir helfen, ein besserer Musiker zu werden und dir den Seelenfrieden geben, genau zu wissen, was du tust und wie alles zusammenpasst. Es ist eine großartige Ergänzung zur Verwendung der kostenlosen Uberchord-App!

Der C-Akkord ist ja schön und gut, aber wie spiele ich ihn auf der Gitarre?

Der C-Akkord kann in verschiedenen Formen und Positionen auf der Gitarre gespielt werden. Wenn du dein Handy griffbereit hast, kannst du die Übung direkt in deiner Uberchord-App öffnen, indem du auf das Bild klickst.

Die C-Dur Tonleiter

Hier ist die C-Dur Tonleiter, mit C als Grundton und einem weiteren C, eine Oktave höher, an der Spitze. Auf dem Violinschlüssel liegt das höhere C genau in der Mitte des Klaviers, weshalb es auch als mittleres C bezeichnet wird. Auf der Gitarre kann dieses C auf der dritten Saite, fünfter Bund, oder auf der zweiten Saite, erster Bund, gespielt werden.

Ein bisschen Vitamin C schadet nie: Ein paar große Songs in der Tonart C-Dur

Technisch gesehen gibt es keinen Grund zu glauben, dass eine Tonart eine andere “Stimmung” haben sollte als eine andere; sie sind alle nur höher oder tiefer, mit den gleichen Intervallen, und deshalb sollten sie alle gleich klingen, richtig? Aber je mehr du spielst, desto mehr wirst du feststellen, dass jede Tonart ihren eigenen besonderen emotionalen Charakter hat.

Von den Dur-Tonarten dürfte C am kindlichsten und belastbarsten sein. Sie ist so voller Licht, dass sie das Risiko eingehen kann, dunklere Themen in Angriff zu nehmen, ohne den Kopf hängen zu lassen – Bad Romance von Lady Gaga.

Sie kann mitreißend fröhlich sein wie La Bamba von Ritchie Valens.

Sie kann hoffnungsvoll klingen: Imagine von John Lennon.

Sie kann dich einen langen, verschlungenen musikalischen Pfad heraufführen, ohne langweilig zu werden, wie Stairway to Heaven von Led Zeppelin.

Sie kann schräg und verspielt sein wie Miss You von den Rolling Stones.

Hoffentlich wirst du den C-Akkord bald als einen guten Start für deine Gitarrenreise anerkennen. Der Unterricht ist neu, die Hornhaut an den Fingern muss erst noch wachsen und die Akkordposition ist nicht die einfachste. Aber sei versichert – ab hier kann es nur besser werden.

—00—

Quellen:

Art Matthews Online Piano Lessons

Song Key Finder

The Ragtime-Influenced Fingerpicking of Rev. Gary Davis

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Gitarren mit vielen Knöpfen und Schaltern faszinieren mich  immer wieder.

Das hat mehrere Gründe: Die Aufregung, einen Knopf zu drücken und herauszufinden, was er bewirkt. Die Vielseitigkeit, die diese Optionen versprechen. Und außerdem fühle ich mich dadurch immer ein wenig wie James Bond in seinem Aston Martin, den Finger auf dem musikalischen Äquivalent des Schleudersitzknopfs.

Dieser Artikel befasst sich mit Gitarren mit vielen Features, insbesondere mit der Fender Jaguar. Ein Freund an der Universität hatte eine Fender Jaguar, und ich war immer neidisch auf die klanglichen Möglichkeiten, die ihm zur Verfügung standen.

Die meisten Musiker mögen Vielseitigkeit

Sie erlaubt uns, mit so vielen verschiedenen Klängen wie möglich herumzuspielen. Die klangliche Bandbreite, die eine Gitarre zu bieten hat, ist ein wichtiger Faktor, der ebenso relevant ist wie Spielbarkeit und Stil.

Zum Beispiel kann das Wechseln des Tonabnehmers den Klang deiner Gitarre dramatisch verändern. Single-Coils geben dir die helleren, schwingenden Klänge. Aber mit einem Humbucker kann auf Knopfdruck ein runderer, vollerer Ton erzielt werden. Auch das Hinzufügen eines Coil Shunts (dieser umgeht eine der Spulen des Humbuckers und verwandelt ihn so in eine Einzelspule) ist eine sehr einfache Möglichkeit, dem Klangarsenal deiner Gitarre eine neue Farbe hinzuzufügen.

Die serienmäßige Fender Jaguar hat (im Gegensatz zu anderen Modellen) keinen Humbucker, aber sie bietet dennoch eine Vielzahl von Sounds und Effekten – und jede Menge Knöpfe!

Sieh dir dieses Video an! Man hört nicht nur die klangliche Vielfalt, sondern auch den schwer zu definierenden, runden, perkussiven Klang:

EINFÜHRUNG DER JAGUAR

Der Fender Jaguar wurde 1962 als funktionsreiches Flaggschiffmodell der Firma Fender eingeführt. Sie ist im Wesentlichen eine neu gestaltete Jazzmaster, die sich stark an ihren ikonischen Vorgänger anlehnt. Beide Instrumente haben die ergonomische, “versetzte Taille”, sowie ein Kontrollsystem mit doppeltem Schaltkreis gemeinsam.

Diese Verdrahtungskonfiguration umfasst zwei unabhängige Schaltkreise mit jeweils eigenen Merkmalen:

• Der “Lead“-Kanal ist heller und aggressiver, so dass jede beliebige Kombination von Tonabnehmern möglich ist.
• Der “Rhythmus“-Kanal verwendet nur den Hals-Tonabnehmer und leitet das Signal durch eine Reihe von Kondensatoren und Widerständen, was zu einem dunklen, weicheren Klang führt.

Entscheidend ist, dass jeder Schaltkreis über eigene Ton- und Lautstärkeregler verfügt, so dass du beide Kanäle unabhängig voneinander voreinstellen und einfach zwischen ihnen umschalten kannst. Außerdem gibt es einen “Strangle-switch” auf dem Lead-Schaltkreis – dadurch werden einige der tiefen Frequenzen entfernt, was der Gitarre einen glasigeren, dünneren Ton verleiht.

Insgesamt hat die Fender Jaguar acht Schalter und Drehregler, mit denen du herumspielen kannst!

Du kannst dir diese interaktive Gitarre ansehen, um dir ein besseres Bild zu machen…

Die Fender Jaguar hat eine kurze Mensur von 24 Zoll, was ihr trotz der Verwendung sehr ähnlicher Tonabnehmer einen insgesamt runderen Ton verleiht als ihrem Stratocaster Geschwistermodell. Aber was diese Gitarre am meisten von anderen unterscheidet, ist das Stegsystem. Ebenfalls von der Jazzmaster aus weiterentwickelt, hielt Leo Fender diesen für den ausgefeiltesten seiner schwingenden Stege. John Frusciante, der bei Under The Bridge eine Jaguar spielte, stimmt dem zu.

Durch eine Kombination von Federn, Platten, Hebeln und einem Steg, der vor und zurück wippte, hielt die Gitarre angeblich eine bessere Intonation bei eingeschaltetem Vibrato.

Nicht so gut für Dive-Bombing, aber sehr angenehm für den schimmernden Vibrato-Effekt, der diese Gitarre in der Surfer-Musikszene so beliebt machte.

Darüberhinaus konnte der Mechanismus durch das Drücken einer kleinen Klappe hinter dem Steg verriegelt werden. Das ist sehr nützlich, da sich die übrigen Saiten dann nicht verstimmen, wenn eine Saite während eines Auftritts reißt.

Der Stegmechanismus hatte noch einen weiteren Nebeneffekt, der den Klang der Gitarre beeinflusste: Die langen Saitenstücke zwischen Steg und Saitenhalter ließen viel sympathische Schwingung zu. Hierbei werden die Saiten durch die Resonanz anderer Saiten angeregt und tragen zum Gesamtklang bei (Sympathische Schwingung verleiht z.B. Sitars ihren charakteristischen Klang).

Der obertonreiche Klang der Fender Jaguars wird oft diesen relativ langen Saitenstücken hinter dem Steg zugeschrieben. Manche Spieler zupfen sie sogar und erzeugen so einen glockenähnlichen, fast unheimlich nachklingenden Ton, der eine große atmosphärische Wirkung hat.

Sonic Youth hat das oft gemacht:

Schließlich verfügte die ursprüngliche Fender Jaguar noch über einen Saitendämpfer – ein kleines Gerät in der Nähe des Stegs, das die Saiten sanft dämpft und den stumpferen, kürzeren, durch die Handfläche gedämpften Klang nachahmt. Wenn man also alle Schalter, Knöpfe, Hebel, Drehscheiben und Knöpfe zusammenzählt, kommt man auf 11 – das ist eine ganze Menge, verglichen mit den drei Schaltern einer Telecaster.

Probleme mit der Fender Jaguar?

Leider hatten diese brillanten neuen Funktionen ihren Preis: Sie waren fummelig und verwirrend für viele Gitarristen, und eine unsachgemäße Installation führte oft zu Stimmproblemen und Frustration. Viele entfernten den Saitendämpfer, andere überklebten einige der Knöpfe, um zu verhindern, dass sie versehentlich eingeschaltet wurden.

Für viele Gitarristen sind es einfach zu viele Möglichkeiten! Häufig führt eine höhere Anzahl an Optionen auch zu einer Verschlechterung der allgemeinen Klangqualität. Das Hinzufügen von mehr Tonabnehmern zum Beispiel erhöht die magnetische Anziehungskraft auf die Saiten, was wiederum deren Schwingungsmuster dämpft.

Gibsons heruntergefahrene Les Paul Junior war teilweise deshalb so beliebt, weil sie nur einen Tonabnehmer hatte, der ihr einen einzigen, jedoch erstaunlichen Klang verlieh.

Auch andere Elemente des Gitarrenspiels werden mit zunehmender Vielseitigkeit leiden. Offensichtlich ist das Gewicht ein Problem – Gibsons Double-Neck SG-Modell hatte einen sechs- und einen zwölfsaitigen Hals, so dass die Spieler auf der Bühne praktisch zwei Gitarren gleichzeitig in der Hand hielten.

Jimmy Page benutzte diese Two-in-One-Gitarre berühmterweise für Stairway to Heaven, aber sie trägt sich doch ziemlich schwer auf dem Rücken. Ein weiterer Nachteil: Je mehr Komponenten eine Gitarre hat, desto größer ist die Wahrscheinlichkeit, dass etwas kaputtgeht.

Ist die Jaguar eine, die alles kann, aber nichts richtig?

Ohne Zweifel ist die Fender Jaguar eine fabelhafte Gitarre, innovativ, vielseitig und mit großartigem Klang. Sie wirft das Motto “weniger ist mehr” kühn aus dem Fenster und behält trotz der unendlichen Möglichkeiten ihren Charakter. Aber für die Puristen bleibt die Frage: Soll eine Gitarre viele Sachen ganz ok können oder eine einzige Sache richtig gut?

Während sich die Technologie weiterentwickelt, wird dieses Thema für Gitarrendesigner immer wichtiger – ich werde mich nächste Woche damit befassen…

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Du kannst in ein beliebiges gutes Musikgeschäft gehen und wirst feststellen, dass die meisten Gitarren amerikanische Gitarren sind. Mit Ausnahme einiger japanischer Hersteller (Ibanez, ESP, Yamaha) und spanischer Konzertgitarren wurde der Großteil der Rock ‘n’ Roll-Geschichte auf amerikanischen Gitarren geschrieben. Und das aus gutem Grund – Die Amerikaner haben dieses Genre ebenso wie die E-Gitarre erfunden und stellen insgesamt die besten Instrumente zur Verfügung.

Gibt es ein europäisches Pendant?

Es gibt natürlich mehrere europäische Marken zur Auswahl:

1. 

   Burns aus London hat einige ziemlich coole Gitarren gebaut: das passend benannte Bison-Modell mit bulligen, nach innen gerichteten “Hörnern” und speziellen Tri-Sonic-Tonabnehmern, die für ihre Aufnahmefähigkeit und harmonischen Reichtum berühmt sind.

2. Dann gibt es noch Eko, eine italienische Marke, die für ihre ausgefallenen und funktionsreichen Gitarren mit vielen Knöpfen und Reglern bekannt ist.
3. Und natürlich kennen wir alle die Höfner Bass von Paul McCartney, die stilvoll symmetrisch für den linkshändigen Beatle ist.

Aber das wahre Gegenstück zur amerikanischen Gitarre… kommt von hinter dem Eisernen Vorhang, wo entgegengesetzte politische Ideologien einige unerwartete Gitarren hervorbrachten.

Und weil wir von Uberchord in der ehemaligen Hauptstadt der DDR ansässig sind, wird sich dieser Artikel mit dem besten Gitarrenproduzenten der DDR befassen: Musima.

Als ich Ende 2012 nach Berlin kam, fand ich in einem Antiquitätengeschäft in Neukölln eine halbakustische Gitarre. Es war eine Sunburst ES-335 mit einem dicken, schwerfälligen Hals, einem ungewöhnlichen Vibratosystem und einer fragwürdigen Elektronik.

Aber sie war gestimmt, hatte einen anständigen Sound und jene Vintage-Coolness, von der ich hoffte, dass sie mir unter den Berliner Musikern Glaubwürdigkeit verleihen würde. Ich bekam meine erste Musima für 60€ und nannte sie Daphne.

Schneller Geschichts-Exkurs

Musima war in Markneukirchen ansässig, in der Nähe der tschechischen Grenze. Das Erzgebirge in der Region bot die richtigen Voraussetzungen für hochwertige Fichten, die für den Geigen- und Akustikgitarrenbau unerlässlich sind. Seit den 1700er Jahren sammelten sich in der Gegend Geigenbauer an, was Markneukirchen einen hervorragenden Stammbaum verleiht. Die Stadt war berühmt für ihre Orchesterinstrumente und hatte  einst wahrscheinlich die höchste Konzentration von Instrumentenbauern auf der Welt.

Markneukirchen war berühmt für seine Orchesterinstrumente und hatte einst wahrscheinlich die höchste Konzentration von Instrumentenbauern der Welt.

Die meisten Einwohner beschäftigten sich mit der Herstellung von und dem Handel mit Instrumenten oder der Lieferung des Rohmaterials. Schon bald waren Instrumente mit dem Namen Markneukirchen hoch angesehen.

Das kommunistische Regime nach dem Zweiten Weltkrieg brachte einige Veränderungen mit sich, da die Regierung bestrebt war, das Beste aus Markneukirchens Expertise zu machen. 1952 wurde Musima als Genossenschaft gegründet, in der viele der Handwerker und Familienbetriebe der Stadt unter einer kollektiven Verwaltung zusammengefasst wurden.

Die ostdeutsche Regierung war bestrebt, Musima zu einem Beispiel der kommunistischen Industrie zu machen, und unterstützte das Unternehmen, das sich schnell zum größten in der DDR entwickelte. Mit 1200 Mitarbeitern in den 1980er Jahren und einer Spitzenproduktion von 360 Gitarren pro Tag exportierte Musima elektrische und akustische Gitarren in 53 Länder rund um den Globus.

Hier sind 5 Merkmale, die Musima-Gitarren zu etwas Besonderem machen

1. Preisleistungsverhältnis

Frühere Musimas galten allgemein als anständige, preiswerte Gitarren. Die hochwertigeren Instrumente, die von den erfahreneren Handwerkern hergestellt wurden, waren meist dem Export vorbehalten. Es handelte sich oft um schöne Gitarren mit innovativem Design, auch wenn die DDR-Maschinen und die Elektronik nicht mit den US-Gitarren mithalten konnten.

2. Nähe zur Geigenfamilie

Die robuste Elektrina, die in den frühen 60er Jahren auf den Markt kam, hatte sehr viel von den Streichinstrumenten, die das Unternehmen weiterhin herstellte. Der obere Teil des Korpus ähnelte einem Cello, was dem Instrument eine elegante, modernistische Ästhetik verlieh.

3. Interessantes Design

Die Gitarren sind jedoch vor allem für ihre Archtop-Designs bekannt. Sie klingen weich, aber funkelnd durch die Single-Coil-Tonabnehmer aus der Sowjet-Ära (etwas breiter und wärmer klingend, aber immer noch mit Single-Coil-Flimmern), auch wenn ihr dicker Hals und ihre hohe Saitenlage sie etwas ungewohnt zu spielen macht.

Sie klingen weich, aber funkeln durch die Single-Coil-Pickups der Sowjet-Ära

Aber was sie am meisten von anderen Gitarren unterscheidet, ist ihr Aussehen. Ungewöhnliche Lackierungen, wie Goldglanz oder Zebrastreifen in Violetttönen, spritzlackiert oder aus dickem Perlmutt auf das Holz geklebt, verleihen den Gitarren ein manchmal schönes, manchmal grelles Aussehen. Und einige Gitarren haben fette F-Löcher, die einem ausladenden Fu-Manchu-Schnurrbart oder Donnerkeilen ähneln.

4. Es wurde oft billiger Ersatz für teures Palisanderholz verwendet

Ausländische Importe waren oft Mangelware: Als das exotische Palisanderholz (benötigt für Griffbretter) zur Neige ging, griff Musima auf lokal produziertes Birnbaumholz zurück. Schwarz gebeizt, hatte dieser billige Ersatz tatsächlich Eigenschaften, die dem Palisanderholz bemerkenswert ähnlich waren.

5. Der Halsstab

Eine weitere Anekdote betrifft den Halsstab. Die Gitarrenbauer von Musima fanden nicht heraus, wie man den Hals dünner machen konnte. Schließlich gelang es ihnen, eine Genehmigung für den Erwerb einer elektrischen Burns zu erhalten und sie nach Ostdeutschland zu importieren (die meisten westlichen Waren galten damals als Schmuggelware).

Als das begehrte englische Instrument schließlich in Markneukirchen ankam, wurde den Geigenbauern von Musima jedoch verboten, diese teure, staatlich geförderte Gitarre auseinander zu nehmen. Sie mussten sie in ein nahe gelegenes Krankenhaus bringen, wo Röntgenaufnahmen die geheime Funktionsweise des ominösen Halsstabes enthüllten.

Musimas heute: historische Relikte aus einer anderen Zeit

Die Musima-Fabrik schloss ihre Tore ziemlich bald nach der Wiedervereinigung, einfach weil sie auf einem freien globalen Markt nicht konkurrieren konnte. Die meisten Musiker sind sich einig, dass sie nicht die am besten klingenden, am besten spielbaren Gitarren sind – manchmal sind sie nicht einmal die schönsten, da sie häufig als kitschig empfunden werden. Doch sie sind authentisch Vintage, ein Überbleibsel aus einer anderen Zeit.

Musimas sind authentisch Vintage, ein Überbleibsel aus einer anderen Zeit.

Wenn man eine Musima in die Hand nimmt, kann man die Geschichte, die diese Gitarren erzählen, nicht leugnen. Sie tragen die Spuren ihrer Vorbesitzer, von denen viele verbotene westliche Rockmelodien gespielt haben, um dem autoritären Regime für einen Moment zu entkommen. Vielleicht waren diese Gitarren mehr als nur Instrumente; vielleicht symbolisierten sie die Hoffnung auf Freiheit.

In Berlin kannst du immer noch Musimas finden (ein guter Ort ist Vintage Audio in Berlin in der Schönhauser Allee 28). Und wenn auch der Instrumentenbau in Markneukirchen selbst nachgelassen hat – der Geist der Stadt und ihr Streben nach Exzellenz lebt weiter: Ein junger Mann namens Christian Frederick Martin wanderte Anfang der 1800er Jahre von dort nach Pennsylvania aus und gründete C.F. Martin & Co., eine der besten Akustikgitarrenfirmen der Welt. Sein Fachwissen kam aus Markneukirchen.

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Je nachdem, welche Art von Musik du zu spielen beabsichtigst, fragst du dich vielleicht, welche Gitarrenpedale und Effekte für dieses Musikgenre oder auch von einem ganz bestimmten Gitarristen verwendet werden. Manchmal ist die Antwort recht offensichtlich: Niemand würde wahrscheinlich ein Death-Metal-Distortion-Pedal verwenden, wenn er vorhat, seinen Lieblings-John Mayer-Song zu spielen. Aber hey, vielleicht solltest du es mal ausprobieren. Es könnte fantastisch klingen. Dieser Beitrag wird sich damit beschäftigen, welche speziellen Effekte neun berühmte Gitarristen unterschiedlicher Stilrichtungen benutzen, einschließlich der jeweiligen Gitarrenpedale, die sie verwenden. Da sie reich und berühmt (oder in einigen Fällen verstorben) sind, werden einige der Effekte und Pedale nicht mehr hergestellt. Normalerweise kann man sie  für ein kleines Vermögen bei Ebay bekommen, aber ich werde auch preiswertere Alternativen angeben, mit denen man einen ähnlichen Klang erhalten kann. Wenn du daran Interesse hast – hier ist ein anderer Beitrag darüber, welche Gitarreneffekte von welcher Musikrichtung verwendet werden.

1. Jack White: Thick Fuzz

Jack ist ein großer Fan von starkem, dicht klingendem Fuzz. Von seiner Arbeit mit den White Stripes und Raconteurs bis hin zu seinen Solowerken liebt Jack den Electro-Harmonix Big Muff Pi mit auf Mitternacht eingestellten Zeigern. Eine weitere wichtige Komponente seines Sounds ist der Electro-Harmonix P.O.G. oder Polyphonic Octave Generator, der mehrere verschiedene Oktaven auf einmal sehr sanft erzeugt. Ein preiswerterer, aber extrem hochwertiger Micro POG ist ebenfalls erhältlich.

2. Jimi Hendrix: Der Pionier

Jimi war ein Pionier bei der Verwendung von Effekten zu einer Zeit, als sich nur wenige Gitarristen die Mühe machten, etwas Neues auszuprobieren. Er machte den Wah Effect berühmt bei Liedern wie “Voodoo Child” mit dem Vox Wah, das heute noch in seiner ursprünglichen Form zu einem vernünftigen Preis erhältlich ist. Er war auch ein großer Fan von Fuzz; in Woodstock verwendete er ein Dallas-Arbiter Fuzz Face, das von Dunlop nach Jimis Vorgaben neu aufgelegt wurde. 

3. The Edge: Der große Verzögerer

Der Gitarrist von U2 verfügt mit über fünfzig verschiedenen Effekten über eines der größten Effektarrays, die jemals zusammengestellt wurden. Aber diejenigen, die ihm seinen charakteristischen Ton verleihen, sind Delays. Der Electro-Harmonix Memory Man für die älteren Songs und digitales Delay für die meisten der neueren Songs. Seine Wahl für das digitale Delay ist die TC Electronics 2290 Rack-Delay-Einheit, die nicht mehr produziert wird und dich bei Ebay um ein paar tausend Dollar erleichtern würde. Wenn du nach etwas Ähnlichem, aber weniger Kostspieligem suchst – das Nova Delay oder Boss DD-6 von TC Electronics leistet hervorragende Arbeit. 

4. David Gilmour von Pink Floyd: Der King des Psychedelic

Als der König der psychedelischen Gitarristen verwendete David Gilmour überraschend wenig Gitarrenpedale. Was Verzerrung und Fuzz angeht, ist er auch ein großer Fan des Elektro-Harmonix Big Muff Pi sowie von Fuzz Face. Als Delay wählte er viele Jahre lang das Binson Echorec, das nach dem Prinzip der analogen Tonaufzeichnung arbeitet. Diese sind heutzutage schwer zu bekommen und eine ziemliche Herausforderung, sie instandzuhalten. Die in Portland, Oregon, ansässige Effektfirma Catalinbread hat vor kurzem ihr Echorec Pedal vorgestellt, das den originalen Vintage-Sound absolut umwerfend wiedergibt und über ein komfortableres Pedal-Design verfügt. 

5. John Mayer: Moderner Blues-Mann

Als Fan des klassischen Blues holt sich John einen Großteil seines Sounds von drei verschiedenen Ibanez Tube Screamern: dem klassischen TS-808 (der neu aufgelegt wurde), dem Standard TS-9 und dem leider nicht mehr erhältlichen TS-10. Obwohl diese Gitarrenpedale alle das gleiche Ziel verfolgen, nämlich einen leichten Overdrive und Boost hinzuzufügen, haben sie alle einen leicht unterschiedlichen Klang, und John benutzt sie oft in Kombination miteinander, um verschiedene Overdrive-Stufen zu erreichen. 

6. Slash: Meister der Verzerrung

Der ehemalige Guns ‘n’ Roses-Gitarrist baut gerne kleine Akzente mit Effekten wie zum Beispiel Chorus in bestimmte Songs ein. Bekannt ist Slash aber für starke Distortion und Soli voller Wah. Der Großteil seiner Distortion kommt von seinen Verstärkern, klassischen Marshall JCM-800s, die bis zum Anschlag aufgedreht sind. Für seinen Wah-Effekt verwendete Slash anfangs das Dunlop Crybaby 535Q, das eine verbesserte Version des klassischen Crybaby ist. Als er jedoch bekannt wurde, entwickelte Dunlop ein spezielles Slash Signature Wah, das auf dem 535Q basiert, aber einen zusätzlichen Boost-Regler hat für noch mehr Wucht. 

7. Stevie Ray Vaughn: Blues auf Overdrive

Der verstorbene große Blueser war kein Fan von großen Effekte-Rigs, und er brauchte sie auch nicht wirklich. Der einzige Trick, den Stevie immer im Ärmel hatte, war sein Overdrive. Er liebte den Ibanez Tube Screamer TS-808 und fand, dass das Einzige, was noch besser war als so einer, zwei von der Sorte waren. Oft ließ er einen TS-808 direkt in den zweiten laufen, um seinem Sound weitere Schichten von Drive zu verleihen. Das war auch eine großartige Möglichkeit, seine Lautstärke zu erhöhen, wenn er vom Rhythmusspiel zu Soli wechselte. 

8. Kurt Cobain: Minimalistischer Grunge Rocker

Der Prototyp des Grunge-Rockers war ein Fan eines dreckigen, heruntergefahrenen Sounds, der die Musik für immer veränderte, aber das bedeutet nicht, dass er nicht ein paar Stompboxes auf der Bühne stehen hatte. Kurt war schon immer ein Anhänger des Einfachen und bevorzugte das Boss DS-1 distortion Pedal, das für absurd niedrige vierzig Dollar im Handel erhältlich ist. Es mag ein Einsteiger-Pedal sein, aber es hat immer noch einen exzellenten Klang für eine starke Verzerrung. Ein weiterer von Kurts typischen Effekten war der Electro-Harmonix Small Clone Chorus, den man vor allem in dem Song “Come As You Are” hören kann. 

9. Jonny Greenwood von Radiohead: Nicht von dieser Welt

Jonny Greenwood ist nicht nur ein Gitarrist, sondern auch ein versierter Pianist und klassischer Komponist und erfüllt bei Radiohead viele Funktionen. Manchmal erzeugt er jenseitige Klänge mit Hilfe von Hüllkurvenfiltern wie dem DOD440 oder dem Roland Space Echo RE201, aber er ist auch für schwere, verzerrte Gitarrensounds bekannt. Bei vielen Radiohead-Songs von ‘The Bends’ und ‘OK Computer’ verwendet Jonny entweder den ProCo Rat oder ein Marshall Shredmaster-Pedal. Das Rat ist in vielen Musikgeschäften für unter $100 zu haben. Fürs Protokoll – Jonny hat noch viel mehr Equipment. Sieh dir Seiten wie The King of Gear an, die dir eine horrende Menge an Details über das Equipment liefern, das er über die Jahre hinweg auf seinen Tourneen verwendet hat. 

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Soaring solos, a thick tone and tons of heavenly sustain. Punchy riffs thundering along like a freight train, smooth bluesy chords in light overdrive, melodies that drip off the fingerboard like dark, intense honey. The Les Paul (or LP) is one of the most iconic guitars, its creamy sound contributing to some of the greatest moments in sonic history. From Aerosmith to ZZ Top, the Gibson LP has been defining classic rock with its old-school image and deliciously warm, solid tone – an instrument every guitar player must know.

A rocky start

Introduced in 1952 as a solid-body contender to the Fender Telecaster, the first Les Pauls were initially unpopular. These guitars were more expensive, following a more traditional style that made LPs a heavy and old-fashioned alternative to the lighter and cheaper Fender models. It was born out of a collaboration between Gibson and the famous Jazz guitarist Les Paul, who had built one of the first ever solid-body guitars himself in 1940. The first LPs were known as Goldtops: these featured single-coil P90 pickups with a more gnarly and complex tone, and were finished in gold to underline Gibson’s reputation for excellence in quality.

The Gibson Les Paul Standard proved that a traditional manufacturing approach still resonated in the automated era.

But the classic Les Paul that I want to write about is really the Les Paul Standard. It appeared in 1958, after Gibson made some small design adjustments, mainly in finishing and pickups. Seen at first in the hands of blues legends Freddie King and Muddy Waters, the instrument’s popularity became institutionalized through the likes of Keith Richards and Eric Clapton – even Jimmy Page ultimately ditched his Telecaster for the Les Paul. Despite the initial commercial flop, the Gibson Les Paul Standard proved that a traditional manufacturing approach still resonated in the automated era.

Craftsmanship based on traditional luthier principles

Unlike Fender, whose design philosophy focused on cost-reduction, Gibson continues to base its craftsmanship on traditional luthier principles. It starts with the choice of wood: LPs are made mainly of expensive mahogany, a tropical wood that has long been associated with top-quality instruments.

To counteract the dark, warm sound of the mahogany, the LPs body is capped with a layer of maple, lending it some brightness and definition. Maple comes in many different grain-patterns, which gives some LPs a wonderful shimmery effect. Noble ebony, with its sleek feel, is often used for the fingerboard. Because of the type of wood used and the thicker body, these guitars are heavier than most – but the mass helps with sustain, and the solid feel gives many players a more grounded sensation when wielding their “battle-axe”.

Classic Aesthetics

Much of what makes the Les Paul special and symbolic are the classic aesthetics. For fret markers they have block inlays that have to be carefully routed into the fingerboard; the maple top is carved into a soft, feminine domed shape; woods are selected taking into account their symmetry and beauty, while the neck and body are bound in black and white strips. The Tune-O-Matic bridge system allowed you to adjust the intonation for each string individually and provided a solid connection between the guitar body and the strings. Seal it off with the classic sunburst finish to make them look like the Eye of Sauron, and you have an object of prestige and pride.

Rock ‘n’ Roll found its monster

But the electronic side of the LP, its beating heart, is perhaps its most significant feature. Although the iconoclastic meaty sound of the early Les Pauls with P90 pickups is back in vogue today, the LP became mostly associated with its PAF (Patent Applied For) Humbuckers. Most guitars at the time used single-coil pickups. These respond to electromagnetic interference from the mains, resulting in a low, consistent buzzing; by using a second coil, humbuckers filter out this noise, thus ‘bucking the hum’. The second coil also reduces some of the higher overtones, giving these pickups a warm, round sound, and increases the output of the pickup, perfect for thicker overdrive – Rock ‘n’ Roll had found its monster!

Both neck and bridge pickups can be played together or individually, while each pickup has its own tone and volume know assigned to it. This gives you the option of blending the mellower neck pickup with the more assertive bridge pickup into exactly that nuanced tone that you are craving. Contributing further to the cream is a glued-in neck (which produces more fluid sound-waves) and a relatively shorter, 24-inch scale-length that gives a softer attack.

Gibson Les Paul Standard Demonstration

This level of craftsmanship doesn’t come cheap

All in all, the attention to detail adds up, and this level of craftsmanship, beauty, playability and thick sound doesn’t come cheap. But even the steep price has given this guitar a lot of poignancy for me – it was always the most expensive guitar at the music shop, that craved, coveted instrument of fantasy that I might one day be able to afford. I would not say that it is the best guitar ever. But it truly represents Classic Rock in all its grandiose excess and buttery overdrive, with its confident playability and rich tone. Lastly, is rumored that James Bond plays a Les Paul…

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