Wenn du lernst, diese ikonischen Riffs zu spielen, erhältst du einen großartigen Einblick, wie einfache (und vielleicht nicht ganz so einfache) Notenmuster einen Song wirklich zum Leben erwecken können. Ich habe sieben bekannte Riffs ausgewählt, mit denen du anfangen – und dabei auch noch eine Menge Spaß haben kannst. Fühl dich frei, deine eigenen Lieblings-Gitarrenriffs in den Kommentaren unten mit uns zu teilen.

Der beste Weg, ein beliebiges Riff (einschließlich der Beispiele unten) zu lernen, wäre, die Noten herauszufinden und dann eine Übung in unserer kostenlosen Uberchord-App zu erstellen, mit der du deinen Fortschritt verfolgen kannst. Das ist viel einfacher, als wieder und wieder die Video-Tutorials anzusehen. Jedes neue Riff, das du heutzutage hörst, hat seine Wurzeln in dieser Art von Songs. Hör sie dir an, lerne, sie zu spielen, und es werden sich ganz neue Möglichkeiten für dein Gitarrenspiel eröffnen.

Can’t Get No (Satisfaction) – The Rolling Stones

Die Rolling Stones treten seit über fünfzig Jahren auf und während dieser langen Karriere hat die Band bemerkenswerterweise fast an ihrer Originalbesetzung festgehalten. Der Gitarrist, Keith Richards, ist dafür bekannt, immer auf der Suche nach neuen Ideen zu sein und zu experimentieren, indem er Songs in alternativen Stimmungen spielt.

Wenn du versuchst, einen Rolling-Stones-Song zu lernen, und es nicht ganz klappt, prüfe, ob Richards die Standardstimmung verwendet hat oder nicht. Can’t Get No Satisfaction ist jedoch einer der frühen Songs der Band und er wird mit E A D G B (deutsch:H) E-Stimmung gespielt. Das Eröffnungsriff könnte einfacher nicht sein, eine simple Drei-Noten-Progression, doch sie wurde zum absoluten Markenzeichen für die Band. Anscheinend war das Riff ursprünglich für eine Bläsergruppe gedacht. Es hat sich wohl noch niemand ernsthaft beschwert, dass es ein Gitarrenintro geblieben ist.

House Of The Rising Sun – The Animals

The House Of The Rising Sun ist eines dieser Eröffnungsriffs, das im Laufe der Jahrzehnte von vielen Bands gecovert, optimiert und neu erfunden wurde, aber die Version von den Animals ist immer noch die bekannteste. Ob du es glaubst oder nicht, Musikhistoriker bestehen darauf, dass der Song vielleicht schon zweihundert Jahre alt war, bevor die Animals ihn zu einem Nummer-Eins-Hit machten. Es basiert auf einem traditionellen Volkslied, was wahrscheinlich den rechtshändigen, kaskadierenden Strum-Style erklärt, in dem die Akkorde gespielt werden sollten.

Übrigens, wenn du House Of The Rising Sun spielen und singen möchtest, könntest du eine unangenehme Überraschung erleben. Die Tonart und die Anfangstöne sind hoch und für viele angehende Sänger unerreichbar. Bleib beim Gitarrespielen – das macht viel mehr Spaß.

Day Tripper – The Beatles

Jeder weiß, wieviel Einfluss die Beatles auf die moderne Rockmusik hatten. Zusammen mit einigen wenigen anderen Acts ihrer Ära haben die Beatles wohl fast jeden neuen Trend begonnen. Dennoch wird bei der enormen Menge an ähnlichem Material, das in den Jahren danach produziert wurde, oft übersehen, wie innovativ ihr Ansatz beim Songwriting war.

John Lennons Eröffnungs-Riff und die Leadgitarre in diesem Song waren wirklich ein musikalischer Geistesblitz. Niemand sonst hat diese Art von Sound oder Musik kreiert. Er schrieb ihn unter Druck, weil er auf die Schnelle eine weitere Hit-Single machen wollte. Damals, 1965, war es keine gute Idee, zuzugeben, dass der Song von Drogen handelte, und sowohl Lennon als auch McCartney sagten nicht allzuviel zu dem Thema. Später kam natürlich die Wahrheit ans Licht. Es war von Anfang an irgendwie offensichtlich.

Smoke On The Water – Deep Purple

Smoke On The Water ist nicht nur ein klassisches Riff, es ist auch lächerlich einfach zu spielen – schon deshalb muss es hier erwähnt werden. Musiker haben im Laufe der Jahre die Eröffnung nachgeahmt und kopiert und die Dinge meist überkompliziert. Man kann sich schließlich kaum vorstellen, dass der große Richie Blackmore das Ganze meist auf nur zwei gesperrten Saiten gespielt hat. Aber das ist in der Tat die Essenz des Eröffnungsriffs.

Ich denke, dass das Spielen von vollen Akkorden oder sogar Powerakkorden den Sound zu sehr zerstören würde, es sei denn später im Song. Schau dir das Video an und du wirst sehen, dass man wirklich immer nur zwei Saiten gleichzeitig spielen sollte. Man kann ein Anfänger sein und trotzdem so gut klingen wie Blackmore. Wie cool ist das denn?

Apache – The Shadows

Das ist ein echter Tauchgang in die Rock’n’Roll-Archive. The Shadows waren in ihrer langen Blütezeit eine sehr populäre britische Band, sind aber wahrscheinlich immer noch besser bekannt als Cliff Richards Begleitband – oder als “Cliff Richard and The Shadows”. Vielleicht würden die Jungs ja argumentieren, dass sie gleichberechtigt waren? Die Sache ist die, dass The Shadows eine Instrumentalband waren und sich mehr auf die Riff-Melodien des Leadgitarristen Hank Marvin verließen, anstatt auf einen Sänger.

Apache war eine bahnbrechende Single, die die Beatles von der Spitze der Charts verdrängte – keine geringe Leistung. Und sie wird immer noch oft unter den 100 besten Gitarrentracks aller Zeiten aufgeführt. Wenn du den Paten der modernen Gitarrenriffs suchst – Marvin qualifiziert sich wahrscheinlich für den Titel. Die Shadows waren auch einflussreich bei der Entwicklung des Vox-Gitarrenverstärkers. Sie brauchten einfach mehr Lautstärke!

Beat It – Michael Jackson

Es ist viel über Michael Jackson gesagt worden, besonders in der Verwirrung und Trauer nach seinem unglücklichen Tod, aber es gibt zwei unbestreitbare Fakten. Egal, was er sonst noch war, Jackson war ein brillanter Musiker – und er umgab sich immer mit anderen, genialen Musikern für seine Studiosessions. Michael Jackson gab sich mit nichts weniger als dem Besten zufrieden, wenn er Songs schrieb und aufnahm. So ist es keine Überraschung, dass der Gitarrist Eddie Van Halen mit Beat It, einem großen Hit für Jackson, in Verbindung gebracht wird.

Van Halen spielte jedoch nur das Solo in Beat It. Das treibende, klassische Eröffnungsriff wurde von Steve Lukather von Toto geschaffen. Zu dieser Zeit (und noch jahrelang danach) waren Lukather und der Rest von Toto die angesagtesten Studiomusiker in Los Angeles. “Luke”, wie er genannt wird, hat darauf hingewiesen, dass bei so ziemlich jeder ernsthaften Aufnahme, die zu dieser Zeit in Los Angeles entstanden ist, mindestens ein Mitglied von Toto mitgewirkt hat. Du könntest sicherlich etwas Unsinnigeres tun, als zu lernen, wie Steve Lukather zu spielen, der von den Profis allgemein als einer der größten modernen Spieler aller Zeiten anerkannt wird.

Stairway to Heaven – Led Zeppelin

Eine Liste wie diese muss die Eröffnung von “Stairway To Heaven” enthalten, obwohl ihre Länge und Komplexität sie vielleicht als “Riff” disqualifiziert. Das Spielen der Anfangs-Akkorde ist eine Herausforderung, bevor geläufigere Akkordformen folgen, es kann also sein, dass Anfänger ein bisschen Zeit dafür brauchen werden, es zu lernen. Nimm dir die Zeit und erwarte am Anfang nicht zu viel. Beharre nicht zu sehr drauf, gleich alles genau richtig machen zu wollen.

Jimmy Page probierte ständig kleine Variationen und Spieltechniken aus, einschließlich des Wechsels zu einer zwölfsaitigen Gitarre für die rhythmischeren Teile (vielleicht wurden es ihm zu langweilig, sie ständig auf die gleiche Weise zu spielen?), und du solltest nicht jede Version, die du hörst, als Evangelium betrachten. Du wirst den Song wahrscheinlich nie selbst live spielen, aber wenn du von Leuten, die nicht selbst Gitarre spielen, gefragt wirst: “Kannst du Stairway to Heaven?”, und  dann eine passable Version herausbringst, bist du fein raus. Außerdem kann es nicht schaden, zu lernen, wie man ein echtes Stück Gitarrengeschichte spielt.

Das war meine Auswahl von sieben berühmten Gitarrenriffs, die ich gerne geschrieben hätte. Aber es gibt auch modernere Beispiele – die Grunge- und Heavy-Metal-Bands der Neunziger haben fantastische Musik gemacht. Und auch unter den Progressive Rockern gibt es bestimmt ein paar Favoriten. Es gibt noch viele weitere, die es wert sind, genannt zu werden, also schreib uns doch bitte einen Kommentar, welche großartigen Riffs du gerne noch erwähnt sehen würdest.

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Einer der größten Fehler, den Gitarrenspieler machen, wenn sie dem schwer fassbaren Angus-Young-Sound hinterherjagen, ist, dass sie den “Gain” am Verstärker zu hoch drehen. Der Sound von Angus basiert in Wirklichkeit auf Lautstärke und Fingern.

Angus Youngs Gitarrenrig ist das simpelste der Welt!

Er ist dafür bekannt, dass er seine Gitarre direkt an seinen Verstärker anschließt. Er braucht keine Pedale oder spezielle Tricks; er weiß einfach, wie er das Beste aus der Ausrüstung herausholen kann, die er hat, und nutzt dieses Wissen, um seinen speziellen Sound zu erzielen. Einer der größten Fehler, den Gitarrenspieler machen, wenn sie dem schwer fassbaren Angus-Young-Sound hinterherjagen, ist, dass sie zu viel Gain auf ihrem Verstärker einstellen. Der Sound von Angus basiert in Wirklichkeit auf der Lautstärke und den Fingern. Nun kann natürlich niemand ganz so klingen wie Angus, weil es nur einen Angus Young gibt. Aber man kann seine Technik studieren und sehr nahe an ihn herankommen, wenn man erkennt, dass man sich durch mehr Gain am Verstärker nur weiter vom Ton entfernt.

Warum ist das Volume so wichtig auf der Suche nach dem Angus Young-Sound?

Angus verwendet normalerweise Marshall-Röhrenverstärker. Bei den meisten Röhrenverstärkern, vor allem bei den old-school Marshall-Plexis, werden die Röhren des Verstärkers stärker angetrieben, wenn man die Lautstärke aufdreht, was zu Verzerrungen führt. Dies ist eine “sauberere” Verzerrung, als wenn man den Gain des Verstärkers ganz aufdreht. Ideal ist es, den Gain im Bereich von 1-5 (je nach Verstärker) zu halten. Kommen wir nun zu den speziellen Geräten, mit denen du dieses Ziel erreichen und im Handumdrehen wie Angus klingen kannst!

Angus Young Gitarren

Angus ist berühmt dafür, die SG Gitarre zu spielen. In diesem Fall, da das Rig so simpel ist (einfach nur eine Gitarre, die an einen Verstärker angeschlossen ist), ist der Typus der Gitarre ausschlaggebend. Die von Angus verwendete SG ist aus Mahagoniholz und hat ein Griffbrett aus Palisander. Mahagoni gibt einen dunkleren Klang, der die Akkorde voller macht und den Bässen mehr Tiefe verleiht. Außerdem hat Angus 2 Humbucker auf seiner Gitarre, typischerweise im PAF-Stil und mit relativ geringem Output.

Axe Choice #1: Gibson Angus Young SG Series 

Diese SG wird von Gibson hergestellt, der Marke, die auch die Gitarre von Angus herstellt. Sie verfügt über einen Mahagoni-Korpus und -Hals sowie 2 Humbucker-Pickups. Sie ist eine großartige Gitarre, die dir die Sounds liefert, die du brauchst, ohne dass es die Bank sprengt. Wenn du nach etwas suchst, das etwas brieftaschenfreundlicher ist, dann schau dir die nächste Gitarre an!

Axe Choice #2: Epiphone G-310 

Auch hier handelt es sich um eine Gitarre aus Mahagoni, die wie Option 1 mit den Humbuckern ausgestattet ist. Allerdings sind billigere Gitarren deshalb billiger, weil sie aus minderwertigen Materialien hergestellt sind. Wenn du also das Geld hast, rate ich dir, ein paar Nachforschungen anzustellen!

Nun, da wir den Gitarrenteil abgehandelt haben, lass uns über Verstärker reden, die wahrscheinlich wichtigste Zutat des Angus Young-Sounds!

Angus Young Signature Gitarren-Pick-ups

Gibson Signature Pickup: Angus Young hat sich mit Gibson zusammengetan, um den ultimativen Tonabnehmer für die sengenden Riffs zu schaffen, für die er bekannt ist. Mit beschichtetem Draht, einem speziellen Alnico V-Magneten und passenden Spulen bietet dieser Angus Young Signature Humbucker eine Kombination aus Vintage-Style-Punch und Ripping Sound, die fast alles durchschlägt.
Preis: $169.99

Angus Young Gitarrenverstärker

Angus ist bekannt dafür, Marshall-Verstärker zu verwenden, typischerweise im old-school Plexi Style. Werfen wir einen Blick auf einige mögliche Verstärkeroptionen.

Amp Choice #1: Marshall DSL15C
Preis: $600 USD

Hier ist ein schöner tragbarer, großartig klingender Marshall, der deine Kasse nicht sprengen wird. Er hat 2 Kanäle und ist ein Vollröhrenverstärker, das ist der wichtigste Faktor. Um den Old-School-Sound zu erhalten, den Angus benutzt, muss man einen Röhrenverstärker haben (es sei denn, du bist wirklich gut im Programmieren!). Wenn du nach dem nächsthöheren Level dieser Combo suchst (vielleicht ein voller Stack), solltest du dir die DSL-Serie von Marshall ansehen!

Amp choice #2: Marshall JTM45
Preis: $1,999.99

Dies ist ein sehr, sehr teurer Verstärker, aber wenn es dir ernst damit ist, einen authentischen Angus-Sound zu erreichen, dann schau nicht weiter herum, sondern halt dich an diesen Bad Boy!

Amp choice #3: Wampler Plexi Drive
Preis: $200 USD

Technisch gesehen handelt es sich bei dieser Wahl nicht um einen Verstärker, sondern um ein Pedal, aber es ist eine relativ preiswerte Möglichkeit, einen fantastischen Marshall-Plexi-Sound mit dem Verstärker zu bekommen, den du bereits besitzt! Wenn du ein festes Budget hast, schauen dir diesen hier an.

Wenn es um die Amp-Einstellungen geht, halte alles auf halber Strecke, dreh nicht die Verzerrung auf! Der Klang muss sehr klar bleiben und darf nicht durch Verzerrung überdreht werden. Denk daran, lieber einen klaren Ton als zuviel Gain!

Picks und Saiten

Angus verwendet sehr schwere Plektren und schlägt die Saiten sehr hart an, aber er achtet darauf, dass dem Ton kein Saitengeräusch in die Quere kommt. Ich würde empfehlen, mit einigen .60mm-Plektren zu experimentieren und herauszufinden, wie hart man Riffs picken kann. Du solltest dir auch einige schwerere Gitarrensaiten anschauen, aber nicht zu schwer, damit sie noch gut zu biegen sind! Versuche alles über .10!

Vibrato

Angus hat auch ein sehr raues und kraftvolles Vibrato. Sein Vibrato ist stärker ausgeprägt als das Blues-Vibrato. Angus legt viel Kraft in sein Vibrato und setzt seine ganze Hand in einer kraftvollen Auf- und Abbewegung für das Verbiegen der Saiten ein.

Video Anleitung

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Der H (engl. B) Akkord, der Grundakkord der Tonart H-Dur:

Die Tonart H-Dur wird seit langem mit negativen Emotionen wie Wut, intensiver Eifersucht und Hoffnungslosigkeit in Verbindung gebracht, was sie zu einem sehr wichtigen Bestandteil des Gitarristen- Repertoires macht ;-) .

Der letzte Teil von Igor Strawinskys Feuervogel, einer Oper, die auf einem rätselhaften russischen Märchen basiert, steht in H-Dur, ebenso wie die Arie “La donna è mobile” (Frauen sind wankelmütig) aus Verdis Oper Rigoletto.

Unter den Jazztiteln taucht diese Tonart nicht sehr häufig auf, mit Ausnahme von John Coltranes “Giant Steps” und Steely Dans “Aja”. In der Popmusik sieht es etwas besser aus; die Backstreet Boys, Lady Gaga und Michael Jackson haben alle eine Reihe von H-Dur-Songs in ihrem Repertoire.

Die Tonart H-Dur mit fünf Vorzeichen – Kreuzen – ist etwas knifflig abzulesen, aber auf dem Klavier sind die schwarzen Tasten leicht zu erreichen, und auf der Gitarre sind die Akkorde vergleichsweise einfach zu spielen. Sie wird wegen ihrer Anzahl von Vorzeichen und ihrer Entfernung von der Tonart C-Dur (die keine Vorzeichen hat) im Quintenzirkel als eine “entfernte” Tonart angesehen. Sieh dir an, was du über Dur-Tonleitern und ihre Funktionsweise wissen musst.

Die Position des H-Dur Akkords auf der Gitarre: ein bisschen eng

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Ähnlich wie beim A-Akkord musst du beim H-Dur-Akkord drei Finger zusammendrängen, was bei breiten Fingern eine knifflige Angelegenhet sein kann.

Aber auch wenn das anfangs lästig ist, lass sich nicht entmutigen – jeder Akkord ist spielbar, wenn man ihn nur oft genug übt! Mit der Uberchord App (zum kostenlosen Download anklicken) kannst du dir den Weg verkürzen, da sie dich genau wissen lässt, was du tun kannst, um dein Spiel noch zu verbessern.

Und wenn du später einmal Akkordfolgen spielen musst, zwischen denen es schwierig ist, zu wechseln, kannst du die Akkordfolgen einprogrammieren und erhältst hilfreiches Feedback. In unserem Blog-Beitrag findest du fünf großartige Tipps, wie du neue Akkorde leicht lernen kannst.

Theorie und Praxis: Das Muster der H-Dur Tonleiter

Wenn du bereits etwas Musiktheorie in petto hast (wenn nicht, ist hier eine gute Gelegenheit, um damit zu beginnen), weißt du, dass die Töne in einer Dur-Tonart nach diesem Muster erfolgen:

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton

Mit anderen Worten, an der dritten und siebten Stelle der Tonleiter gibt es einen Halbton, und zwischen all den anderen Tönen gibt es Ganztöne. Alle Dur-Tonarten folgen diesem Muster, wenn du also jemals die Vorzeichen selbst herausfinden willst, beginne einfach mit dem Grundton und zähle das obige Muster ab.

Das bedeutet, dass die Tonleiter der Tonart H-Dur aus einer stummen Saite plus den Noten H (engl B), Cis, Dis, E, Fis, Gis und Ais besteht.

Voilà- die H-Dur Tonleiter, mit H als Grundton und einem weiteren H, eine Oktave höher, an der Spitze.

Auf deinen Gitarrensaiten sieht das so aus:

Das Spielen von Tonleitern auf deiner Gitarre ist viel einfacher, wenn du die Griffbrettnoten auswendig kennst. Hier ist eine geheime Technik, die von vielen professionellen Gitarristen auf der ganzen Welt zum Erlernen des Griffbretts verwendet wird.

Der H-Dur-Akkord, der den Grundakkord der H-Dur Tonleiter bildet, besteht aus den Tönen H, Dis und Fis – dem ersten, dritten und fünften Ton der Tonart H. Auf der Gitarre werden diese Töne in der im Bild gezeigten Grundposition des H-Akkords in dieser Reihenfolge gegriffen: stumm, H, Fis, H, Dis und Fis.

Wenn du ein sichereres Gefühl für die Theorie hinter der Praxis des Musizierens bekommen möchtest, findest du in unserem Blog eine Reihe hilfreicher Musiktheorie-Artikel. Die Kenntnis der Musiktheorie hilft dir, ein besserer Musiker zu werden, und gibt dir den Seelenfrieden, der damit einhergeht, zu wissen, was das alles bedeutet.

Übliche Akkordprogressionen in der Tonart H-Dur

Wenn du jeden Akkord der Tonart H-Dur verwenden würdest, wären das  die folgenden. Du bist nicht strikt darauf beschränkt, nur die Akkorde in der gleichen Tonart zu verwenden, aber es hilft, sie zu kennen, also hier sind sie:

H-Dur – cis-Moll – dis-Moll – E-Dur – F-Dur – gis-Moll – Ais vermindert

Warum sind die cis-, dis- und gis-Akkorde in Moll? Weil in der Dur-Tonleiter die Akkorde an der zweiten, dritten und sechsten Stelle der Tonart moll sind. Sie sind es einfach.

Warum ist der Ais-Akkord ein verminderter? Weil er in der Tonart H auf der Septime steht, und in Dur-Tonarten sind alle Septime-Akkorde vermindert. That’s just the way it is, baby.

Für mehr Abwechslung und größere Ausdruckskraft kann der Fis-Akkord in der Tonart H-Dur auch als Fis 7 gespielt werden. Warum? Weil er an der fünften Stelle der Tonart H steht und damit die Ehre hat, der Akkord zu sein, der das Ende der musikalischen Phrase ankündigt. (Gehe einige der unten aufgeführten Akkordfolgen durch und du wirst es hören).

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“Red, Red Wine,” von UB40

Fügt man dem Fis-Akkord die siebte Note der Tonart Fis (Cis) hinzu, erzeugt man einen Fis7-Akkord. Er klingt dann etwas kopflastiger, so als ob er auf den Grundakkord (H) umfallen würde, der normalerweise in der Akkordfolge als nächstes kommt. Oder, in Fällen, in denen kein Akkord mehr folgt, verleiht er der musikalischen Phrase einen ungelösten Klang.

Sieh dir unseren früheren Blog-Beitrag über das  Verstehen und Spielen von Septakkorden an und verpasse auch nicht die Serie über das  Lernen und Verstehen von Musiktheorie.

Nimm dir ruhig ein wenig Zeit zusätzlich zu deinem Uberchord-Unterricht und spiele mit den untenstehenden Progressionen herum, um besser damit vertraut zu werden, wie diese Akkorde, je nach ihrer Reihenfolge und ihrem Kontext, ein Gefühl von Anfang, Aufstieg, Fall und Ende erzeugen.

Werfen wir also noch einmal einen Blick auf die Akkorde in der Tonart H: H-Dur, cis-Moll, dis-Moll, E-Dur, Fis-Dur, gis-Moll und Ais vermindert.

Natürlich kann man diese Akkorde nicht einfach so abspielen und erwarten, wie ein Profi zu klingen. Im Folgenden findest du einige übliche Akkordfolgen in dieser Tonart. Die meisten der Lieder, die du hörst, bestehen aus Kombinationen dieser Akkordfolgen. Wenn du sie spielst und dich an ihren Klang gewöhnst, wirst du sie wahrscheinlich als vertraut erkennen.

(B ist die englische Schreibweise für H.)

1. B — E — F# — B.
2. B — F# — G# — E.
3. B — G# — E — F#.
4. B — F# — G# — D# — E — B — E — F#.
5. (Blues) B — B — B — B — E — E — B — B — F# — F# — B — B.
6. C# — E — F#.
7. B — E — F# — E.
8. F# — E — B.
9. G# — E — B — F#.
10. G# — F# — G# — F#.

Ein paar großartige Songs in der Tonart H-Dur

Während deiner Beschäftigung mit der Musik hast du vielleicht bemerkt, dass jede Tonart – und sogar jeder Akkord – eine eigene Persönlichkeit hat. Die Tonart H-Dur zum Beispiel ist zwar äußerst vielseitig, wird aber eher als Träger von negativen Emotionen wie Verzweiflung, Wut und Angst gesehen.

Sie kann Angst verherrlichen, wie in Michael Jacksons “Thriller.”

Sie kann von verborgenem Schmerz singen, wie Lady Gagas “Poker Face.”

Sie kann eine Ode an üble Straßenviertel und wurzelloses Leben sein, wie “Nightrain”, von Guns N’ Roses…

…oder eine Ode an unerwiderte Liebe wie Coldplays “Yellow”

Lerne die Tonart H-Dur kennen, du weißt nie, wann du sie mal gebrauchen kannst!

Und wenn du noch nicht die Uberchord App (klicken zum kostenlosen Download) heruntergeladen hast, hier sind  fünf gute Gründe, es zu tun!

Quellen:

Rita Steblin (1996) A History of Key Characteristics in the Eighteenth and Early

Nineteenth Centuries, University of Rochester Press, p. 123

Emotions of the Musical Keys

The 10 Most Used Chord Progressions in Pop and Rock and Roll

Song Key Finder

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Wir starten die Reihe mit dem König aller Akkorde: dem C-Dur-Akkord.

Warum beginnt das Alphabet der Gitarrenakkorde mit “C?”

Warum hat der C-Dur-Akkord die Ehre, der erste Akkord zu sein, den die meisten Gitarristen lernen, obwohl er nur der dritte Buchstabe im Alphabet ist und sein Grundton nur der dritte der sieben musikalischen Grundtöne?

Die kurze Antwort ist: wegen des Klaviers.

In der Geschichte der Gitarre gibt es viele Fälle, in denen Gitarre und Klavier versuchen, sich gegenseitig zu kopieren und auf die eine oder andere Weise zu übertreffen, wie eifersüchtige Geschwister. Die dissonanten Akkorde des Ragtime-Klaviers zum Beispiel waren ein Versuch, die “blue note” (das Biegen der Gitarrensaiten, um einen “bluesigen” Klang zu erzeugen – lies dies, um zu erfahren, wie das geht) nachzumachen. Später kopierten Gitarristen wie Reverend Gary Davis die gleichen Klavierakkorde auf der Gitarre, was die bereits brillante Affinität der Gitarre zu Blues und Jazz noch verstärkte.

Die Gitarrensaiten nehmen sich ein Beispiel an den  klimpernden Elfenbeintasten

Aber mit C zu beginnen war nicht nur ein schlichter Fall von Kopieren. Es macht Sinn, die Gitarre von der Leichtigkeit profitieren zu lassen, mit der das Klavier die Grundlagen der Musiktheorie vermittelt. Auf deiner eigenen musikalischen Reise wirst du vielleicht sogar ab und zu selbst zu Tasteninstrumenten greifen, um die Akkordstruktur besser zu verstehen.

Gitarrenunterricht beginnt in der Regel mit der C-Akkordposition; der C-Akkord ist der Grundakkord der Tonart C-Dur. Zum Teil geschieht das deshalb, weil C-Dur die erste Tonart ist, die von Klavierschülern gelernt wird. Die Tonart C-Dur hat keine Vorzeichen (d.h. keine Kreuze oder Bs) und ist daher gut dazu geeignet, Klavieranfänger an die Musiktheorie heranzuführen, ohne sie zu überfordern. Es ist auch hilfreich, dass das “mittlere C” genau in der Mitte der Klaviertastatur liegt.

Werfen wir also einen kurzen Blick auf die Tonart C-Dur, die Tonart, für die der C-Akkord den Grundakkord bildet.

Theorie und Praxis: Das Muster der C-Dur Tonleiter

Wenn du dich bereits ein wenig mit Musiktheorie auskennst (wenn nicht, ist hier eine gute Gelegenheit, damit anzufangen), weißt du, dass die Intervalle in einer Dur-Tonart folgende sind:

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton

Das heißt, an der dritten und siebten Stelle der Tonleiter gibt es einen Halbton, und zwischen allen anderen Tönen liegen Ganztöne.

In der Tonart C-Dur bedeutet dies, dass zwischen den Tönen H und C und wiederum zwischen den Tönen E und F nur ein Halbton liegt, und in der Tonart C-Dur liegen diese beiden Halbtöne zufällig auf der dritten und siebten Stelle der Tonleiter. Voilà! Du brauchst die schwarzen Tasten (Kreuze und Bs) in der Tonart C-Dur nicht anzuschlagen.

Natürlich haben Gitarren keine schwarzen Tasten, also sollte es keine Rolle spielen, oder? Ein Gitarrenspieler kann einen Halbton (Kreuz oder B) erzeugen, indem er einfach einen Finger auf halbem Weg zwischen zwei Ganztönen platziert, d.h. indem er ihn einen Bund nach oben oder unten bewegt, denn jeder Bund repräsentiert einen Halbton.

Für die Gitarre übersetzt sich das Muster der Dur-Tonleiter—

Ganzton, Ganzton, Halbton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Halbton –

in: zwei Bünde, zwei Bünde, ein Bund, zwei Bünde, zwei Bünde, zwei Bünde, ein Bund

C – D – E – F – G – A – B (deutsch:H)

Nebenbei bemerkt ist die Tonart a-Moll auch frei von Kreuzen und Bs und für Gitarristen eine relativ leicht zu spielende Tonart. Wenn du einen Schüler mit einfachen Akkorden beginnen lassen willst, sind die Akkorde a-Moll, e-Moll und ein vereinfachtes B7 nicht zu schlagen. Das mag erklären, warum so viele Autodidakten damit beginnen, “House of the Rising Sun” in a-Moll spielen zu lernen. Aber die Klaviertradition lebt hartnäckig weiter, vielleicht auch deshalb, weil Moll-Tasten nicht so fröhlich klingen wie die Dur-Tasten.

In der Musiktheorie macht es einfach Sinn, mit C zu beginnen. Wenn du Musiktheorie zusammen mit dem Gitarrespielen lernst (und das solltest du, denn es macht Spaß und ist sehr hilfreich), wirst du die Weisheit erkennen, die darin liegt, das Alphabet mit C zu beginnen.

Und mach dir keine Sorgen – der Uberchord-Blog bietet eine großartige Reihe von Musiktheorie-Artikeln, die dich durch den dunklen Wald und auf die helle Ebene des Musikverständnisses führen. Das wird dir helfen, ein besserer Musiker zu werden und dir den Seelenfrieden geben, genau zu wissen, was du tust und wie alles zusammenpasst. Es ist eine großartige Ergänzung zur Verwendung der kostenlosen Uberchord-App!

Der C-Akkord ist ja schön und gut, aber wie spiele ich ihn auf der Gitarre?

Der C-Akkord kann in verschiedenen Formen und Positionen auf der Gitarre gespielt werden. Wenn du dein Handy griffbereit hast, kannst du die Übung direkt in deiner Uberchord-App öffnen, indem du auf das Bild klickst.

Die C-Dur Tonleiter

Hier ist die C-Dur Tonleiter, mit C als Grundton und einem weiteren C, eine Oktave höher, an der Spitze. Auf dem Violinschlüssel liegt das höhere C genau in der Mitte des Klaviers, weshalb es auch als mittleres C bezeichnet wird. Auf der Gitarre kann dieses C auf der dritten Saite, fünfter Bund, oder auf der zweiten Saite, erster Bund, gespielt werden.

Ein bisschen Vitamin C schadet nie: Ein paar große Songs in der Tonart C-Dur

Technisch gesehen gibt es keinen Grund zu glauben, dass eine Tonart eine andere “Stimmung” haben sollte als eine andere; sie sind alle nur höher oder tiefer, mit den gleichen Intervallen, und deshalb sollten sie alle gleich klingen, richtig? Aber je mehr du spielst, desto mehr wirst du feststellen, dass jede Tonart ihren eigenen besonderen emotionalen Charakter hat.

Von den Dur-Tonarten dürfte C am kindlichsten und belastbarsten sein. Sie ist so voller Licht, dass sie das Risiko eingehen kann, dunklere Themen in Angriff zu nehmen, ohne den Kopf hängen zu lassen – Bad Romance von Lady Gaga.

Sie kann mitreißend fröhlich sein wie La Bamba von Ritchie Valens.

Sie kann hoffnungsvoll klingen: Imagine von John Lennon.

Sie kann dich einen langen, verschlungenen musikalischen Pfad heraufführen, ohne langweilig zu werden, wie Stairway to Heaven von Led Zeppelin.

Sie kann schräg und verspielt sein wie Miss You von den Rolling Stones.

Hoffentlich wirst du den C-Akkord bald als einen guten Start für deine Gitarrenreise anerkennen. Der Unterricht ist neu, die Hornhaut an den Fingern muss erst noch wachsen und die Akkordposition ist nicht die einfachste. Aber sei versichert – ab hier kann es nur besser werden.

—00—

Quellen:

Art Matthews Online Piano Lessons

Song Key Finder

The Ragtime-Influenced Fingerpicking of Rev. Gary Davis

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Bossa Nova ist ein brasilianischer Musikstil,  der die brasilianischen Samba-Rhythmen mit der nordamerikanischen Jazzmusik vermischt.

In den späten 50er Jahren wurde die Bossa-Nova-Bewegung von dem Gitarristen/ Sänger Joao Gilberto und dem Komponisten Antonio Carlos Jobim angeführt. Sie brachten ihr einzigartiges Gespür, ihren Stil und ihre Innovationen aus der Sambamusik in die Balladenform ein. Der Bossa Nova ersetzte nicht den traditionellen Samba, wollte es auch nicht, bot aber eine Alternative dazu. 

Der Bossa Nova änderte mehrere stilistische Parameter, indem er die dynamische Integration von Melodie, Harmonie und Rhythmus anstrebte und gleichzeitig den Sänger als Mittelpunkt der Aufmerksamkeit zurückstellte. Anstelle des traditionellen binären Samba-Beats wurde ein vielseitigerer Rhythmus verwendet, und das Standard-Schlagzeug wurde zur Norm. Rhythmische Grundlagen, die durch Schlagzeug und Bass vorgelegt wurden, wurden durch das rhythmische Zupfen von Akkorden auf der Akustik-Gitarre ergänzt. 

Der Bossa Nova führte neue Harmoniemuster in Akkordprogressionen ein; er verwendete häufig die rhythmischen Akkorde, die mit dem Jazz assoziiert wurden. Die melodischen Linien waren oft spärlich und der zurückhaltende Gesang wurde zu seinem Hauptmarkenzeichen. Dieser Ansatz stand in scharfem Kontrast zum emphatischen Stil des Samba-Canção.

Viele dieser neuen Eigenschaften ähnelten denen des “Cool Jazz” der nordamerikanischen Westküste, den viele junge brasilianische Musiker zu der Zeit bewunderten. Der Bossa Nova wurde zu einem einzigartigen Genre und zu einem festen Bestandteil des Jazz Repertoires.

Bossa Nova Künstler zum Anhören

Um den Bossa Nova-Stil besser zu verstehen, empfehlen wir dir, dir folgende Künstler und Komponisten anzuhören:

Antônio Carlos Jobim, Astrud Gilberto, João Gilberto und Luiz Bonfa

João Gilberto war davon besessen, neue Wege des Gitarrespielens zu finden. Er nahm Rhythmen aus dem brasilianischen Samba und wandte sie auf seinen eigenen Gitarrenstil an, um den einzigartigen Klang des Bossa Nova zu beeinflussen. Dieser Stil wird üblicherweise auf Nylonsaiten und mit den Fingern gezupft gespielt. Er entsteht in Kombination der Bass-Saite mit Samba-Rhythmen in verschiedenen Mustern. Klicke hier, um Gitarrenakkorde auf deinem Smartphone spielen zu lernen.

Bossa Nova Übung für Anfänger

Wir wollen eine sehr einfache und grundlegende Bossa Nova Akkord-Progression spielen:

ll Cmaj7 l Am7 l Dm7 l G7 ll

Hör dir diese Aufnahme der Anfängerübung an:

Bitte beachte: Bei dem Beispiel mit dem Cmaj7 Akkord unten bleibt der Rhythmus durch die ganze Progression hindurch konstant, mit dem Bass auf der 5. Saite.

Beim Bossa Nova interagieren die Rhythmen miteinander.

Bei dieser Übung spielst du den Bass mit deinem Daumen und die Akkorde mit deinem Zeigefinger, Mittelfinger und Ringfinger auf der 3., 2. und 1. Saite.

Ich empfehle dir, dass du die Bassnoten und Akkorde zunächst getrennt voneinander übst, bevor du versuchst, die Rhythmen zusammenzusetzen. Du kannst den Takt in zwei Abschnitte aufteilen und zuerst die erste Hälfte üben und dann, wenn du das gut kannst, die zweite Hälfte.

Hier sind die genauen Rhythmen zu dem Am7, Dm7 und G7 Akkord:

Bitte beachte: Während der Bass auf verschiedenen Saiten gespielt wird, werden die Akkorde mit der rechten Hand durch die gesamte Progression hindurch auf denselben Saiten gespielt. Spiele die Takte zweimal.

Anleitung zur Bossa Nova Akkord-Progression

In der Video-Anleitung zeige ich dir ein gängiges Bossa Nova Muster.

Hier ist die Akkord-Progression:

ll Cmaj9 l Am11 l Dm9 l G13 ll

Die Akkorde werden mit 9., 11. und 13. Noten geschmückt, was im Bossa Nova Stil häufig vorkommt.

Spiele das Rhythmus-Muster zum Cmaj9 Akkord:

Während du mit dem Daumen den Bass spielst und dabei zwischen der 5. und 6. Saite wechselst, spielst du mit deinem Zeigefinger, Mittelfinger und Ringfinger die Akkordtöne auf der 4., 3. und 2. Saite. Auf dem 4. Beat erfolgt ein Schlag auf die Saiten, um den rhythmischen Effekt zu erzielen.

Wenn du Schwierigkeiten damit hast, den Rhythmus zusammen zu spielen, versuche, den Bass und die Akkorde zuerst getrennt zu üben. Teile den Takt in zwei Abschnitte und übe zuerst den ersten Teil. Wenn du ihn beherrscht, gehst du zum zweiten über, bevor du sie beide zusammen spielst.

Hier sind die genauen Muster zu den Akkorden Am11, Dm9 und G13:

Bitte beachte: Die Bassnoten sind bei diesen Akkorden unterschiedlich, doch davon abgesehen sind der Fingersatz und die Saiten der rechten Hand dieselben wie bei dem Cmaj9 Akkord. Spiele die Takte zweimal.

Thomas Berglund ist ein Musiker, der im Laufe der Jahre viele verschiedene Stile gespielt hat. Er arbeitet außerdem als Gitarrenlehrer und hat einen YouTube Kanal, auf dem er regelmäßig Gitarrenanleitungen, Musikveröffentlichungen und Konzertvideos veröffentlicht.

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1. Lerne so viele verschiedene Akkorde wie möglich

Es spielt keine Rolle, wie sehr du den Song X magst. Wenn du jedes Mal, wenn du den Song X spielst, dieselben Akkorde verwendest, wird er dir irgendwann langweilig werden und du wirst weniger motiviert sein, ihn zu spielen. Eine einfache Lösung wäre, die Akkorde und das Voicing zu ersetzen.

Wenn du ein Songwriter bist, ist es auf jeden Fall von Vorteil, mehrere Alternativen zu einem Akkord auf der Gitarre zu kennen. Stell dir Akkorde als Farben vor, mit denen du eine reichere musikalische Landschaft malen kannst.

Es wäre allerdings ziemlich umständlich, immer ein dickes Buch mit Akkorden mit sich herumzutragen. Die Leute von Uberchord (Klicken zum kostenlosen Download) haben eine App entwickelt, die ich meinen Schülern zum Gitarreüben empfehle, da sie ihnen zuhört und ihnen sofortiges Feedback gibt. Sie bietet auch eine praktische Enzyklopädie von Akkorden mit verschiedenen Umkehrungen.

2. Lerne, diszipliniert zu üben

Es besteht ein klarer Unterschied zwischen intensivem Üben und dem Herumalbern mit der Gitarre. Ersteres wird zu Ergebnissen führen, während Letzteres wahrscheinlich Enttäuschungen hervorrufen wird und sogar damit enden kann, dass man mit dem Gitarrespielen aufhören möchte. Es ist in Ordnung, wenn du mal Motivationsprobleme hast, jeder durchlebt kreative Blockaden. Versuche in solchen Fällen, dich mit anderen Gitarristen auszutauschen.

Wenn du auf eigene Faust lernst, wird dir das Wissen, wie du diszipliniert vorgehst, später viele Enttäuschungen ersparen. Mit der neuesten Version der Uberchord-App kannst du dich täglich ans Gitarreüben erinnern lassen, und nicht nur das, du kannst auch deine Ziele und Erfolge beim Üben und Lernen nachverfolgen.

3. Benutze ein Metronom, um ein Gefühl für Rhythmus zu entwickeln

Zu lernen, wann man schnell spielen muss und wann langsam, wann vor dem Schlag, wann mit dem Schlag, wann man das Tempo verringert oder erhöht und trotzdem die Kontrolle behält –  dies sind unschätzbare Fähigkeiten, die jeder Gitarrist im Zusammenspiel mit anderen Musikern braucht.

Wir Gitarristen neigen zur Eile. Ich für meinen Teil neige dazu, zu hetzen, und wann immer ich mich aufnehme, bin ich dem Takt normalerweise 10 ms voraus. Das hätte ich verhindern können, wenn ich in meinen frühen Jahren mit einem Metronom geübt hätte. Sieh dir dieses kostenlose Online-Metronom an.

4. Achte auf die Dynamik und die verschiedenen Nuancen deines Spiels

Sowohl beim Anschlagen von Akkorden als auch beim Solospiel macht es einen großen Unterschied, wenn man weiß, welche Noten man wann akzentuieren muss. Du willst nicht wie Guitar Pro oder wie ein VST-Plugin klingen, bei dem die einzigartige, menschliche Note eines Gitarristen fehlt.

Versuche Folgendes: Suche dir etwas aus, das du ziemlich gut spielen kannst. Es kann ein Riff sein, eine Melodie, ein Muster von Akkorden. Spiele es nun 4 Mal, und ändere jedes Mal die Akzente auf den rhythmischen Abschnitten. Denk daran, dass nicht jeder Anschlag deiner Finger oder deines Picks gleich laut sein muss. Erforsche verschiedene Techniken. Die Beachtung dieser Aspekte wird dir dabei helfen, dein  Verständnis von Klangcharakter auszuweiten.

5. Höre dir mehr als nur ein oder zwei Musik-Genres an

Als ich anfing, Gitarre zu spielen, habe ich mich ausschließlich mit Nü-Metal und Heavy Metal aus den 80er Jahren beschäftigt. So habe ich mich ganz  auf das Üben von Power-Akkorden und Rhythmus-/Riff-Spiel konzentriert. Mein Musikgeschmack änderte sich etwas während meiner Teenagerzeit, als ich den europäischen Power Metal und Speed Metal entdeckte, was zu einer Verlagerung meines Schwerpunkts führte. Zu diesem Zeitpunkt begann ich, an mehr technischen Details zu arbeiten. Dann entdeckte ich Prog und begann, mich mit Musiktheorie und fortgeschritteneren Techniken zu beschäftigen. Nach einer Weile entdeckte ich die klassische Musik (die Musik meiner Kindheit) wieder und widmete mich dem Ausdruck und der Technik aus einer völlig anderen Perspektive.

Mein Übungsplan war größtenteils monothematisch und hing weitgehend von der Musik ab, auf die ich zu diesem bestimmten Zeitpunkt stand. Ich glaube, damit bin ich nicht allein. Manche Spieler verbringen Jahre damit, an ihrer Technik zu arbeiten, bevor sie erkennen, dass es beim Gitarrespielen um mehr geht als nur um technische Dinge. Dem kann man vorbeugen, indem man sich verschiedene Musikrichtungen anhört und sich von ihnen anleiten lässt, sich dem Instrument von verschiedenen Seiten zu nähern.

6. Frage erfahrene Gitarrenspieler um Rat.

Du kannst von jedem etwas lernen, unabhängig von seinem Kenntnisstand. Versuche, dich bei anderen auf die positiven Aspekte ihres Spiels zu konzentrieren, statt auf die negativen. Mir ist aufgefallen, dass einige technische Spieler dazu neigen, die Spontaneität und Freiheit in ihrem Spiel zu verlieren, die sie in ihren früheren Jahren hatten. Sie könnten das eine oder andere von Gitarristen auf der Straße lernen, die zwar von der Spieltechnik her roh sind, aber genau aus diesem Grund in der Lage sind, loszulassen und auf freie, entspannte Weise zu spielen.

7. Spiele so oft wie möglich mit anderen Musikern zusammen

Dies sind unbezahlbare Erfahrungen, die dir Jam Tracks oder Loop-Stations nicht bieten können. Geduld und Toleranz sind notwendig, um das Beste aus dieser Erfahrung herauszuziehen, da du wahrscheinlich mit Musikern spielen wirst, die auf einem anderen Niveau sind als du.

Jeder Musiker muss seinen Rhythmus mit anderen Musikern finden. Verpasse nicht die Chance, mit Menschen zu spielen, die sich für Genres entschieden haben, die sich stark von deinen Vorlieben unterscheiden. Jede  Erfahrung kann zu neuen Erkenntnissen führen.

8. Erkunde die Sounds and Effekte, die andere Instrumente bieten

Dies ist eine gute Übung, dich selbst herauszufordern und neue Möglichkeiten deines Instruments zu entdecken. Der Gitarrist Guthrie Govan erwähnt dies in einem der Kapitel seines Buches “Creative Guitar 2”. Wenn du Instrumente wie die Geige, das Banjo, das Klavier oder die Flöte schätzt, dann versuche, Techniken und Effekte zu finden, um diese Instrumente zu imitieren – das ist eine kreative Herausforderung und macht Spaß.

Zum Beispiel: Versuche, mit deiner Anschlaghand Trommelschläge zu imitieren. Das ist wahrscheinlich der einfachste Weg, verschiedene Rhythmen zu erforschen und deine Riffs oder Akkorde aufzupeppen. Such dir einen Beat von einem deiner Lieblingstrommler heraus und imitiere ihn mit deiner rechten Hand. Beginne mit etwas Einfachem, zum Beispiel mit dem Beat in Queen’s “We will rock you”. Arbeite viel mit dem Dämpfen und Blocken von Saiten, um dein Schlagzeug perkussiv und groovig zu machen.

9. Trainiere aktiv dein Gehör

Wann immer du einen neuen Akkord oder eine neue Tonleiter lernst, versuche, den Klang mit etwas zu assoziieren. Die meisten Gitarristen können den Klang der phrygischen Dominante identifizieren, weil sie gelernt haben, ihn mit orientalischen Schwingungen in Verbindung zu bringen. Ich bin sicher, dass du den Klang der akustischen Tonleiter für immer mit der Titelmusik der Simpsons in Verbindung bringen wirst. Ich denke immer an das Wort “Raum”, wenn ich verstärkte Akkorde höre, und an “unerwartete bedrohliche Szene”, wenn ich verminderte Septakkorde höre. Diese Assoziationen helfen dir, Akkorde und Tonleitern zu identifizieren, selbst wenn du nicht in der Lage bist zu erkennen, welche Noten gespielt werden. Eine meiner liebsten Online-Websites für Gehörbildung ist www.musictheory.net.

10. Lerne Einfachheit schätzen

Viele der denkwürdigsten Musikstücke von westlichen Komponisten sind ziemlich einfach strukturiert. Die beliebtesten Melodien sind in der Regel so einfach, dass sie von jedem gesungen oder gepfiffen werden können. Auch die Akkorde sind nicht so komplex, wie du vielleicht denkst. Es ist nur so, dass die Instrumentierung die Dinge komplexer klingen lässt, als sie wirklich sind. “Weniger ist mehr” mag manchmal wie ein Klischee erscheinen, aber es ist oft die beste Art und Weise, an die Schöpfung von Musik heranzugehen.

Das war’s also. 10 Hinweise, die dir hoffentlich helfen werden, voranzukommen. Ich wünschte, ich hätte diese Ratschläge damals schon gehört, und ich bin sicher, dass sie dich auf deinem Weg ein gutes Stück weiterbringen werden.

Hier ist eine einfache Akkord-Übung, die du ausprobieren kannst.

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Gitarrenpicks haben offensichtliche Vorteile. Sie tragen dazu bei, die Spielgeschwindigkeit zu erhöhen, einen klar definierten Ton zu erzeugen und die Lautstärke deutlich zu erhöhen, was gut ist, wenn man mit seinen Kumpels am Lagerfeuer klimpert. Man kann sie um den Hals tragen, um alle Welt daran zu erinnern, dass man Gitarrist ist. Und sie sind eine gute Ausrede, um ins Musikgeschäft zu spazieren, stundenlang Gibsons über Vintage-Röhrenverstärker zu spielen und mit dem Kauf eines oder zweier Plektren davonzukommen… Und doch spielen einige der weltbesten Gitarristen ohne Pick. Vielleicht können sie dich davon überzeugen, dass du ohne das Stück Plastik am besten bedient bist?

1. Der Daumen-Sound: Wes Montgomery

Mr. Montgomery war einer der besten und einflussreichsten Gitarristen aller Zeiten – aber wenn du dich nicht für Jazz interessierst, hast du vielleicht noch nie von ihm gehört. Er hatte enormes Swing-Gefühl, überragende Akkordarbeit und ein Ohr für Melodien. Doch sein charakteristischstes Merkmal war sein ganz besonderer Sound. Er erreichte ihn durch eine einfache Technik: Er spielte mit dem Daumen.

Er wurde in Indianapolis geboren und begann erst in seinen späten Teenagerjahren mit dem Gitarrespielen. Er arbeitete tagsüber und übte spät nachts zu Hause. Anfangs benutzte er ein Plektrum, aber damit hielt er seine Frau wach, also spielte er mit dem fleischigen Teil seines Daumens weiter, um leiser zu sein. Nach einer Weile bildete sich eine Hornhaut auf dem Daumen und der junge Wes hatte seinen charakteristischen Klang entwickelt.

Dieses Video zeigt Wes’ Beherrschung der Gitarre, seinen großen Daumen mit den ausgeprägten Gelenken und seine Angewohnheit, seine Hand auf dem Schlagbrett zu verankern, um ihm mehr Kontrolle zu verleihen. Es zeigt auch, wie er durch Variationen seiner Daumentechnik ganz unterschiedliche Klänge erzeugt. Wes hat drei Hauptarten zu spielen:

1. Akkorde: Indem er seinen Daumen in einem flacheren Winkel zu den Saiten hält und ein leichtes, breites Schlagmuster verwendet, erzeugt Wes einen zarten, weichen Ton. Das ist ideal für die Akkordarbeit, bei der die Gitarre mit den anderen Instrumenten verschmilzt und der Musik Farbe und Textur verleiht.
2. Melodisch: Bei 1:58 dreht er den Daumen nach innen in Richtung der Saiten, um präzisere Töne zu erzeugen. Die Schwiele auf seiner Haut gibt seinem warmen Klang die Präsenz, den Fokus und die Klarheit für das “Lead”-Spiel (Melodiespiel).
3. Oktaven: Subtil, aber voller Kraft. So spielt Wes ab 2:45 seine charakteristischen Oktaven. Dabei spielt er die Melodie mit seinem Zeigefinger, verdoppelt die Töne mit dem kleinen Finger und dämpft alle unerwünschten Saiten mit der Unterseite seiner Finger ab. So kombiniert er zwei Töne mit dem Klang seines Daumens, der über die gedämpften Saiten gleitet, was dem Ganzen etwas Butteriges  hinzufügt.

Wes Montgomerys Sound ist rund, vollmundig und warm – perfekt für seine sanften, modalen Melodien. Es ist eine schwer zu beherrschende Technik, besonders für schnellere Passagen und für die Oktaven. Selbst Wes macht bei 5:34 einen Fehler, über den er aber charmant hinweglacht. Um wie Wes zu spielen, hilft es, schwere, flachumwickelte Saiten zu haben.

2. “Klauenhammer”-Rhythmus: Mark Knopfler

Als Kopf der berühmten Dire Straits braucht Mark Knopfler nicht groß vorgestellt zu werden. Er ist der Schöpfer unzähliger legendärer Soli und hat einen unverwechselbaren Sound, an dem man ihn sofort erkennt. Er ist Linkshänder, spielt aber eine normale, rechtshändige Gitarre und ist dafür bekannt, dass er mit den Fingern und nicht mit einem Plektrum spielt.

Als Mark in den 1960er Jahren in Northumberland mit dem Gitarrespielen begann, konnte er sich die Ausrüstung nicht leisten, um einer lauten Rockband beizutreten. Stattdessen spielte er in Folk-Bands, wo er sich den “Klauenhammer”-Stil aneignete: Der Daumen spielt die Begleitung auf den unteren Saiten, während Zeige- und Mittelfinger die Lücken auf den oberen Saiten ausfüllen; Ringfinger und Zeigefinger verankern die Hand am Instrument. Im Wesentlichen geht es bei dem Klauenhammerstil um Rhythmus. Er liefert eine Art klobige Beständigkeit für ein solides Rhythmusfundament.

Mark entwickelte diese Technik weiter, indem er die Position seiner Finger wechselte: Nun war der Daumen oben, um die hohen Töne zu spielen, und Mittel- und Zeigefinger lagen auf den unteren Saiten. Nachdem er seine Geschwindigkeit und Kontrolle ausgebaut hatte, prägte diese Fingerpicking-Technik einige der denkwürdigsten Soli des klassischen Rock, wie z.B. Sultans of Swing. Wenn sie gut trainiert sind, sind drei Finger besser als ein Pick!

Ein gutes Beispiel für diese Technik ist das legendäre Riff in “Money for Nothing”, das so klingt, als wäre es leicht zu spielen, in Wahrheit aber höllisch schwer zu meistern ist. Man kann die “Krallenhammer”-Haltung von Zeige- und Mittelfinger sehen, die sich mit dem Daumen abwechseln und vom Ringfinger-“Anker” stabilisiert werden. So kann Mark die Artikulation jeder Saite souverän kontrollieren, einige hervorheben und andere ausblenden, während er gleichzeitig den stampfenden Antrieb beibehält. Das verleiht ihm einen ausgeprägten Rhythmus und Sound, die das Riff wahrhaftig lebendig werden lassen.

3. Zauberei an der E-Gitarre: Jeff Beck

Jeff Beck ist nicht nur eine Gitarrenlegende, die mit den Größten gejammt und über fünf Jahrzehnte der Rockmusik beeinflusst hat. Er spielt auch auf eine einzigartige und flüssige Art und Weise, bei der er alle Finger benutzt, um sein Spiel so gut wie möglich gestalten zu können.

Er begann im London der 1960er Jahre und schloss sich bald den Yardbirds an, der Band, in der nicht weniger als drei Gitarrenlegenden spielten (Eric Clapton, Jeff Beck und Jimmy Page). In seinen frühen Tagen war sein Stil eher Blues-basiert, und er benutzte einen Pick. Aber als er in den 80er Jahren begann, seine eigene Richtung zu entwickeln, warf er sein Plektrum weg und griff auf Einflüsse aus Jazz, Electronica, World Music und anderen Bereichen zurück, um die Möglichkeiten der Gitarre wirklich auszuloten. Seine Fingerpicking-Technik ist ein wichtiges Element seiner klanglichen Freiheit.

Ähnlich wie Wes Montgomery spielt Jeff hauptsächlich mit seinem Daumen. Anders als Wes hat Jeff Beck aber einen “normal” geformten Daumen und etwas längere Fingernägel, die ihm einen schärferen Ton geben. Schnellere Passagen spielt er zuweilen mit Daumen und  Zeigefinger gleichzeitig, oder er tut sogar so, als hielte er ein Plektrum zwischen seinen Fingern, benutzt aber in Wahrheit seinen Zeigefingernagel als solches. Das Video, das ich ausgewählt habe, ist ein wenig kitschig, doch es veranschaulicht einige seiner übrigen Techniken recht gut.

1. Ausdruck: Jeff beginnt mit einem Trick namens “violining”, bei dem er die Lautstärke der Note unmittelbar nach dem Zupfen anhebt und jede Note sanft in einem zarten Crescendo aufblühen lässt. Er tut das, indem er mit dem Ringfinger den Lautstärkeknopf manipuliert.
2. Pitch-Bending (Tonhöhenbeugung): Während des größten Teils dieser Passage hält er den Whammy-Balken in Mittel- und Zeigefinger und verleiht seinem Spiel eine fast singende Fluidität.
3. Artikulation: Jeff verändert die Klangfarbe und den Sound seines Spiels im Verlauf des Videos auf sehr subtile Weise. Manchmal spielt er Obertöne, die über dem Rest schweben, durchsetzungsfähigere melodische Linien mit seinen Nägeln oder knorrigere Töne, indem er seine Finger auf die Saiten “wirft”.

Das wahrhaft Besondere seiner Technik kommt jedoch dann zum Tragen, wenn er all diese Dinge gleichzeitig tut. Auf diese Weise entwickelt er einen sehr ausdrucksstarken Spielstil, der der Gitarre eine ganz neue Stimme verleiht (und das mit bemerkenswert wenigen Effekten).

Gitarren Picks sind großartig, und ich liebe es, ihre Durchsetzungskraft für mich zu nutzen. Aber wie diese drei Gitarristen zeigen, gibt es viel zu gewinnen, wenn man die Finger in Sachen Sound, Flexibilität und musikalischem Ausdruck trainiert. Lass also deine Picks in ihrer Schachtel und fang an, deine Finger zu bewegen!

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Gitarren gibt es in allen Formen und Größen, Styles und Sounds, für jedes Budget und jeden Geschmack. Wie ich versucht habe, in dieser Serie zu zeigen, zielen einige Gitarren mehr auf einen visuellen Stil ab, andere mehr auf den Klang, den Preis oder die Spielbarkeit. Aber über ein Element ist noch nicht gesprochen worden: die Synergie.

Dies ist eine schwer fassbare und subjektive Eigenschaft, die ‘Zutat X’, die zu dir kommt, wenn du sie am wenigsten erwartest. Bei einem Instrument bedeutet dies, dass alle Elemente zusammenwirken und jedes das andere unterstützt und verbessert.

Alle paar Jahrzehnte kommt eine Gitarre daher, die einfach passt, ein Instrument, das größer ist als die Summe seiner Teile. Für mich ist die Gibson SG eine solche.

Tony Iommi von Black Sabbath spielt eine Gibson SG, teilweise deshalb, weil die kürzere Mensur von 24¾ Zoll eine niedrige Saitenspannung ermöglicht. (Iommi hat bei einem Arbeitsunfall die Fingerspitzen verloren, wodurch er gezwungen ist, mit extraleichten Saiten zu spielen, die sanfter zu den Fingern sind).

Angus Young von AC/DC fühlte sich anscheinend wegen des leichteren Körpers zur Gibson SG hingezogen, der auch besser zu seiner kleinen Statur passte. Eric Clapton spielte sie in Cream, und Carlos Santana spielte sie in Woodstock.

Sie alle liebten die ikonische, freche Ästhetik der Gitarre ebenso wie ihren knorrigen mitteltonigen Klang, und sie wurde zu der Gitarre der 1960er Jahre. Tatsächlich gibt es viele Gründe, warum diese Gitarre zu Gibsons meistverkauftem Modell aller Zeiten geworden ist.

Was steckt in dem Namen?

Gibson führte die SG im Jahr 1961 ein, gedacht als Weiterentwicklung der LP. Das vorangegangene Jahrzehnt war für Gibson schwierig gewesen, da sich die neue Fender Stratocaster weitaus besser verkaufte. Um der Strat nachzueifern, hatte die Gibson SG ein leichteres Gehäuse und einen doppelten Cutaway, behielt aber das allgemeine Konzept der warm klingenden LP bei: Mahagoni und Humbucker.

Anfangs wurde die “Neue LP” unter dem Namen Les Paul verkauft – schließlich war der beliebte Jazzgitarrist/Erfinder ein Jahrzehnt lang das Gesicht von Gibsons Vorzeigemodellen gewesen. Aber als Mr. Paul Einspruch erhob (er fand die neue Gitarre entsetzlich und wollte nicht mit ihr in Verbindung gebracht werden), geriet Gibson wahrscheinlich in Panik und dachte sich sofort einen Namen aus.

Und weil sie eine “solide Gitarre” war, lautete der neue Name: SG. Unoriginell oder genial? Du entscheidest…

Siehe auch: 10 Gitarren, die du kennen solltest #2: LES PAUL

Unerwartete Vorzüge

Oberflächlich betrachtet ist die Gibson SG ein bisschen wie eine heruntergefahrene Les Paul –  die gleiche Karosserie, die gleiche Elektronik, die gleiche Länge, das gleiche Kopfstück und die gleiche Brücke. Vielleicht hat diese “Konzentration auf das Wesentliche” zu ihrem Erfolg beigetragen, denn sie bringt viele Vorteile mit sich:

• Kleinerer Körper: Die Gibson SG hat einen dünnen Mahagoni-Korpus;  die Ahorndecke der LP wurde weggelassen. Sie ist dank ergonomischer Konturierung angenehm zu spielen und natürlich deutlich leichter.

• Spielbarkeit: Mit ihrem extra dünnen Hals sparte die Gibson SG nicht nur Gewicht ein, sondern wurde auch besonders leicht spielbar – ihr Hals wurde als “der schnellste der Welt” bezeichnet und ist immer noch ein Maßstab für Geschwindigkeit (und wird manchmal von Gitarristen mit kleinen Händen bevorzugt). Außerdem erleichtert der doppelte Cutaway den Zugang zu den obersten Bünden, was sie zu einer beliebten Waffe macht für irrsinnige Soli, die ein Loch in die Stratosphäre brennen.

• Stil: Sie ähnelt den Hörnern des Teufels, hat aber eine sexy Marilyn Monroe-Figur. Damit verkörpert die Form der Gibson SG die Schizophrenie des Rock ‘n’ Roll: eine sinnliche und süße Weiblichkeit gepaart mit einer monströsen, unheiligen Bösartigkeit. Welche Seite sie herauslässt, hängt davon ab, wer sie spielt!

• Sound: Fast vollständig aus Mahagoni gefertigt, macht die Gibson SG das Beste aus diesem hervorragenden Tonholz – ausgewogen und warm, mit einem schönen knorrigen Biss. Es ist die perfekte Ergänzung zu ihren Humbucker-Pickups, die damals zu den heißesten auf dem Markt gehörten. Das bedeutete, dass sie einfach übersteuert werden konnten, ein offensichtlicher Vorteil für eine Gitarre, die wie der Spross von Betty Boop und dem König der Unterwelt daherkommt. Und wie bei der LP ermöglichten unabhängige Ton- und Lautstärkeregler dem Spieler eine nuanciertere Kontrolle über ihren Klang. Ein ziemlich bekiffter Eric Clapton erzählt uns mehr darüber, während er die SG aus seinen Cream-Tagen verwendet:

• Preis: Durch die insgesamt einfachere Konstruktion war die Gibson SG deutlich billiger als ihr Les Paul-Vorfahre. Mit ähnlichen Optionen und ähnlichem Klang wie die LP, aber einem schnelleren Hals, teuflischem Aussehen und leichterem Körper ist es kein Wunder, dass sie sich durchgesetzt hat.

Die Konstruktion der Gitarre hatte einen einzigen Schönheitsfehler: Um vollen Zugang zu allen 22 Bünden zu ermöglichen, war das Halsgelenk eher schwach und brach manchmal ab. Und auch wenn er nicht brach, bedeutete dieser Schwachpunkt doch, dass sich der Hals hin und her bog und Tonhöhenänderungen ähnlich einem Vibrato erzeugte. Natürlich nutzten die Gitarristen der damaligen Zeit diesen coolen Effekt voll aus. Während Hendrix also mit seiner Strat dive-bombte, packten Typen wie Pete Townshend die SG an der Taille und schüttelten sie wie von psychedelischer Raserei besessen. Das Resultat: ein seltsamer, oszillierender Klang.

Irgendwie hat die SG Gibson also sogar aus einem scheinbaren Makel eine Tugend gemacht – das ist Synergie.

Synergie ist sehr schwer in Worte zu fassen, aber was immer sie ist, die SG hat sie. Jedes ihrer Elemente trägt die gleiche Botschaft in sich und berührt die Sinne auf die gleiche Weise: Sie vermittelt die gleiche komplexe Persönlichkeit durch ihr Aussehen, ihre Haptik und ihren Klang. Und nach einigen Jahren des Bühnengebrauchs, nachdem all das Bier, der Schweiß und das Blut tief in das Griffbrett gerieben wurde, wird sie wahrscheinlich auch noch passend riechen und schmecken.

Dies ist eine Gitarre, deren Geschichte, Körper und Charakter, ja, deren ganzes Wesen “Rock ‘n’ Roll!” schreit.

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Gitarren mit vielen Knöpfen und Schaltern faszinieren mich  immer wieder.

Das hat mehrere Gründe: Die Aufregung, einen Knopf zu drücken und herauszufinden, was er bewirkt. Die Vielseitigkeit, die diese Optionen versprechen. Und außerdem fühle ich mich dadurch immer ein wenig wie James Bond in seinem Aston Martin, den Finger auf dem musikalischen Äquivalent des Schleudersitzknopfs.

Dieser Artikel befasst sich mit Gitarren mit vielen Features, insbesondere mit der Fender Jaguar. Ein Freund an der Universität hatte eine Fender Jaguar, und ich war immer neidisch auf die klanglichen Möglichkeiten, die ihm zur Verfügung standen.

Die meisten Musiker mögen Vielseitigkeit

Sie erlaubt uns, mit so vielen verschiedenen Klängen wie möglich herumzuspielen. Die klangliche Bandbreite, die eine Gitarre zu bieten hat, ist ein wichtiger Faktor, der ebenso relevant ist wie Spielbarkeit und Stil.

Zum Beispiel kann das Wechseln des Tonabnehmers den Klang deiner Gitarre dramatisch verändern. Single-Coils geben dir die helleren, schwingenden Klänge. Aber mit einem Humbucker kann auf Knopfdruck ein runderer, vollerer Ton erzielt werden. Auch das Hinzufügen eines Coil Shunts (dieser umgeht eine der Spulen des Humbuckers und verwandelt ihn so in eine Einzelspule) ist eine sehr einfache Möglichkeit, dem Klangarsenal deiner Gitarre eine neue Farbe hinzuzufügen.

Die serienmäßige Fender Jaguar hat (im Gegensatz zu anderen Modellen) keinen Humbucker, aber sie bietet dennoch eine Vielzahl von Sounds und Effekten – und jede Menge Knöpfe!

Sieh dir dieses Video an! Man hört nicht nur die klangliche Vielfalt, sondern auch den schwer zu definierenden, runden, perkussiven Klang:

EINFÜHRUNG DER JAGUAR

Der Fender Jaguar wurde 1962 als funktionsreiches Flaggschiffmodell der Firma Fender eingeführt. Sie ist im Wesentlichen eine neu gestaltete Jazzmaster, die sich stark an ihren ikonischen Vorgänger anlehnt. Beide Instrumente haben die ergonomische, “versetzte Taille”, sowie ein Kontrollsystem mit doppeltem Schaltkreis gemeinsam.

Diese Verdrahtungskonfiguration umfasst zwei unabhängige Schaltkreise mit jeweils eigenen Merkmalen:

• Der “Lead“-Kanal ist heller und aggressiver, so dass jede beliebige Kombination von Tonabnehmern möglich ist.
• Der “Rhythmus“-Kanal verwendet nur den Hals-Tonabnehmer und leitet das Signal durch eine Reihe von Kondensatoren und Widerständen, was zu einem dunklen, weicheren Klang führt.

Entscheidend ist, dass jeder Schaltkreis über eigene Ton- und Lautstärkeregler verfügt, so dass du beide Kanäle unabhängig voneinander voreinstellen und einfach zwischen ihnen umschalten kannst. Außerdem gibt es einen “Strangle-switch” auf dem Lead-Schaltkreis – dadurch werden einige der tiefen Frequenzen entfernt, was der Gitarre einen glasigeren, dünneren Ton verleiht.

Insgesamt hat die Fender Jaguar acht Schalter und Drehregler, mit denen du herumspielen kannst!

Du kannst dir diese interaktive Gitarre ansehen, um dir ein besseres Bild zu machen…

Die Fender Jaguar hat eine kurze Mensur von 24 Zoll, was ihr trotz der Verwendung sehr ähnlicher Tonabnehmer einen insgesamt runderen Ton verleiht als ihrem Stratocaster Geschwistermodell. Aber was diese Gitarre am meisten von anderen unterscheidet, ist das Stegsystem. Ebenfalls von der Jazzmaster aus weiterentwickelt, hielt Leo Fender diesen für den ausgefeiltesten seiner schwingenden Stege. John Frusciante, der bei Under The Bridge eine Jaguar spielte, stimmt dem zu.

Durch eine Kombination von Federn, Platten, Hebeln und einem Steg, der vor und zurück wippte, hielt die Gitarre angeblich eine bessere Intonation bei eingeschaltetem Vibrato.

Nicht so gut für Dive-Bombing, aber sehr angenehm für den schimmernden Vibrato-Effekt, der diese Gitarre in der Surfer-Musikszene so beliebt machte.

Darüberhinaus konnte der Mechanismus durch das Drücken einer kleinen Klappe hinter dem Steg verriegelt werden. Das ist sehr nützlich, da sich die übrigen Saiten dann nicht verstimmen, wenn eine Saite während eines Auftritts reißt.

Der Stegmechanismus hatte noch einen weiteren Nebeneffekt, der den Klang der Gitarre beeinflusste: Die langen Saitenstücke zwischen Steg und Saitenhalter ließen viel sympathische Schwingung zu. Hierbei werden die Saiten durch die Resonanz anderer Saiten angeregt und tragen zum Gesamtklang bei (Sympathische Schwingung verleiht z.B. Sitars ihren charakteristischen Klang).

Der obertonreiche Klang der Fender Jaguars wird oft diesen relativ langen Saitenstücken hinter dem Steg zugeschrieben. Manche Spieler zupfen sie sogar und erzeugen so einen glockenähnlichen, fast unheimlich nachklingenden Ton, der eine große atmosphärische Wirkung hat.

Sonic Youth hat das oft gemacht:

Schließlich verfügte die ursprüngliche Fender Jaguar noch über einen Saitendämpfer – ein kleines Gerät in der Nähe des Stegs, das die Saiten sanft dämpft und den stumpferen, kürzeren, durch die Handfläche gedämpften Klang nachahmt. Wenn man also alle Schalter, Knöpfe, Hebel, Drehscheiben und Knöpfe zusammenzählt, kommt man auf 11 – das ist eine ganze Menge, verglichen mit den drei Schaltern einer Telecaster.

Probleme mit der Fender Jaguar?

Leider hatten diese brillanten neuen Funktionen ihren Preis: Sie waren fummelig und verwirrend für viele Gitarristen, und eine unsachgemäße Installation führte oft zu Stimmproblemen und Frustration. Viele entfernten den Saitendämpfer, andere überklebten einige der Knöpfe, um zu verhindern, dass sie versehentlich eingeschaltet wurden.

Für viele Gitarristen sind es einfach zu viele Möglichkeiten! Häufig führt eine höhere Anzahl an Optionen auch zu einer Verschlechterung der allgemeinen Klangqualität. Das Hinzufügen von mehr Tonabnehmern zum Beispiel erhöht die magnetische Anziehungskraft auf die Saiten, was wiederum deren Schwingungsmuster dämpft.

Gibsons heruntergefahrene Les Paul Junior war teilweise deshalb so beliebt, weil sie nur einen Tonabnehmer hatte, der ihr einen einzigen, jedoch erstaunlichen Klang verlieh.

Auch andere Elemente des Gitarrenspiels werden mit zunehmender Vielseitigkeit leiden. Offensichtlich ist das Gewicht ein Problem – Gibsons Double-Neck SG-Modell hatte einen sechs- und einen zwölfsaitigen Hals, so dass die Spieler auf der Bühne praktisch zwei Gitarren gleichzeitig in der Hand hielten.

Jimmy Page benutzte diese Two-in-One-Gitarre berühmterweise für Stairway to Heaven, aber sie trägt sich doch ziemlich schwer auf dem Rücken. Ein weiterer Nachteil: Je mehr Komponenten eine Gitarre hat, desto größer ist die Wahrscheinlichkeit, dass etwas kaputtgeht.

Ist die Jaguar eine, die alles kann, aber nichts richtig?

Ohne Zweifel ist die Fender Jaguar eine fabelhafte Gitarre, innovativ, vielseitig und mit großartigem Klang. Sie wirft das Motto “weniger ist mehr” kühn aus dem Fenster und behält trotz der unendlichen Möglichkeiten ihren Charakter. Aber für die Puristen bleibt die Frage: Soll eine Gitarre viele Sachen ganz ok können oder eine einzige Sache richtig gut?

Während sich die Technologie weiterentwickelt, wird dieses Thema für Gitarrendesigner immer wichtiger – ich werde mich nächste Woche damit befassen…

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Du kannst in ein beliebiges gutes Musikgeschäft gehen und wirst feststellen, dass die meisten Gitarren amerikanische Gitarren sind. Mit Ausnahme einiger japanischer Hersteller (Ibanez, ESP, Yamaha) und spanischer Konzertgitarren wurde der Großteil der Rock ‘n’ Roll-Geschichte auf amerikanischen Gitarren geschrieben. Und das aus gutem Grund – Die Amerikaner haben dieses Genre ebenso wie die E-Gitarre erfunden und stellen insgesamt die besten Instrumente zur Verfügung.

Gibt es ein europäisches Pendant?

Es gibt natürlich mehrere europäische Marken zur Auswahl:

1. 

   Burns aus London hat einige ziemlich coole Gitarren gebaut: das passend benannte Bison-Modell mit bulligen, nach innen gerichteten “Hörnern” und speziellen Tri-Sonic-Tonabnehmern, die für ihre Aufnahmefähigkeit und harmonischen Reichtum berühmt sind.

2. Dann gibt es noch Eko, eine italienische Marke, die für ihre ausgefallenen und funktionsreichen Gitarren mit vielen Knöpfen und Reglern bekannt ist.
3. Und natürlich kennen wir alle die Höfner Bass von Paul McCartney, die stilvoll symmetrisch für den linkshändigen Beatle ist.

Aber das wahre Gegenstück zur amerikanischen Gitarre… kommt von hinter dem Eisernen Vorhang, wo entgegengesetzte politische Ideologien einige unerwartete Gitarren hervorbrachten.

Und weil wir von Uberchord in der ehemaligen Hauptstadt der DDR ansässig sind, wird sich dieser Artikel mit dem besten Gitarrenproduzenten der DDR befassen: Musima.

Als ich Ende 2012 nach Berlin kam, fand ich in einem Antiquitätengeschäft in Neukölln eine halbakustische Gitarre. Es war eine Sunburst ES-335 mit einem dicken, schwerfälligen Hals, einem ungewöhnlichen Vibratosystem und einer fragwürdigen Elektronik.

Aber sie war gestimmt, hatte einen anständigen Sound und jene Vintage-Coolness, von der ich hoffte, dass sie mir unter den Berliner Musikern Glaubwürdigkeit verleihen würde. Ich bekam meine erste Musima für 60€ und nannte sie Daphne.

Schneller Geschichts-Exkurs

Musima war in Markneukirchen ansässig, in der Nähe der tschechischen Grenze. Das Erzgebirge in der Region bot die richtigen Voraussetzungen für hochwertige Fichten, die für den Geigen- und Akustikgitarrenbau unerlässlich sind. Seit den 1700er Jahren sammelten sich in der Gegend Geigenbauer an, was Markneukirchen einen hervorragenden Stammbaum verleiht. Die Stadt war berühmt für ihre Orchesterinstrumente und hatte  einst wahrscheinlich die höchste Konzentration von Instrumentenbauern auf der Welt.

Markneukirchen war berühmt für seine Orchesterinstrumente und hatte einst wahrscheinlich die höchste Konzentration von Instrumentenbauern der Welt.

Die meisten Einwohner beschäftigten sich mit der Herstellung von und dem Handel mit Instrumenten oder der Lieferung des Rohmaterials. Schon bald waren Instrumente mit dem Namen Markneukirchen hoch angesehen.

Das kommunistische Regime nach dem Zweiten Weltkrieg brachte einige Veränderungen mit sich, da die Regierung bestrebt war, das Beste aus Markneukirchens Expertise zu machen. 1952 wurde Musima als Genossenschaft gegründet, in der viele der Handwerker und Familienbetriebe der Stadt unter einer kollektiven Verwaltung zusammengefasst wurden.

Die ostdeutsche Regierung war bestrebt, Musima zu einem Beispiel der kommunistischen Industrie zu machen, und unterstützte das Unternehmen, das sich schnell zum größten in der DDR entwickelte. Mit 1200 Mitarbeitern in den 1980er Jahren und einer Spitzenproduktion von 360 Gitarren pro Tag exportierte Musima elektrische und akustische Gitarren in 53 Länder rund um den Globus.

Hier sind 5 Merkmale, die Musima-Gitarren zu etwas Besonderem machen

1. Preisleistungsverhältnis

Frühere Musimas galten allgemein als anständige, preiswerte Gitarren. Die hochwertigeren Instrumente, die von den erfahreneren Handwerkern hergestellt wurden, waren meist dem Export vorbehalten. Es handelte sich oft um schöne Gitarren mit innovativem Design, auch wenn die DDR-Maschinen und die Elektronik nicht mit den US-Gitarren mithalten konnten.

2. Nähe zur Geigenfamilie

Die robuste Elektrina, die in den frühen 60er Jahren auf den Markt kam, hatte sehr viel von den Streichinstrumenten, die das Unternehmen weiterhin herstellte. Der obere Teil des Korpus ähnelte einem Cello, was dem Instrument eine elegante, modernistische Ästhetik verlieh.

3. Interessantes Design

Die Gitarren sind jedoch vor allem für ihre Archtop-Designs bekannt. Sie klingen weich, aber funkelnd durch die Single-Coil-Tonabnehmer aus der Sowjet-Ära (etwas breiter und wärmer klingend, aber immer noch mit Single-Coil-Flimmern), auch wenn ihr dicker Hals und ihre hohe Saitenlage sie etwas ungewohnt zu spielen macht.

Sie klingen weich, aber funkeln durch die Single-Coil-Pickups der Sowjet-Ära

Aber was sie am meisten von anderen Gitarren unterscheidet, ist ihr Aussehen. Ungewöhnliche Lackierungen, wie Goldglanz oder Zebrastreifen in Violetttönen, spritzlackiert oder aus dickem Perlmutt auf das Holz geklebt, verleihen den Gitarren ein manchmal schönes, manchmal grelles Aussehen. Und einige Gitarren haben fette F-Löcher, die einem ausladenden Fu-Manchu-Schnurrbart oder Donnerkeilen ähneln.

4. Es wurde oft billiger Ersatz für teures Palisanderholz verwendet

Ausländische Importe waren oft Mangelware: Als das exotische Palisanderholz (benötigt für Griffbretter) zur Neige ging, griff Musima auf lokal produziertes Birnbaumholz zurück. Schwarz gebeizt, hatte dieser billige Ersatz tatsächlich Eigenschaften, die dem Palisanderholz bemerkenswert ähnlich waren.

5. Der Halsstab

Eine weitere Anekdote betrifft den Halsstab. Die Gitarrenbauer von Musima fanden nicht heraus, wie man den Hals dünner machen konnte. Schließlich gelang es ihnen, eine Genehmigung für den Erwerb einer elektrischen Burns zu erhalten und sie nach Ostdeutschland zu importieren (die meisten westlichen Waren galten damals als Schmuggelware).

Als das begehrte englische Instrument schließlich in Markneukirchen ankam, wurde den Geigenbauern von Musima jedoch verboten, diese teure, staatlich geförderte Gitarre auseinander zu nehmen. Sie mussten sie in ein nahe gelegenes Krankenhaus bringen, wo Röntgenaufnahmen die geheime Funktionsweise des ominösen Halsstabes enthüllten.

Musimas heute: historische Relikte aus einer anderen Zeit

Die Musima-Fabrik schloss ihre Tore ziemlich bald nach der Wiedervereinigung, einfach weil sie auf einem freien globalen Markt nicht konkurrieren konnte. Die meisten Musiker sind sich einig, dass sie nicht die am besten klingenden, am besten spielbaren Gitarren sind – manchmal sind sie nicht einmal die schönsten, da sie häufig als kitschig empfunden werden. Doch sie sind authentisch Vintage, ein Überbleibsel aus einer anderen Zeit.

Musimas sind authentisch Vintage, ein Überbleibsel aus einer anderen Zeit.

Wenn man eine Musima in die Hand nimmt, kann man die Geschichte, die diese Gitarren erzählen, nicht leugnen. Sie tragen die Spuren ihrer Vorbesitzer, von denen viele verbotene westliche Rockmelodien gespielt haben, um dem autoritären Regime für einen Moment zu entkommen. Vielleicht waren diese Gitarren mehr als nur Instrumente; vielleicht symbolisierten sie die Hoffnung auf Freiheit.

In Berlin kannst du immer noch Musimas finden (ein guter Ort ist Vintage Audio in Berlin in der Schönhauser Allee 28). Und wenn auch der Instrumentenbau in Markneukirchen selbst nachgelassen hat – der Geist der Stadt und ihr Streben nach Exzellenz lebt weiter: Ein junger Mann namens Christian Frederick Martin wanderte Anfang der 1800er Jahre von dort nach Pennsylvania aus und gründete C.F. Martin & Co., eine der besten Akustikgitarrenfirmen der Welt. Sein Fachwissen kam aus Markneukirchen.

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