Du kannst Hallelujah von Leonard Cohen direkt in der Uberchord-App spielen lernen, komplett mit Gitarrenakkorden, Text und einem Strumming-Trainer.

Tonart des Songs: C-Dur

Die Original-Tonart von Hallelujah von Leonard Cohen ist C-Dur.

Gitarrenakkorde für Hallelujah von Leonard Cohen

Video Anleitung

Ohne Capo

Hallelujah von Leonard Cohen – Liedtext und Akkorde

Anmerkung: Capo auf dem 5.Bund

Verse 1
         G                   Em
Now I've heard there was a secret chord
     G                      Em
That David played, and it pleased the Lord
    C                D                   G    D
But you don't really care for music, do you?
   G                  C           D
It goes like this the fourth, the fifth
    Em              C
The minor fall, the major lift
    D               B7          Em
The baffled king composing Hallelujah
     C           Em          C           G  D G  D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelu-u-jah
 
[Verse 2]
     G                         Em
Your faith was strong, but you needed proof
    G               Em
You saw her bathing on the roof
    C              D             G        D
Her beauty and the moonlight overthrew ya
    G             C       D
She tied you to a kitchen chair
    Em                         C
She broke your throne, and she cut your hair
    D                  B7            Em
And from your lips she drew the Hallelujah
     C           Em          C           G  D G  D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelu-u-jah
 
[Verse 3]
    G              Em
You say I took the name in vain
G            Em
I don't even know the name
    C              D                 G      D
But if I did, well really, what's it to ya?
          G                 C     D
There's a blaze of light in every word
   Em             C
It doesn't matter which you heard
    D           B7          Em
The holy or the broken Hallelujah
     C           Em          C           G  D G  D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelu-u-jah
 
[Verse 4]
  G               Em
I did my best, it wasn't much
  G                   Em
I couldn't feel, so I tried to touch
     C                 D                    G   D
I've told the truth, I didn't come to fool ya
    G              C        D
And even though it all went wrong
     Em               C
I'll stand before the Lord of Song
     D             B7              Em
With nothing on my tongue but Hallelujah
 
[Outro]
     C           Em          C           G D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah
     C           Em          C           G D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah
     C           Em          C           G D
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah
     C           Em          C           G D G
Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah, Hallelujah

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Fingerpicking bedeutet eigentlich nur, dass man die Saiten mit den Fingern zupft, ohne Pick. Dieser Stil ist ein so integraler Bestandteil der Folkmusic, dass er oft die erste Wahl der Gitarrenbegleitung ist. Aber er spielt auch eine große Rolle im Bluegrass, in der Countrymusik, im Blues und Rock, ja sogar im Heavy Metal. Und für Singer-Songwriter ist er schon immer der ideale Spielstil gewesen, da er so gut zu ihrer nachdenklicheren Art zu arbeiten passt. Ohne Fingerstyle-Gitarre gäbe es kein “Take Me Home, Country Road”, “Stairway to Heaven”, “Rhiannon”, “Hallelujah” und eine ganze Reihe von weiteren klassischen Hits.

Fingerpicking ist eine der wenigen musikalischen Techniken, die tatsächlich Spaß machen, so fließend, so beruhigend, so Zen. Außerdem scheint das Fingerpicking einfach den besten Klang aus der Gitarre als Instrument herauszuholen.

Wenn du immer noch nicht überzeugt bist, sieh dir dieses Video an, um einen Eindruck davon zu bekommen, was die Fingerstyle-Gitarre für die Geschichte der populären Musik bedeutet. Die meisten der Lieder in diesem Video sind Kombinationen verschiedener Fingerpicking-Styles, von denen wir dir heute einige beibringen werden.

Fingerpicking mag zunächst schwierig erscheinen, aber sobald deine Finger geübt sind, bewegen sie sich mit der Leichtigkeit und Anmut trainierter Delphine. Du wirst eine deutliche Verbesserung sehen, sobald deine Finger den Stil verinnerlicht haben, dein Spiel wird locker flockig aussehen und du kannst dich auf deinen Stil oder deinen Gesang konzentrieren.

Die folgenden vier Fingerpicking Styles und ihre Variationen öffnen dir die Tür und bieten dir eine Grundlage für das spätere Erlernen weiterer Styles. Du musst zunächst keine Akkorde spielen, wenn du anfängst, sie zu üben. Wenn du dennoch sofort Akkorde verwenden möchtest, empfehlen wir dir, dir welche mit möglichst wenig stummen Saiten auszusuchen, wie zum Beispiel G-Dur, e-Moll und E-Dur. Dadurch ist das Lernen einfacher, und wenn du die Muster einmal einstudiert hast, kannst du sie immer noch mit den anderen Akkorden ausprobieren.

Für diesen Artikel werden wir die Saiten nach dem Cipher-System nummerieren, das intuitiver ist als die Art und Weise, wie deine Gitarrensaiten nummeriert sind, wenn du sie kaufst. Die Saiten werden also wie folgt nummeriert (denk daran, B steht für deutsch H):

Es gibt keine “richtige” Art und Weise, die untenstehenden Muster zu spielen; sie sind einfach nur Hilfen fürs Fingerpicking, und es steht dir völlig frei, sie nach Herzenslust miteinander zu mischen und zu verändern. Wir werden dir nicht einmal sagen, welche Finger du für welche Saiten benutzen sollest; benutze einfach die Finger, die dir am angenehmsten sind, denk nur daran, deinen Daumen für die Basssaiten aufzusparen.

Es ist einfacher, wenn du deine Finger schon auf den Saiten platzierst, die sie zupfen sollen. So gewöhnen sie sich schon einmal daran, in der Nähe dieser Saiten zu bleiben, bis sie gebraucht werden.

Bei der Fingerstyle-Gitarre wird der Daumen normalerweise bereitgehalten, eine der ersten drei (Bass-)Saiten anzuschlagen, während die drei Finger für die Saiten drei bis sechs bereitgehalten werden. Du kannst aber auch alle drei der höheren Saiten gleichzeitig anschlagen, wie es Joni Mitchell, Tracy Chapman und so viele andere Singer-Songwriter getan haben.

Die ersten beiden Muster sind relativ einfach, aber für das dritte und vierte Muster wirst du etwas länger brauchen, also sei nett zu dir selbst und lass dir Zeit. Auch wenn sie jetzt schwierig erscheinen – wenn du sie einmal gelernt hast, wirst du sie praktisch mühelos spielen können.

1. Das Grundmuster (Eins-Vier-Fünf-Sechs)

Zupfe die erste Saite mit dem Daumen, dann die vierte Saite mit dem Zeigefinger, die fünfte Saite mit dem zweiten Finger und den höchsten Ton des Akkords mit dem dritten Finger. Wiederhole das Ganze bis zum Ende.

Du kannst diesen Style mit beliebigen Liedern im 2/4- oder 4/4-Takt spielen.

Variation: Wechsle zwischen den Basstönen die du mit dem Daumen spielst. Du kannst das Ganze auch rückwärts spielen, beginne mit der sechsten Saite, um wie ein Teil des Intros von “Stairway to Heaven” zu klingen.

2. Das “Rising Sun”-Muster (Eins-Vier-Fünf-Sechs-Fünf-Vier)

Dieser Style ist für jene Songs im 3/4-Takt, die wir so oft in der Folkmusic finden, und manchmal im Rock, wo er zum 2/4-Takt wird (zwei Hauptschläge, aber jeweils in drei kürzere Schläge unterteilt). “House of the Rising Sun”, “In the Pines” und “Nothing Else Matters” von Metallica sind einige Beispiele für  Songs, die dieses Muster verwenden.

Beginne genau wie im Grundmuster, aber nachdem du die sechste Saite mit dem dritten Finger angeschlagen hast, kehrst du die Richtung um und schlägst mit dem zweiten Finger noch einmal die fünfte Saite an und dann mit dem Zeigefinger die vierte Saite.

Variationen: Auch bei diesem Muster kannst du zwischen den Basstönen wechseln, die du mit dem Daumen spielst.

Eine andere Variante besteht darin, einen schnellen Durchlauf (mit Daumen plus Zeigefinger und zweitem Finger) der dazwischen liegenden Saiten einzufügen, bevor du die sechste Saite anschlägst und dann die Richtung umdrehst. Wenn du wissen willst, wie das klingt, dann hör dir die Animals an, wie sie “House of the Rising Sun” spielen.

3. Das “Suzanne”-Muster

Dieses Muster heißt so, weil es dem Muster am Anfang von Leonard Cohens Song “Suzanne” sehr ähnlich ist.

Zupfe die dritte und fünfte Saite gleichzeitig mit Daumen und zweitem Finger, dann zupfe die dritte Saite. Dann zupfe die zweite und sechste Saite gleichzeitig mit dem Daumen und dem zweiten Finger, und zupfe die dritte Saite erneut. Wiederhole das.

Anmerkung: Obwohl dieses Muster einen charmanten Klang hat und ein großartiges Intro darstellt, wie im “Sound of Silence” von Simon and Garfunkel, ist es für ein ganzes Lied ein wenig eintönig und wird normalerweise zusammen mit einem anderen Fingerpicking-Style verwendet, um Abwechslung oder Emotionen  zu erzeugen. Es bereitet dich auch darauf vor, das nächste Muster zu lernen.

4. Das “Blackbird”-Muster (Eins und Sechs, dann Zwei-Fünf-Eins-Sechs-Drei)

Ja, es ist nach dem Song der Beatles benannt, in dem es vorkommt (und es ist auch in “Dust in the Wind” von Kansas zu hören). Die einfachste Art, dieses Muster zu erklären, ist wieder, die Saiten in der Reihenfolge zu nennen, in der sie gezupft werden.

Hier ist die Reihenfolge, in der du die Saiten zupfst: eins und sechs zusammen, zwei, fünf, eins, sechs, drei (1+6-2-5-1-6-3). Mit welchen Fingern du zupfst, ist nicht ausschlaggebend, aber um die Bewegung richtig hinzukriegen ist es wichtig, dass der erste Ton und jeder zweite Ton danach mit dem Daumen gespielt wird, der zwischen den drei Basstönen hin und herwechselt.

Wenn du das erst einmal hingekriegt hast, musst du nicht mehr ganz so streng darauf achten, welche Saiten du anschlägst – wichtig ist, dass du Leichtigkeit bei der Auf- und Abbewegung zwischen Daumen und Fingern entwickelst.

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Wenn du einmal verstanden hast, wie man diese Muster spielt, kannst du anfangen, Akkorde zu verwenden. Benutze dafür deine Uberchord-App, um deinen Stil zu optimieren, bis er sauber ist. Danach kannst du daran arbeiten, mit Stil und Gefühl zu spielen, um dein Spiel unvergesslich zu machen. (Mehr dazu findest du in unserem Artikel 8 Erleuchtende Zen-Lehren, um die Kunst der Gitarre zu meistern).

Wenn du mit der Fingerstyle-Gitarre weitermachen möchtest, sollte dein  nächster Schritt sein, neue Muster spielen zu lernen und sie zu kombinieren, und zu lernen, die Melodie während des Spielens hinzuzufügen. Bei den großen Fingerpickern klingt es oft so, als spielten zwei Gitarren – eine spielt die Melodie und die andere begleitet sie. Es ist nicht so unmöglich, wie es klingt, es braucht nur ein wenig Hingabe und Übung. Bleib dran, und vergiss nicht: Wir stehen hinter dir!

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Lerne, zu strummen – das einfache Auf- und Abzupfen auf den Saiten deiner Gitarre, normalerweise mit einem Flatpick, ist eine Gitarrentechnik, die leicht auszuführen ist, aber nicht so leicht gut zu spielen ist. Mach dir keine Sorgen! Wir von Uberchord sind dafür da, dir zu helfen. Wir haben den weltweit ersten interaktiven Strumming-Trainer eingeführt, um die Technik deiner rechten Hand zu trainieren.

Das Strumming lässt sich auf zwei Grundelemente reduzieren: Akkorde und Rhythmus. Es kommen noch andere Elemente ins Spiel, aber es sind die Akkorde und der Rhythmus, die einen Strum zum Strum machen.

Der flippige Solist mag wie der Star der Show rüberkommen, aber der Strummer ist derjenige, der sie zum Strahlen bringt. Strummer arbeiten mit den Drummern zusammen, um den Rhythmus der Musik zu tragen, und wenn kein Drummer vorhanden ist, können die Strummer den erforderlichen Rhythmus – und die Atmosphäre – ganz alleine erzeugen. Das Strumming ist so sehr Teil der Rock-, Pop-, Country- und Folkmusik, dass wir es bei Gitarren öfter hören als das Zupfen der Saiten, was es zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Technikarsenals eines Gitarristen macht.

Schnapp dir also deine Gitarre und den integrierten Strumming-Trainer deiner Uberchord-App und leg los! Hier sind ein paar Tipps:

1. Schaff dir einen Vorrat an Picks an.

Wenn du nicht mit dem bloßen Daumen strummen willst wie Johnny Cash und noch ein paar andere, brauchst du flache Plektren. Sie werden als flache Plektren bezeichnet, um sie von den Plektren zu unterscheiden, die deinen Daumen oder Finger umschließen. Du könntest auch einen Daumenpick zum Strummen verwenden, aber solche Plektren haben nicht die nötige  Nachgiebigkeit, die du für einen guten Anschlagsklang benötigst Wir gehen daher davon aus, dass du zumindest versuchen wirst, das Anschlagen mit einem flachen Pick zu lernen.

Falls du es noch nicht getan hast, kauf dir einige Picks unterschiedlicher Dicke. Wenn du sie mit nach Hause nimmst und eine Weile mit ihnen spielst, wirst du herausfinden, mit welchen du dich am wohlsten fühlst und welche dir den gewünschten Klang geben. Beschaffe dir ein paar extra Picks dieser Dicke, denn du wirst mit Sicherheit mindestens eins verlieren.

2. Beobachte andere Strummer.

Sieh dir gute Gitarrenstrummer live oder auf dem Bildschirm an und präge dir ihre Styles ein, damit du sie später selbst ausprobieren kannst.

3. Wähle einen Song, irgendeinen, und spiele ihn ganz durch.

Lerne die Akkorde deines ausgewählten Songs mit Hilfe deiner Uberchord App. Spiele den Song dann ganz durch, ohne anzuhalten, auch wenn dein Hund anfängt zu heulen und dein kleiner Bruder dir sagt, dass du echt mies klingst.

4. Nun mach eine Pause und experimentiere mit dem Sound.

An welcher Stelle schlägst du die Saiten an? Bei einer Akustikgitarre neigt man intuitiv dazu, die Saiten über dem Schalloch anzuschlagen, um den vollsten Klang zu erhalten, aber du musst tatsächlich ein bisschen zwischen Schalloch und Steg herumprobieren, bis du die beste Stelle findest. Dabei ist es wichtig, langsam zu machen und gut hinzuhören.

Übe Aufstriche. Übe Abstriche. Übe Aufstriche und Abstriche. Auch hier gilt: Bleibe achtsam, kleiner Grashüpfer. Und mache keine Saiten des Akkords eifersüchtig; schenke jeder die gleiche Aufmerksamkeit.

Sobald du das Lied mindestens einmal durchgespielt hast, lässt du dir von deiner Uberchord-App sagen, welche Saite du nicht richtig triffst, welche du überhaupt nicht treffen solltest und ob du richtig akkordierst.

5. Halte den Pick korrekt.

Es ist wichtig, das Plektrum so zu halten, dass es sich ein wenig biegen kann, aber auch nicht aus der Hand fliegt. Die meisten Spieler halten ihn zwischen dem Daumen und der Seite des Zeigefingers, wie auf dem Bild.

Es gibt ein Produkt namens “Gorilla Snot”, einen leichten Klebstoff, der das Plektrum vorübergehend an die Finger klebt. Wenn du glaubst, dass du ihn nötig hast und dich der Name nicht zu sehr abtörnt – fühl dich frei, ihn zu benutzen.

6. Lass deine Gitarre atmen.

Drücke deine Gitarre nicht so fest an dich, dass sie nicht mehr mit dem Klang schwingen kann. Positioniere deinen rechten Arm und deine rechte Hand außerdem so, dass sie die Saiten nicht dämpfen.

7. Was tun mit dem rechten Arm?

Sieh dir Keith Richards’ Anschlagtechnik bei “Angie” an.

Das Strumming hängt mehr von der Bewegung des rechten Arms ab als das einsaitige Flatpicking und Fingerpicking. Du musst in der Lage sein, schnell und präzise anzuschlagen und dabei das richtige Timing einzuhalten, entweder im Einklang mit sich selbst oder mit der Band.

Allerdings gibt es viel zu viele Kontroversen darüber, ob man aus dem Ellbogen oder aus dem Handgelenk strummen soll. Meiner Erfahrung nach erfordert das Strumming ein Gleichgewicht von beiden, aber das ist deine Lernkurve, also schau dir die Spieler in diesen Videos an und finde deinen eigenen Stil.

Jon Bon Jovi benutzt hier nicht nur sein Handgelenk und seinen Ellenbogen, sondern auch seine Schulter zum Strummen.

Wenn das Akkorddiagramm stumme Saiten anzeigt (du siehst ein “x” über der Saite), versuche, sie mit dem linken Daumen stumm zu schalten, um zu vermeiden, dass das Plektrum sie zum Klingen bringt. Wenn es dir anfangs schwer fällt, alle Saiten anzuschlagen, schlage sie sehr, sehr langsam an und beschleunige erst, wenn sich der Klang verbessert. (Seit vielen Jahren verwenden Jazzmusiker die Slowpoke-Methode, um schwierige Passagen zu meistern und den Klang ihres Spiels zu verbessern. Auch du kannst immens von diesem Trick profitieren).

8. Lerne einige grundlegende Rhythmen und übe sie.

Im Wesentlichen besteht das Strumming aus Auf- und Abschlagen, Auf- und Abschlagen – auf einen bestimmten Rhythmus. Wenn du verschiedene Rhythmen lernen möchtest, kannst du online per Google-Suche eine Vielzahl von Rhythmusmustern finden. Aber versteife dich nicht zu sehr darauf, die Muster präzise einzuhalten – Strumming ist eine Freiformtechnik, die man nicht festnageln sollte. Es ist besser, seinen eigenen Groove zu finden und mit ihm zu rollen.

9. Lerne, wie man Saiten dämpft.

Selbst als Anfänger kann man das lernen; es ist nicht so schwer, und außerdem macht es Spaß. Es bedeutet, dass man für den Bruchteil einer Sekunde den Akkord mit der linken Hand nicht so fest runterdrückt. Das führt das, dass die Resonanz der Gitarre kurz gestoppt wird und so ein knackiger Beat erzeugt wird.

Versuche, beim Anschlagen eines Akkords wie F, bei dem du die meisten Saiten gedrückt halten musst, mit deiner linken Hand zu “pulsieren”: Halte  die Saiten runter und hebe deine Finger immer wieder gerade so weit an, dass die Saiten beim Anschlagen nicht klingen. Mache das im Rhythmus und genieße den Sound, den das erzeugt. (Du kannst die Saiten auch mit der rechten Hand dämpfen, aber das ist eine kniffligere Lektion, mit der wir uns später beschäftigen werden).

Hör dir an, wie Darius Rucker die Saitendämpfung einsetzt (hörst du den Boom-chik, der um 1:45 beginnt?), um seinem Rhythmus den richtigen Wumms zu geben.

10. Begeistere dich!

Gutes Strumming hängt mehr als jede andere Gitarrentechnik von deiner Begeisterung ab. Sie ist auch beim einsaitigen Flat-Picking und Fingerpicking wichtig, aber die Einfachheit und Unmittelbarkeit des Strummings hat etwas, das erst durch Begeisterung wirklich zum Leben erweckt.

Hier ist ein Experiment für dich: Wenn du grob gelernt hast, wie du deinen Song strummst, nimm dich selbst beim Spielen auf. Jetzt leg die Gitarre hin, setz dir deine Kopfhörer auf und hör dir dein Lieblings-Rouser an – diesen einen Song, der dich jedes Mal packt und auf den Berggipfel hebt. Verwende diese Energie, um den Song noch einmal zu spielen und aufzunehmen. Hörst du den Unterschied? Das ist Begeisterung.

Die Beatles müssen sehr begeistert gewesen sein, als sie verkündet haben, dass man mit Geld keine Liebe kaufen kann:

Hier sind 5 essentielle Strumming-Muster zum Lernen:

_______

Je weiter du fortschreitest, desto komplexere Rhythmen kannst du dir vornehmen. Du kannst zum Jazz-Comping übergehen, was viel schwieriger ist, als es aussieht! Du kannst auch lernen, einzelne Saiten beim Strumming zu zupfen. Aber denke immer daran: Mit Begeisterung und Achtsamkeit findest – und behältst – du deinen eigenen Strumming Groove!

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Es gibt so viele Arten, an das Songwriting heranzugehen, wie es Songwriter gibt. Wenn du dich dafür entscheidest, dass das Komponieren von Musik dein Ding ist, wirst du feststellen, dass auch du eine einzigartige Methode in dir trägst, einen eigenen Songwriting-Prozess, der sich herauskristallisieren wird, je mehr du experimentierst. Aber für heute werden wir dir eine supereinfache Methode des Songschreibens vorstellen, um dir den Einstieg zu erleichtern. Dazu musst du keine Noten oder Tabulatur lesen können, womit es auch für Gitarrenanfänger keine Entschuldigung mehr gibt, es nicht einfach mal zu versuchen.

Jeder hat mit einem ersten Song angefangen! Bob Dylans erstes Lied war eine Hommage an einen anderen Songwriter, Woody Guthrie. Damals schrieb kaum ein Sänger seine eigenen Lieder. Bobs erster Song war also für einen der wenigen, die es taten.

Um dafür bereit zu sein, deinen ersten Song zu schreiben, musst du als erstes deine Würde ablegen. Wenn du dir Sorgen machst, dass sich jemand über dich lustig machen könnte, arbeite allein. Wenn du es nicht ertragen kannst, wie ein Idiot zu klingen, überwinde dich – wir klingen anfangs alle wie Idioten. Das Wichtigste für den Moment ist, dass du dich frei fühlst für ein Brainstorming, das deiner Kreativität die Tür öffnet.

Fangen wir an! Alles, was du brauchst, ist eine Gitarre, die Uberchord-App, ein Aufnahmegerät sowie Stift und Papier.

1. Fange mit einem Satz an

Vielleicht ist es etwas, das du in dein Tagebuch geschrieben hast. Vielleicht ist es irgendein dummer Spruch, den du und deine Freunde immer zueinander sagen. Vielleicht hat deine kleine Schwester, die gerade das Sprechen lernt, etwas erstaunlich Niedliches gesagt. Dieser Satz oder Phrase bildet den Titel, die erste Zeile oder den Refrain deines Liedes.

Hol Stift und Papier heraus und schreib den Satz auf. Vielleicht fällt dir, sobald du ihn aufschreibst, ein weiterer ein, und noch einer, und noch einer. Mach weiter und schreib diese Zeilen auf, sowie sie dir einfallen. Halte Stift und Papier griffbereit, denn du wirst sie brauchen, um dem Song weitere Worte hinzuzufügen und dir Notizen über die Akkorde zu machen.

(Paul McCartneys erstes Lied war “I Lost My Little Girl”. Er schrieb es auf seiner ersten Gitarre, einer Framus Zenith-Akustikgitarre, die er immer noch besitzt. Er singt das Lied in diesem Video).

https://www.youtube.com/watch?v=QgpEmgAlHhg

2. Behalte diesen Satz im Gedächtnis, wenn du beginnst, Gitarre zu spielen.

Spiele in der Tonart, die dir im Moment am liebsten ist. Verwende deine Uberchord-App, um eine Akkordfolge auszuwählen. Du kannst sogar die Akkordfolge deines Lieblingssongs verwenden, denn während Melodien dem Urheberrecht unterliegen, sind Akkordfolgen frei verfügbar. Niemand hat bisher eine Akkordfolge urheberrechtlich geschützt! Achte nur darauf, dass du bei der Verwendung der Akkordfolge aus einem anderen Song nicht auch dessen Melodie oder Text übernimmst. Deine Melodie und dein Text müssen beide selbstgeschrieben sein.

Spiele weiter, entspanne dich und gleite in diesen ganz speziellen Zustand hinüber, lasse die Ideen unzensiert zu dir kommen. Fange beim Spielen an zu summen und summe mit deiner Gitarre weiter, bis du eine Melodie geschaffen hast.

Versuche nun, anstatt zu summen, deine spezielle Phrase zusammen mit der von dir geschaffenen Melodie zu singen. Dies wird einige Wiederholungen erfordern, aber schließlich wird die Phrase zur Musik passen. Du solltest deine Stimme an dieser Stelle aufnehmen, wenn du Angst hast, du könntest die Melodie vergessen.

(Keith Richards schrieb seinen ersten Song, “As Tears Go By”, nachdem sein Manager ihn mit Mick Jagger in eine Küche gesperrt und ihnen gesagt hatte, dass er sie nicht rauslassen würde, bis sie einen Song geschrieben hätten).

3. Schreibe den Liedtext fertig

Bevor du dich jetzt sträubst, denke daran, dass nun die kreativen Voraussetzungen dafür geschaffen sind, den Liedtext fertig zu stellen. Vielleicht hast du festgestellt, dass dir beim Singen der Phrase automatisch andere Reimphrasen in den Sinn kamen. Wenn du sie noch nicht aufgeschrieben hast, ist jetzt der richtige Zeitpunkt. Du kannst entweder weiter auf der Gitarre herumklimpern, während du nach lyrischen Ideen suchst, oder du kannst dich auf Papier beschränken.

Wenn du das Standardformat Strophe und Refrain wählst, brauchst du verschiedene Musikideen für den Refrain und mindestens zwei Strophen, aber abgesehen davon ist alles möglich. Du kannst sogar beschließen, deine Phrase einfach immer und immer wieder zu wiederholen!

(Du kommst einfach nicht über die erste Phrase hinaus? Kein Grund zur Sorge! Viele Songwriter, z.B. Fat Boy Slim, schreiben Lieder, die einfach den ersten Satz wiederholen, wie in “Funk Soul Brother”)

4. Polier es auf Hochglanz!

An dieser Stelle verwandelst du dein Brainstorming in ein fertiges Produkt, das für jemand anderen gespielt und gesungen werden kann. Gehe deine Texte auf dem Papier durch und übe sie zu singen. Korrigiere sie dabei, um sicherzustellen, dass sie flüssig und leicht zu singen sind.

Jetzt kannst du deine Uberchord-App hervorholen, um die Akkordfolge durchzuspielen und überprüfen zu lassen, dass du sie korrekt spielen.

Gib das Lied mit dem fertigen Text ein und füge die Akkorde dort hinzu, wo sie hingehören. Achte darauf, dass du deinen Namen als Komponist nennst!

Wenn dir das so gut gefallen hat, dass du auch weiterhin Songs schreiben möchtest, stehen dir viele Abenteuer in Sachen Instrumentierung, Schreiben, Stil, Musiktheorie, Experimentieren, Arrangieren und hoffentlich auch Audioaufnahme und Live-Performance bevor. Gute Reise!

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Die richtige Ordnung auf dem Pedalboard

Letzte Woche sprachen wir über die Auswahl der richtigen “Gitarreneffekte zur Erweiterung deines Sounds” mit den Unterthemen “Gitarreneffekte, die deine Lieblingsprofigitarristen verwenden” und “Gitarreneffekte für jedes Musikgenre“. Nun, da du hoffentlich einige eigene Pedale erworben hast, gibt es noch ein weiteres wichtiges Thema, das das Ergebnis deines Sounds stark beeinflusst – die Reihenfolge deiner Pedale.

Das mag zunächst trivial erscheinen, aber ein wenig Experimentieren zeigt, dass jeder Effekt sehr unterschiedlich reagiert, je nachdem, wie das ursprüngliche Signal durch vorherige Effekte in der Signalkette verändert wurde. Anfangs kann dies ziemlich frustrierend sein; ein Pedal, das für sich allein genommen fantastisch klingt, kann deinen Sound geradezu verderben, wenn es gedankenlos mit anderen Effekten kombiniert wird. Ich werde auf die Grundlagen der Signalkette eingehen und dann erklären, wie man ein Pedalboard so einrichtet, dass es gut klingt. Wie nicht anders zu erwarten gibt es dabei keine “richtige” Art. Vielleicht stellst du fest, dass du durch eine Änderung der Reihenfolge einen völlig einzigartigen Klang erhältst – das wäre fantastisch. Wenn du dich zum ersten Mal mit diesem Thema beschäftigst – umso besser. Dann wäre das eine gute Gelegenheit, mit der Einrichtung deines Pedalboards zu beginnen.

1. Die meisten Gitarristen setzen ihr Drive Pedal an die erste Stelle

Overdrive-, Distortion-, Fuzz- & Boost-Pedale

Gitarristen mit einer Vielzahl von Pedalen setzen im Allgemeinen gerne ihr Drive Pedal an die erste Stelle. Dazu gehören Overdrive- (Übersteuerungs), Distortion- (Verzerrung), Fuzz- oder Boost-Pedale. Manche Gitarristen haben mehr als eines dieser Pedale und setzen sie normalerweise an den Anfang der Kette. Der Grund dafür ist, dass so die reinste Version des Gitarrentons verzerrt oder verstärkt wird. Wenn du ein Delay (Verzögerungs)-Pedal vor das Distortion-Pedal schalten würdest, würden auch die Echos vom Delay-Pedal verzerrt werden, was zu einem unnatürlichen und unsauberen Sound führt. Wenn du ein Overdrive und ein Boost Pedal verwendest, ist es ratsam, das Boost Pedal zuerst zu schalten – das sendet ein stärkeres Signal in das Overdrive, um das Beste aus ihm herauszuholen.

2. Wah & Equalizer (EQ) Pedale

An zweiter Stelle in deiner Kette kommen normalerweise Wah- oder EQ-Pedale. Diese machen sich in der Regel gut, wenn sie direkt auf ein verzerrtes Signal einwirken, ohne dass viel anderes in der Mischung enthalten ist. Wenn du vorhast, einen Kompressor einzusetzen, hast du die Wahl: Für einen natürlicheren Rockton arbeitet der Kompressor am besten direkt nach den Verzerrungs- oder Wah/EQ-Effekten. Wenn du jedoch den dichten klassischen Country-Sound bevorzugst, versuche, den Kompressor ganz ans Ende der Kette zu setzen, so dass er alles breit tritt.

3. Modulationseffekte

Phaser, Flanger, Chorus & Vibrato Effekte

Nach dem Wah oder EQ solltest du deine Phaser, Flanger, Chorus- oder Vibrato-Effekte einbauen. Wenn sie nach Overdrive/Verzerrung, Wah und EQ folgen, gewinnen die Modulationseffekte einen reicheren und komplexeren Sound, als sie alleine oder im vorderen Teil Ihrer Kette hätten. Allerdings kann es dummerweise auch etwas einschränkend sein, sie ganz an das Ende der Kette zu stellen, weil diese Art von Effekt dazu tendiert, andere, die vor ihm platziert sind, zu überwältigen. Modulationseffekte funktionieren am besten in der Mitte der Effektfolge.

4. Zeitverändernde Effekte

Delay & Reverb

Zeitliche Effekte wie Delay (Verzögerung) und Reverb (Hall) funktionieren im Allgemeinen am besten am Ende der Kette. Wenn du ein Delay am Ende der Kette einsetzt, kann der Effekt allem, was vor ihm kommt, ein natürlicheres Echo verleihen; das Echo selbst wird durch andere Effekte nicht verändert. Dasselbe gilt für Reverb. Die meisten Gitarristen setzen  den Hall als allerletzten Effekt und verwenden gelegentlich den im Verstärker eingebauten Hall über ein Pedal. Verstärker mit eingebautem Hall benutzen in der Regel ein Federelement, das einen wabernden Klang erzeugt, der für viele Arten von Musik gut funktioniert. Wenn du jedoch nach einem größeren Hall suchst, der an einen riesigen Konzertsaal erinnert, ist ein Reverb Pedal wahrscheinlich genau das Richtige für dich. So oder so, wenn man das Reverb an das Ende der Kette setzt, erhält man einen räumlichen, natürlichen Sound, der ein höhlenartiges Echo simuliert.

5. Experimentieren dringend empfohlen

Wie immer empfehlen wir dir dringend,  mit deiner Pedalreihenfolge zu experimentieren. Angesichts der unzähligen Effektpedale, die derzeit erhältlich sind, kann es ziemlich lange dauern, bis man herausgefunden hat, was am besten funktioniert und in welcher Kombination. Aber die genannte Effektreihenfolge ist ein guter Ausgangspunkt dafür.

Ich bekomme viele Fragen von besorgten Effekt-Enthusiasten über “True Bypass”-Effekte und wie wichtig diese Funktion für den Sound ist. In der nächsten Folge werde ich einige Zeit darauf verwenden, die Vor- und Nachteile von “True Bypass” zu erörtern, und warum du dich dafür interessieren solltest oder auch nicht.

Immer noch verwirrt über Pedalboards? Hier ist die beste Lektion und einige Worte der Weisheit vom Gott der Gitarre selbst – Steve Vai.

Wenn du Spaß am Heimwerken hast, dann schau dir dieses fantastische Video von Guitar World an – Wie man sich zu Hause sein eigenes Pedalboard baut.

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Willkommen zu einer weiteren Episode unserer Akkordfolgen-Reihe! Wir hoffen, dass dich die Lektüre dieses Artikel für das Spielen in deinem Lieblingsgenre stärkt und du danach vielleicht sogar inspiriert bist, mal in andere Genres hineinzuschnuppern. Das ist nie verkehrt und macht dich zu einem vielseitigeren Gitarristen.

Heute stellen wir dir das Genre vor, das auf der einfachsten und gebräuchlichsten Akkordfolge in der westlichen Musik basiert: I-IV-V-I.

(In der Tonart C-Dur wäre dies zum Beispiel C-F-G-C.) Wir werden die Geschichte der Country-Musik streifen, darüber sprechen, was sie anders macht, und dir einige gute Beispiele zum Nachspielen geben.

Was sind Akkordprogressionen?

Eine Akkordprogression ist einfach die Folge von Akkorden, die man spielt, um eine Melodie zu begleiten, und wie wir bereits in früheren Artikeln erläutert haben, ist das eines der musikalischen Elemente, die einem Genre seinen besonderen Klang verleihen und es von anderen Genres unterscheiden.

Für die Bezeichnung von Akkorden verwenden wir römische Ziffern, die auf die jeweiligen Positionen in der Tonleiter zurückgehen. I ist der erste Akkord einer Tonleiter, II der zweite und so weiter ist. Es ist wichtig zu wissen, welche der Akkorde in einer Tonart Dur, welche Moll und welche vermindert sind. Das hängt davon ab, ob man in einer Dur- oder einer Molltonart spielt.

Von den Musikern in Nashville werden allerdings nicht römische Ziffern verwendet, sondern die allgemein bekannteren arabischen Ziffern (1, 2, 3 usw.). Für den Fall, dass du an die römischen Ziffern gewöhnt bist, haben wir beide Schreibweisen aufgenommen.

Die Akkorde der Dur-Tonleiter

• I 1, Akkord: Dur
• II 2. Akkord: Moll
• III 3. Akkord: Moll
• IV 4. Akkord: Moll
• V 5. Akkord: Dur
• VI 6. Akkord: Moll
• VII 7. Akkord: vermindert

(Wie in der Rockmusik wird der 7. oder VII-Akkord in Country-Akkordfolgen nur selten verwendet).

Die Akkorde der Moll-Tonleiter

• I 1. Akkord: Moll
• II 2. Akkord: vermindert
• III 3. Akkord: Dur
• IV 4. Akkord: Moll
• V 5. Akkord: Moll
• VI 6. Akkord: Dur
• VII 7. Akkord: Dur

Die 8-Takt-Phrase

Wenn wir von einer bestimmten Akkordfolge sprechen, beziehen wir uns auf die Akkorde, die für eine achttaktige musikalische Phrase verwendet werden, da die achttaktige Phrase eine der Grundeinheiten in der westlichen Musik ist. Normalerweise wiederholt der Komponist die gleiche Abfolge zweimal, fügt dann acht Takte einer anderen Abfolge hinzu und wiederholt dann die erste Abfolge. Einige Genres wollen sich abheben und stellen dieses etablierte Muster in Frage, aber mit wenigen Ausnahmen bleibt beispielsweise die Country-Musik meist ziemlich nahe an diesem Arrangement.

Inwiefern sind die Akkordfolgen in der Country-Musik anders?

Country-Musik ist dafür bekannt, dass sie musikalische Konventionen nicht in Frage stellt und daher die Akkordfolgen meist die gleichen bleiben. Auch andere musikalische Neuerungen werden vermieden, wie zum Beispiel Bridges mit Tonartwechseln in der Mitte eines Liedes oder das Hinzufügen zusätzlicher Noten zu einem Grund-Dreiklang: Ein G7-Akkord gehört noch zur Norm, aber 6er-, 9er- und 13er-Akkorde sind definitiv out. Viele Country-Lieder haben nicht einmal einen Refrain! Zu allem Überfluss sind die meisten Melodien auf die Dur-Tonarten G, A, C, D, E und F beschränkt, und da alle Akkorde in der I-IV-V-I (1-4-5-1 in Nashville) Progression Dur sind, gibt es in der Grundstruktur keine Moll-Akkorde. Findest du doch einen Moll-Akkord in einer Country-Progression, handelt es sich fast immer um einen VI (6).

Tennisspielen mit aufgestelltem Netz

Bevor du jetzt die Nase über die Country-Musik rümpfst, weil sie dir musikalisch zu einfach erscheint, denk noch einmal nach. Es mag andere Gründe geben, Country-Songs abzulehnen (deprimierende Texte, weinerlicher Gesang und scheußliche Outfits ganz oben auf der Liste), musikalische Einfachheit gehört nicht dazu.

Erinnerst du dich an unsere KISS-Regel? “Keep it simple, stupid” bringt nicht nur Gelassenheit ins Leben, sondern kann die Grundlage für die beliebtesten und zeitlos ansprechendsten Lieder sein. Was die Country-Musik hörbar und lebendig hält, ist das, was kreative Künstler innerhalb der strengen Grenzen der I-IV-V-I-Progression leisten.

Auf die Frage, warum er sich in seinen Gedichten an Regeln der Grammatik, des Rhythmus und des Reimens hielt, gestand Robert Frost: “Ich spiele Tennis gerne mit aufgestelltem Netz”. Manchmal braucht es herausfordernde Einschränkungen, um das Beste aus der Kunst herauszuholen, weshalb die Country-Musik einige der größten Gitarristen aller Zeiten hervorgebracht hat.

Aber es gibt noch einen weiteren Grund, warum die Einfachheit der I-IV-V-I-Progression Bestand hat: Sie ist so demokratisch! Man muss nicht reich oder gebildet oder von hohem Stand sein, um Countrymusik zu beherrschen. Jeder mit Talent und einer Box mit Saiten drauf kann Musik machen, und viele solcher Leute können sich zusammenfinden, um die Lieder zu spielen, die sie alle kennen. Was das Publikum betrifft, so braucht man keine musikalische Bildung, um Countrymusik zu “begreifen”.

Weil sie auch für die arme, marginalisierte Landbevölkerung verfügbar war, war die Countrymusik traditionell Ausdruck einer emotionalen Authentizität, wie sie nur solche Menschen mitbringen können.

Old Time

Old Time Music (manchmal auch als “Old Tyme” oder “Old Timey” geschrieben) ist die authentischste, älteste und reinste Form der amerikanischen Country-Musik. Wenn man tief genug in sie eindringt, findet man Anklänge an die keltischen Modi, Melodien und lyrischen Themen, die sie inspiriert haben. Viele der Lieder, zum Beispiel “Lord Randal”, wurden tatsächlich von den Britischen Inseln nach Amerika gebracht, wo sie immer noch in sehr unterschiedlichen Versionen gesungen werden. Die “Musik der alten Zeit” unterlag nicht denselben Beschränkungen wie Bluegrass oder kommerzielle Country-Musik (einige seltsamere Elemente wurden in den beiden Untergattungen später ausgemerzt), aber die Grundstruktur I-IV-V-I war ihr Fundament.

Vor allem in der Old Time Music finden wir diesen “hohen, einsamen Sound”, auf den oft Bezug genommen wird, wenn von den eindringlichsten Country-Liedern die Rede ist – diese seltsame Tonlage, die einen an starken Wind denken lässt, der an einem schmalen Bergpass durch die Kiefern heult, oder an das Jaulen von Wölfen in dunklen Tälern. Was sind die Zutaten des “hohen, einsamen Klangs”? Das Hinzufügen der Moll-VI-Akkorde zu den Grundakkorden I-IV-V-I, einige seltsame Banjostimmungen, Doppelsaiten auf der Fiddle, tragische Texte und eine leidenschaftliche Gesangsdarbeitung sind einige der Elemente, aber es ist immer noch ein Rätsel, wie genau dieser eindringliche Klang entsteht.

(Wenn du mit dem Klang echter Oldtime-Musik nicht vertraut bist, hör dir einige der Beispiele auf dieser Folkways-Seite an).

Bluegrass

Bluegrass ist ein relativ neues Phänomen in der amerikanischen Musik, das von Bill Monroe in den 1940er Jahren in Kentucky fast im Alleingang geschaffen wurde. Das neue Genre basierte weitgehend auf Monroes Old Time Music-Hintergrund, aber eine selten anerkannte Tatsache ist, dass Bluegrass-Musik stark auf die amerikanischen Sklaven zurückgeht. In den Bergen der Südstaaten, aus denen der Bluegrass ursprünglich stammt, wurden viele geflohene und später freigelassene schwarze Sklaven versteckt, wo ihr Einfluss auf die dortige Volksmusik schließlich zu einem Bestandteil des Bluegrass wurde. Bill Monroe beharrte oft darauf, dass seine neue musikalische Entwicklung ein Produkt des Hörens von schwarzer Musik sei und dass der Name “Bluegrass” sich nicht auf die gleichnamigen Grasflächen in Kentucky beziehe, sondern auf die ländlichen und bluesigen Wurzeln des Genres.

Die Akkordfolge I-IV-V-I, die der Bluegrass von der Old Time Music erbte, war in Stein gemeißelt; Bill Monroe war sehr streng mit den Akkordfolgen. Wenn jemand versuchte, am Grundmuster herumzupfuschen, sagte er: “Es klingt gut, aber es ist nicht Bluegrass”.

Mit Strenge und Innovation

Innerhalb dieser engen Form entstand eine überraschende Menge musikalischer Erfindungen. Zum einen führte der Bluegrass die Polyphonie wieder ein – die harmonische Vermischung von zwei oder mehr Instrumenten, die gleichzeitig verschiedene Melodien spielen. Die strenge Akkordformel machte es möglich, dass jeder der Musiker in einer vier- oder fünfköpfigen Bluegrass-Band (die immer aus Gitarre, Bass und Banjo und manchmal auch aus Fiddle, Mandoline, Schlagzeug und Steelguitar bestand), rhapsodische Triller und ekstatische Läufe spielen konnte und trotzdem alles glänzend zusammenpasste.

Eine weitere reizvolle Neuerung im Bluegrass ist die Verwendung des fünfsaitigen Banjos, eines Instrumentes, dem in Bluegrass-Bands mehr Freiheit gewährt wird als jedem anderen Instrument (möglicherweise wegen seiner Lautstärke). Bluegrass-Banjospieler können aus einer Vielzahl von Banjostimmungen wählen, um die Gefühlslage des Songs zu verändern. Sie können auch in der Mitte eines Songs die Stimmung ändern, so dass die Stimmung an sich wie ein musikalisches Element rüberkommt. Sie können in vierstimmiger Harmonie zusammen singen. Sie können erstaunliche Soli  spielen.

Lass uns spielen!

Aber genug geredet. Zeit zum Handeln. Hol deine Axt und deine Uberchord-App heraus und probiere diese Melodien aus.

Jedes dieser Songbeispiele verwendet die Progression I-IV-V-I, jedoch mit sehr unterschiedlichen Stilen und Klängen. Aus Platzgründen haben wir nur die erste Strophe und den Refrain jedes Liedes aufgeführt, aber der Rest der Texte ist online leicht zu finden.

Old Time: Man of Constant Sorrow

Intro: C   F  G7 C

C                    G          G7                     C
(In constant sorrow    through his days)
C                                               F
Well I am a man of constant sorrow,
G7                    C
I’ve seen trouble all my days.
C                                        F
I bid farewell to old Kentucky –
G7                       C
The place where I was born and bred.
C                             G  G7                       C
(The place where he    was born and bred)

C   F  G7 C

Bluegrass: Workin’ on a Building, von Bill Monroe

G

If I were a sinner, tell you what I would do–

C           D                          G

I’d quit my sinnin,’ and I’d work on a buildin’, too.

Refrain:

G

I’m workin’ on a buildin,’

I’m workin’ on a buildin’

C          D                   G

I’m workin’ on a buildin’ for my Lord, for my Lord.

Mainstream Country: Man in Black von Johnny Cash

Mit das Beste an der Countrymusik ist die Art und Weise, wie sie einfache Sprache verwendet, um zeitlose Wahrheiten auszudrücken. Dieser Klassiker ist ein Paradebeispiel.

G           C               G

Well you wonder why I always dress in black

C           Am

Why you never see bright colours on my back

C             G               C               G

And why does my appearance seem to have that sombre tone

Am                               D7

Well there’s a reason for the things that I have on

G                     C                   G

I wear the black for the poor and the beaten-down

C            Am

Living on the hopeless hungry side of town

C               G               C                 G

I wear it for the prisoner who has long paid for his crime

Am                         D7

But is still in there as a victim of the time

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Ich habe mir das Gitarrenspielen selbst beigebracht, und ich muss zugeben, dass dies dazu geführt hat, dass ich mir einige sehr schlechte Angewohnheiten angeeignet habe, die im Nachhinein schwer abzuschütteln waren. Ich hatte keine großartigen Apps wie Uberchord (zum kostenlosen Download anklicken), die mich anleiten konnten. Das übliche Problem von Gitarrenanfängern ist Ungeduld – Ratgeberbücher und Websites bestehen darauf, dass man die Dinge langsam angeht, sich auf die Basics konzentriert und alles sorgfältig und von Grund auf lernt, während man selber am liebsten sofort oder jedenfalls innerhalb von ein paar Wochen die ersten fetzigen Soli spielen und sich mit einem kräftigen  Akkord von einer Wand aus Marshallverstärkern stürzen möchte.

Sieh dir die besten Spieler der Welt an, ganz gleich, ob sie klassische Musik machen oder Heavy Rock. Sie haben alle eines gemeinsam – gute Technik. Das heißt, sie haben all die grundlegenden Voraussetzungen für ein großartiges Gitarrenspiel verinnerlicht. Schau dir jemanden wie John Petrucci (Dream Theater) an. Sicher, auf den ersten Blick sieht er hauptsächlich so aus, als würde er deine Großmutter zu Tode erschrecken. Aber dann achte genauer auf seine linke Hand. Diese glühenden Soli und Akkordfolgen erreicht er mit scheinbar müheloser Leichtigkeit und minimaler Bewegung. Das geht nur, weil er das Gitarrenspielen von Grund auf mit guter Technik gelernt und schließlich gemeistert hat. Am Ende ist eine gute Technik der beste Weg zum guten Spiel. Sie bringt deine Hände und Finger zur richtigen Zeit an die richtige Stelle.

Hier sind meine 10 besten Tipps zum Gitarrespielenlernen mit guter Technik. Einige von ihnen sind ziemlich offensichtlich, während andere das Ergebnis langer Erfahrung sind. Ich hoffe, dass sie hilfreich sind. Ich gehe der Einfachheit halber davon aus, dass du Rechtshänder bist. Linkshänder mögen bitte die Angaben anpassen.

1. Vermeide den Todesgriff der linken Hand

Wenn du zum ersten Mal spielst, wirst du ziemlich schnell feststellen, dass es harte Arbeit ist, die Saiten auf das Griffbrett zu drücken. Die Finger werden dir wehtun und dein Handgelenk schmerzen. Die naheliegende Art und Weise, dem entgegenzuwirken, besteht darin, den Daumen über die Oberseite des Griffbretts zu haken, um eine Hebelwirkung zu erzielen, was unwillkürlich dazu führt, dass du die Saiten mehr mit dem flachen Polster deines Fingers (da, wo sich dein Fingerabdruck befindet) als mit der eigentlichen Fingerkuppe drückst.

Das wird manchmal als “Todesgriff” bezeichnet, weil man sich so einen ziemlich starren Griff am Hals angewöhnt, der die Reichweite der Finger einschränkt. Die richtige Technik ist, den Daumen auf der Rückseite des Gitarrenhalses zu haben. Dadurch wird deine Hand gezwungen, die Fingerspitzen zu benutzen, was viel besser und genauer ist, wenn es darum geht, nur die gewünschten Noten zu spielen, ohne versehentlich benachbarte Saiten stumm zu schalten. Anfangs fühlt sich das etwas seltsam und schwierig an und deinem Handgelenk fehlt die Kraft. Bleib dran und du wirst die Vorteile später zu schätzen wissen. Denk dran: Daumen auf der Rückseite des Halses.

2. Übe sowohl im Stehen als auch und im Sitzen

Okay, es ist schon alles schwer genug, auch ohne dass du beim Spielen durch den Raum tanzt. Doch wenn du diesen Traum wirklich bis zum Ende durchziehen willst, wirst du eines Tages vor der Menge stehen. Mit der Gitarre locker über die Schulter gehängt zu spielen ist eine ganz andere Sache als dabei zu sitzen.

Auf einem Stuhl neigt man dazu, sich über das Instrument zu beugen, um zu sehen, was die eigenen Hände tun (eine weitere schlechte Angewohnheit, die du vermeiden solltest). Wenn du dann aufstehst, ist alles plötzlich anders. Probiere es aus und du wirst sehen, was ich meine. Zum Beispiel wird es dir viel schwerer fallen, deine linke Hand zu sehen. Vergewissere dich, dass du einen guten Gitarrengurt hast, stelle ihn auf eine bequeme Länge ein (vergiss es, ihn um die Knie legen zu wollen – sieht cool aus, ist aber eine beschissene Spielhaltung) und übe regelmäßig das Spielen im Stehen.

3. Halt dich zurück im Tempo

Versuche gar nicht erst, möglichst schnell zu spielen. Wirklich, lass es einfach. Bei einer guten Technik ist es wichtig, genau zu greifen und jedes Mal die richtigen Töne zu treffen, vor allem wenn es um Tonleitern und das Spielen trickreicher Barré-Akkorde geht. Konzentriere dich auf einen präzises Fingering. Wenn du lernst, richtig zu spielen, wird sich das Tempo von ganz alleine einstellen. Das größte Hindernis für schnelles Spielen ist eine schlechte Technik. Gewöhn dir eine gute Technik an und du wirst automatisch mit Schnelligkeit belohnt werden. Nimm dir immer Zeit und spiele langsam. Verwende die Uberchord Guitar App, eine kostenlose App, die dir beim Üben zuhört und dich korrigiert, wenn du falsch spielst.

4. Benutze immer den korrekten Fingersatz

Im Laufe der Jahrhunderte haben die Experten des Gitarrespielens herausgefunden, wie bestimmte Akkorde und Tonleitern am besten zu spielen sind, d.h. welche Finger welche Note auf dem Griffbrett spielen sollten.

Ab und zu wirst du vielleicht eine einfachere Art entdecken, diese zu spielen – du bist ein musikalisches Genie und keiner hat es gemerkt. Lass dich nicht in Versuchung führen. Beim korrekten Fingersatz geht es nicht nur darum, diesen Akkord oder diese Tonleiter richtig zu spielen. Auch das Hinzufügen von Variationen muss bedacht werden, wie z.B. Septimen und Nonen, und bei deinem benutzerdefinierten Griffstil könnte sich herausstellen, dass diese Variationen nicht gespielt werden können (ja, das ist eines der Dinge, die ich auf die harte Tour gelernt habe). Achte sorgfältig auf die korrekte Griffweise eines Akkords und die Position deiner Hand auf dem Griffbrett für Tonleitern. Uberchord wird dir genau zeigen, wie man das macht.

5. Lautloses Üben

Du willst deine Lieblingssendung im Fernsehen sehen, obwohl du eigentlich üben solltest? Keine Angst, man kann viel erreichen, wenn man nur die Gitarre hält und einfach immer wieder von einem Akkord zum anderen wechselt oder Tonleitern spielt, ohne die Saiten mit der rechten Hand zu zupfen. Du trainierst dabei deine linke Hand – das zählt als solides Üben. Eine gute Technik ist eine antrainierte Gewohnheit. Mit dem Daumen auf der Rückseite des Halses, denk dran!

6. Benutze ein Metronom!

Zu einem Klicktrack zu spielen ist anfangs wirklich schwierig, aber die Vorteile für später sind unermesslich. Dein Gefühl für Rhythmus und Timing wird einen frühen Auftrieb erhalten, wenn du möglichst bald versuchst, ein Metronom zu benutzen. Mach dir jedoch nicht zu viele Gedanken darüber und stelle sicher, dass du die Schläge pro Minute (BPM) auf eine sehr langsame Zahl einstellst. Es geht darum, dich daran zu gewöhnen, im Takt und mit gleichmäßigem Tempo zu spielen, aber überstürze dies nicht auf Kosten der Technik. Übrigens findest du im Internet haufenweise Metronom-Apps. Und hier sind 5 Möglichkeiten, wie du ein Metronom verwenden kannst, um dein Gitarrenspiel zu verbessern.

7. Keine Angst vor schwierigen Akkorden

Vor einigen Wochen nahm ich in meinem Studio eine Freundin namens Mary auf, eine Sängerin und Gitarristin, die Himmel und Erde bewegen würde, um einen h-Moll-Akkord zu vermeiden. Sie fand die Griffweise zu schwierig und benutzte Kapodaster und alle möglichen Transpositionen, um dem gefürchteten Barré-Akkord auszuweichen. Statt knifflige Akkorde um jeden Preis zu vermeiden, solltest du dich gerade auf sie stürzen und extra Zeit und Energie investieren, sie zu perfektionieren. Sonst wirst du sie Zeit deines Lebens als mentales Hindernis empfinden.

8. Sei diszipliniert beim Üben

Es gibt nichts Besseres, als regelmäßig die Hände an die Gitarre zu legen und die neuesten Lektionen zu üben. Auch wenn es nur für zehn Minuten an einem Tag ist, wenn man sonst zu beschäftigt ist. Gute Technik kommt aus dem Kopf und aus dem Gedächtnis der Finger, die sich daran erinnern, wie das alles funktionieren soll, besonders wenn es um knifflige Fingersätze geht. Versuche, dir jeden Tag etwas Zeit zu nehmen und gute Spielgewohnheiten zu entwickeln. Das hilft auch, die Schwielen an den Fingerkuppen aufzubauen.

Mit der neuesten Version der Uberchord App kannst du ein persönliches Profil erstellen und dir tägliche oder wöchentliche Ziele setzen. Es verfolgt deine Fortschritte und sendet dir Erinnerungen, wenn du faul wirst und den Fokus verlierst.

9. Mach mal eine Pause und hör Musik

Die andere Seite der Münze ist, sich am Anfang nicht zu sehr anzustrengen. Wenn deine Muskeln zu knatschen beginnen und die Fingerspitzen stechen, mach eine Pause und entspanne dich für eine Weile. Du kannst dich leicht überanstrengen und Sehnen und Bänder schädigen, wenn du die Gefahrensignale ignorierst.

10. Vergiss nicht, die rechte Hand zu trainieren

Manchmal ist es gut, die Saiten einfach mit der linken Hand stumm zu schalten und zu üben, mit dem Anschlagen der rechten Hand einen perkussiven Rhythmus zu erzeugen. Die Uberchord-App enthält auch einen Rhythmus-Trainer, um deinen Rhythmus und dein Timing zu verbessern.

Wähle alternativ einen einfachen Akkord (oder gar keinen Akkord) und konzentriere dich eine Weile auf einen beliebigen Fingerpicking- und Plektrum-Stil, den du gerade lernst. Die Technik für die rechte Hand wird oft vergessen, wenn man damit beschäftigt ist, die Finger der linken Hand dazu bringen, das Richtige zu tun. Vergiss nicht, dass Gitarrespielen eine beidhändige Angelegenheit ist.

Das wars. Wie ich bereits sagte, sind viele dieser Tipps offensichtlich und einfach gesunder Menschenverstand. Aber viele Anfänger machen diese einfachen Fehler dennoch vor lauter Enthusiasmus, wenn sie anfangen, spannende Dinge zu spielen. Wenn man beim Gitarrelernen von Anfang an auf die richtigen Grundlagen und die richtige Technik achtet, kann man ein großartiger Spieler werden und nicht nur ein guter.

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Irgendwann wirst du dich mit dem guten alten Barré-Akkord in all seiner Komplexität auseinandersetzen müssen. Am Anfang wird es sich anfühlen, als bräuchtest du Finger aus Stahl, um genug Kraft für einen klaren Klang aufzubringen, und der Schmerz wird grausam sein. Es gibt jedoch ein paar Tricks, mit denen du deinen Lernprozess verkürzen und deinen angeschlagenen Fingern Erleichterung verschaffen kannst.

1. Vereinfache das Muster

Barré-Akkorde gibt es in allen möglichen verrückten Formen. Für einige von ihnen musst du deine Finger auf eine Art und Weise beugen und strecken, die du nie für möglich gehalten hättest. Indem du einfach ein oder zwei Finger an der richtigen Stelle weglässt, kannst du es dir viel leichter machen.

Schauen wir uns zum Beispiel H-Dur an. Dieses Standard-Barré-Akkordmuster (es heißt
“E-Form”) kann an einer beliebigen Stelle des Griffbretts gespielt werden. Du musst nicht nur deinen Zeigefinger über das gesamte Griffbrett drücken, was schier übermenschliche Stärke erfordert, sondern du musst auch noch alle vier Finger verwenden, die einzeln in genau der richtigen Position gebogen werden müssen. Nicht sehr einsteigerfreundlich, oder?

Nun wirf einen Blick auf dieses zweite Beispiel (genannt “A-Form”). Dazu müssen dein erster und zweiter Finger über zwei getrennte Bünde gedrückt werden.

Das nennt man “Doppel-Barré” und es ist auch kein Spaziergang. Wenn du vorhast, Hardrock und heftige Metal-Sounds zu spielen, kannst du die bei weitem einfachste Form für den aufstrebenden Anfänger verwenden. Mit der Standard-E-Stimmung ist das der bescheidene zwei- oder dreifingrige Powerchord. Kein Griff über das ganze Griffbrett nötig! Nur dein erster, dritter und vielleicht noch der vierte Finger, wenn du ehrgeizig bist.

2. Vereinfache die Stimmung

Ein weiterer genialer Trick für alle Rocker da draußen – stimme deine Gitarre auf die Drop-D Stimmung, und was früher drei Finger erforderte, braucht jetzt nur noch einen. Mit nur einem Finger zu spielen ist der einfachste Weg, Gitarre zu lernen. Dadurch passt deine untere E-Saite zu den Noten auf der A- und D-Saite. Jeder Akkord, der seinen Grundton (seinen tiefsten Ton) auf der untersten Saite hat, kann auf diese Weise gespielt werden. Drücke einfach mit deinem Finger über die drei tiefsten Saiten, und die unterste Saite klingt wie zwei Bünde weiter auf dem Griffbrett.

3. Vereinfache das Voicing

Sei gewarnt! Power-Akkorde sind eine “Schnelllösung”, wenn du komplexe Barré-Akkorde rocken willst. Das Problem ist, dass sie einen wichtigen Ton des Akkords auslassen: die Terz. Zum Beispiel das E in einem C-Dur-Akkord. Ohne die Terz verliert der Akkord den Dur- oder Mollcharakter. Während das für Rocksongs völlig ok ist, besonders wenn du Verzerrung anwendest, könntest du in anderen Fällen den überwältigenden Drang verspüren, die Integrität der Musik aufrechtzuerhalten.

Hier kommt die Uberchord-App ins Spiel – eine intelligente App, die dir hilft, eine fingerfreundliche Version des Akkords zu finden, den du zu beherrschen versuchst! Alles, was du tun musst, ist, die Liste der Alternativen zu sortieren, um das für dich einfachste Voicing zu finden.

Sieh dir dieses Anleitungs-Video darüber an, wie du deine Barré-Akkorde verbessern kannst:

Beispiele:

Hier sind einige Beispiele, bei denen ein leichterer Akkord zur Hand ist. Diese Sammlung enthält nicht nur Barré-Akkorde, sondern auch Standardakkorde, die vereinfacht werden können:

Überraschenderweise werden einige Akkorde durch das Hinzufügen einer zusätzlichen Note (Spannung) noch einfacher. Behandele diese aber mit Vorsicht. Die hinzugefügten Klangfarben passen nicht immer zu dem Song, den du spielst. Probiere sie einfach aus und entscheide, ob sie in deinen Ohren gut klingen oder nicht.

Der Schlüssel zur Beherrschung der Gitarre besteht darin, mit ein paar Ideen herumzuspielen und herauszufinden, was am bequemsten ist und was für deinen aktuellen Kenntnisstand am besten funktioniert. Wenn etwas im Moment zu schwierig für dich ist, vereinfache es und komme später darauf zurück. Gib nicht auf!

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Nimm dir einen Moment Zeit und frage dich, ob dieser Satz mit großen Zeitabständen zwischen den einzelnen Worten gesprochen wird. Wir verwenden Symbole wie den Punkt, um unsere Sätze zu beenden, und das Komma, um unsere Gedanken in verständliche Sätze zu gliedern. Es ist der Rhythmus, der unsere gesprochene Sprache fließend und verständlich macht. Bei der Musik wenden wir dasselbe Konzept; wir verwenden Rhythmen, um unsere Noten zu organisieren, und Pausen, um unsere musikalischen Sätze zu beenden. Gitarrespielen ist eine Kombination aus den Noten, die wir spielen (Tonhöhe), und dem Timing, in dem wir diese Noten spielen (Rhythmus). Das Werkzeug, das du verwendest, um diese beiden Dinge effektiv miteinander zu verbinden, ist ein Metronom.

Wer sollte ein Metronom benutzen?

Gitarrenspieler aller Niveaus, insbesondere Anfänger und leicht Fortgeschrittene.

Abgesehen davon, dass unser Spiel genauer und schärfer wird, hat das Üben mit einem Metronom noch eine Reihe anderer Vorteile. Ein weiterer Vorteil besteht darin, dass man lernt, während seines Spiels eine externe Maßeinheit im Auge zu behalten. Wenn du jemals mit einem anderen Musiker spielen willst, ist der Rhythmus wesentlich für das Timing – er ist Teil der Sprache. Beim Spielen mit Metronom entwickelt man ein inneres Gefühl für Rhythmus und Timing und schlägt ein ausgeglicheneres und gleichmäßigeres Tempo an. Du kannst Metronome physisch, online oder als App über dein Smartphone erhalten (und viele der kostenlosen Metronome funktionieren hervorragend!).  Wenn du Anfänger bist, kannst du die Uberchord App benutzen, um Akkorde und Timing zu lernen, da sie dir einen Takt zum Üben und Mitspielen vorgibt. Hier sind einige Tipps, wie du ein Metronom am besten verwendest.

1. Die Funktionen des Metronoms

Es gibt ein paar Dinge, die du über die Verwendung deines Metronoms wissen musst, um es in deiner Praxisroutine effektiv einsetzen zu können. Das erste ist die Zahl, auf die du dein Tempo einstellst, oder die Schläge (Beats) pro Minute (BPM). Das ist die Anzahl der Klicks, die du innerhalb einer Minute hörst (d.h. ein Metronom, das auf 120 eingestellt ist, klickt innerhalb einer Minute 120 Mal). Die meisten Songs haben eine bestimmte BPM-Angabe, auf die sie eingestellt sind.

Das nächste ist die Taktart, die du passend zu dem Song, den du spielen willst, einstellen musst. Die gebräuchlichste Taktart ist 4/4, aber versuche einmal, auf ¾ zu wechseln und hör dir den Unterschied an. Viele der digitalen Metronome verfügen über praktische Funktionen wie unterschiedliche Soundsets, Bildschirm-Blinken bei bestimmten Schlägen und sogar Farbschemata.

2. Benutze ein Metronom beim Gitarre-Üben

Es gibt eine Reihe von Übungen, die du mit einem Metronom durchführen kannst, um deine Spielgeschwindigkeit und dein Timing zu verbessern. Hier sind einige Beispiele für Übungen, die ich in meinem Unterricht verwende.

Übung 1: Überprüfe deine Geschwindigkeit beim alternierenden Zupfen.

Probiere diese Übung mit deinem Metronom aus. Wir verwenden hier offene Saiten, weil wir den Schwerpunkt auf die zupfende Hand legen wollen, ohne durch ein kniffliges Riff in der zupfenden Hand abgelenkt zu werden. Verwende alternierendes (erst nach oben, dann zurück nach unten) Picking.

• Stelle dein Metronom auf 50 BPM
• Erhöhe um jeweils 5 Schläge, bis du beginnst, aus Versehen die falsche Saite zu erwischen.
• Fordere dich selbst heraus und erfreue dich an der Geschwindigkeit.

Übung 2: Überprüfe deine Schnelligkeit beim Akkordwechsel

Versuche, einen E-Dur Akkord zu spielen und von einem a-Moll folgen zu lassen:

• Stelle dein Metronom auf 60 BPM im 4/4 Takt.
• Beginne damit, jeden Akkord einmal alle vier Schläge anzuschlagen, oder für die Dauer einer ganzen Note.
• Versuche dann, die Akkorde alle zwei Schläge anzuschlagen, für die Dauer einer halben Note.
• Versuche, die Akkorde auf jeden Schlag anzuschlagen, für die Länge einer Viertelnote.
• Zupfe einmal auf und ab pro Schlag, jeweils für die Länge einer Achtelnote.
• Erhöhe deine Geschwindigkeit, immer im Anstand von 5 bpm.

3. Lock dich in den Rhythmus deines Songs ein

Diese Übung eignet sich hervorragend zum Erlernen neuer Abschnitte von Songs oder zum Aufpolieren des Timings eines Stücks, das du vorliegen hast. Stelle dein Metronom auf die bpm deines Stücks ein und falle ein in  den Rhythmus. Beginne langsam und werde dann allmählich schneller.

Tipp: Das Metronom ist ein wesentliches Werkzeug, um sich selbst Ziele zu setzen und sie zu erreichen (darüber erzähle ich mehr in meinem vorhergehenden Artikel “Anfängerleitfaden Gitarrenpraxis”). Versuche, deine Metronomgeschwindigkeit zu protokollieren und diese Zahl jede Woche um 5 BPM zu erhöhen. Du kannst dein eigenes Metronom-Logbuch hier herunterladen.

4. Übe dein Rhythmusgefühl auch, wenn gerade kein Metronom in der Nähe ist

Das Üben mit Metronom ist die effektivste Art, Rhythmusgefühl zu entwickeln. Doch es gibt Alternativen, wenn du gerade keins zur Hand hast. Wenn du auf den Song, den du gerade lernst, Zugriff hast, hilft es, einfach mit ihm mitzuspielen. So behältst du den Rhythmus bei und es macht außerdem noch Spaß. Auch jede Art von Körperbewegung kann dir dabei helfen, einen gleichmäßigen Rhythmus beizubehalten, z.B. Nicken mit dem Kopf oder Klopfen mit dem Fuß.

Tipp: Wenn wir uns nicht gerade an einem Metronom orientieren, gibt es andere Möglichkeiten, die Geschwindigkeit, an der wir arbeiten, genau abzuschätzen. Denk daran, dass BPM die Anzahl der Schläge pro Minute zählt. Wenn wir also 60 BPM zählen, können wir sie wie Sekunden zählen. Zähle diesen Rhythmus in Achtelnoten (oder verdoppele ihn), und du befindest dich bei 120 BPM, was eine übliche Übungsgeschwindigkeit ist.

5. Finde Alternativen zum Metronom

Während das klassische Metronom eine sehr effektive Art des Übens ist, gibt es Alternativen, die das Üben etwas weniger mühsam machen. Eine Möglichkeit, die Funktion des Metronoms dennoch auf unterhaltsame und echtzeitnahe Weise zu nutzen, ist die Verwendung einer Drum-Machine, wie z.B. der gitarrengetriebenen Drum-Machine namens Beat Buddy. Du kannst auch ein kostenloses Online-Tool verwenden, um deine Beats, Tempi und Geschwindigkeit mit einem Drum Trainer zu trainieren.

2/4 Takt bei einem Tempo von 60 bpm. Folge dem Sichtsignal, um entspannt spielen zu können.

Hier ist eine der besten YouTube-Anleitungen, wie du das Metronom mit der Gitarre effektiver nutzen kannst.

Weitere kostenlose Lektionen und Videos von mir, wie ich spiele, findest du  auf YouTube. Weitere Informationen über mich, mehr Material, Gratisstunden, Blogs und Informationen zu Privatstunden findest du auch unter www.YouPickMusic.com.

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Um dir zu helfen, haben wir eine kurze Liste mit einigen der beliebtesten Weihnachtslieder auf der Gitarre für dich zusammengestellt. Die ersten drei Lieder sind in der Uberchord-App zu finden, so dass sie leicht zu lernen sind und gut gespielt werden können. Also lass uns loslegen!

1. White Christmas

Das erste Lied auf unserer Liste ist der Klassiker “White Christmas”, gesungen von Bing Crosby.

Gerüchten zufolge wohnte Irving Berlin, als er das Lied 1940 schrieb, in einem Hotel in Kalifornien – und verpasste so den schneereichen New Yorker Winter.

Als das Lied in seinem Kopf Gestalt anzunehmen begann, soll er zu seiner Sekretärin gesagt haben: “Nehmen Sie Ihren Stift und schreiben Sie diesen Song auf. Mir ist gerade der beste Song eingefallen, den ich je geschrieben habe – verdammt, mir ist gerade der beste Song eingefallen, den jemals irgendwer geschrieben hat!” Die Jury ist sich noch uneinig, ob es wirklich der beste Song ist, der je geschrieben wurde, aber laut Guinness Buch der Rekorde ist die Version von Bing Crosby die meistverkaufte Single aller Zeiten.

Es ist kein schwer zu spielender Song, es sei denn, man hasst es, das Tempo runterzudrehen und es langsam, zart und süßlich anzugehen, denn so sollte es wirklich gespielt werden. In der Tonart G-Dur passt es zu den meisten Singstimmen, aber wenn du es höher haben willst, kannst du immer einen Kapodaster verwenden oder es in C spielen.

Gitarrenakkorde zu “White Christmas,” Tonart G-Dur

G                     Am     D

I’m dreaming of a white Christmas

C                           D7         G
Just like the ones I used to know,
G7                         Cm

Where the treetops glisten and children listen

G     Am                       D7     D
To hear sleigh bells in the snow.

G                     Am     D

I’m dreaming of a white Christmas

C                                   D7         G
With every Christmas card I write.

G7           Cm
May your days be merry and bright,

G            Em C             D7     G
And may all your Christmases be white.

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “White Christmas” auf der Gitarre spielt

Und hier sind einige persönliche Lieblingsunterrichtsvideos für “White Christmas”.

Hier ist das einfachste:

https://www.youtube.com/watch?v=OunVcDTLImE

Dieses ist ebenfalls einfach, bietet aber eine gute Nahaufnahme der Akkorde beim Spielen.

2. Jingle Bells

James Pierpont hatte nicht vor, “Jingle Bells” – oder “One Horse Open Sleigh”, wie er es nannte – zu einem Weihnachtslied zu machen, aber nichtsdestotrotz hat es sich in den Kanon eingearbeitet. Es ist bis heute ein großer Favorit und wurde in viele Sprachen übersetzt.

“Jingle Bells” war das erste Lied, das vom Weltraum aus ausgestrahlt wurde. Tom Stafford und Wally Schirra schickten die folgende Botschaft von Gemini 6 an die Mission Control: “Gemini VII, hier ist Gemini VI. Wir haben ein Objekt, das aussieht wie ein Satellit, das von Norden nach Süden in einer polaren Umlaufbahn fliegt. Es befindet sich auf einer niedrigen Flugbahn, fliegt von Nord nach Süd und steigt sehr schnell an . . .” Einer von ihnen spielte dann “Jingle Bells” auf einer Mundharmonika, während der andere auf einem Satz Schlittenglocken klimperte.

Man muss einen Astronauten mit Sinn für Humor lieben.

Gitarrenakkorde für “Jingle Bells,” Tonart C-Dur

Dieses Lied wird normalerweise in C gespielt, der ersten Tonart, die die meisten von euch gelernt haben, als sie mit dem Spielen begannen. Hier sind die grundlegenden Akkorde für die erste Strophe und den Refrain:

C                                             F

Dashing through the snow, in a one-horse open sleigh,

G7                                     C

O’er the fields we go, laughing all the way.

C                                     F

Bells on bobtails ring, making spirits bright.

G7                                              C

What fun it is to ride and sing a sleighing song tonight, oh,

Chorus:

C                                         C7

Jingle bells, jingle bells, jingle all the way,

F             C               D7             G7

Oh what fun it is to ride in a one-horse open sleigh, hey,

C                                         C7

Jingle bells, jingle bells, jingle all the way,

F             C               G7             C

Oh what fun it is to ride in a one-horse open sleigh.

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “Jingle Bells” auf der Gitarre spielt:

Hier ist jemand, der dich da durchführen kann:

Und hier ist unsere Jen Trani von Mahalo:

Sieh sie dir an und stelle dir deine eigene, einzigartige Version zusammen. Denk daran: Deine Gitarre – dein eigener, einzigartiger Stil. Wetteifere mit niemandem außer mit dir selbst!

3. Little Saint Nick

Unser nächstes Weihnachtslied ist etwas kniffliger als nur Akkorde, aber es macht verdammt viel Spaß, es zu spielen, wenn man es einmal gelernt hat. Es ist ein Riff im Spiel – kein schwieriges, aber trotzdem ein Riff. Wenn du Anfänger bist, kannst du das Riff überspringen und erst einmal nur die Akkorde lernen. Das Riff wird auf dich warten, bis du dazu bereit bist (wenn du neugierig bist, kannst du dir in einem der Videos unten ansehen, wie es gespielt wird).

Dieser Song stammt von der hedonistischen Westküsten-Band Beach Boys und ist eins der niedlichsten kleinen Liedchen, die je geschrieben wurden. Wenn du das Lied “Little Deuce Coup” der gleichen Band kennst, wirst du die Ähnlichkeiten der beiden hören. Bandmitglied Mike Love half Brian Wilson bei der Komposition von “Little Saint Nick”, was aber erst anerkannt wurde, nachdem er in den 1990er Jahren eine Klage eingereicht hatte. Aber lass dir dadurch den Song nicht verderben! Er ist sehr beliebt und dankbar zu lernen und spielen.

Gitarrenakkorde für “Little Saint Nick,” Tonart G-Dur

Am7   D7                      Am7     D7

Well, away up north where the air gets cold there is a

G         Gmaj7             G6       E7

tale about Christmas that you all been told, and

Am7         D7             Am7

a real famous cat all dressed up in red, and he

G               Gmaj7       G6         G7           C

spends his whole year working out in his sled. It’s the little Saint Nick,

G

It’s the little Saint Nick.

Am7       D7             Am7          D7

Just a little bobsled— we call it Old Saint Nick, but she’ll

G           Gmaj7     G6       E7

walk a toboggan with a four speed stick. She’s

Am7         D7         Am7                 D7

candy apple red with a ski stick for a wheel, and when

G             Gmaj7       G6       G7

Santa gives it gas, man just watch her peel. It’s the

C                 G

little Saint Nick, it’s the little Saint Nick . . .

Anleitungs-Videos, die dir zeigen, wie man “Little Saint Nick” auf der Gitarre spielt

Er spielt das Riff mit einem Kapodaster und einigen schönen alternativen Akkorden:

4. The Christmas Song

Jetzt lass uns gemütlich werden. Du kennst dieses Lied wahrscheinlich unter einem seiner anderen Namen, wie “Chestnuts Roasting on an Open Fire” oder “Merry Christmas to You”. Nichts drückt einen wärmeren Weihnachtsgruß aus als dieses wunderschöne Lied, das 1945 von Bob Wells und Mel Tormé geschrieben wurde.

Wenn du es ironisch findest, dass “White Christmas” in einem Hotel in Südkalifornien geschrieben wurde, wirst du auch überrascht sein zu erfahren, dass “The Christmas Song” während höllischer Temperaturen im Hochsommer geschrieben wurde. Die Noten zu dem Song entstanden aus einigen geistigen Bildern, die sich Bob Wells machte, um der unerträglichen Hitze wenigstens in seiner Vorstellung zu entfliehen. Mel Tormé gefielen die Zeilen, die er in den Noten sah, und der Rest ist Geschichte.

Die erste Aufnahme des Liedes von Nat King Cole hatte keinen Erfolg. Aber später bat er darum, es nochmal mit einem kleinen Streichorchester aufzunehmen, und es war diese Orchesterversion, die schnell zu einem großen Hit wurde.

Gitarrenakkorde für “The Christmas Song,” Tonart C-Dur

C         Dm6           Em             Am

Chestnuts roasting on an open fire,

C       C6         C7     Fmaj       E7

Jack Frost nipping on your nose,

Am       Fm           C         B7

Yuletide carols being sung by a choir,

Emaj7         Bb     G       G7         C

And folks dressed up like Eskimos, everybody knows

C Dm6           Em       Am

A turkey and some mistletoe,

C       C6     C7     Fmaj7   E7

Help to make the season bright.

Am   Fm             C           B7

Tiny tots with their eyes all aglow

Em     Am     Dm6 G C

Will find it hard to sleep tonight.

C7             Gm   C       F Am7

They know that Santa’s on his way;

Gm               C            F   Am7

He’s loaded lots of toys and goodies on his sleigh.

Fm           Bb           Eb B

And every mother’s child is going to spy,

D7             Fm6         G     G7

To see if reindeer really know how to fly.

C     Dm6           Em                 Am

And so I’m offering this simple phrase,

C       C6     C7 F       E7

To kids from one to ninety-two,

Am               Fm       C           B7

Although its been said many times, many ways,

E7 Fm G   Dm6 C

Merry Christmas to you.

Anleitung-Videos, die dir zeigen, wie man “The Christmas Song” auf der Gitarre spielt

Julie Meyer von Mahalo hat diesen Klassiker nicht vergessen, und sie bietet uns diese klare, grundlegende Lektion:

Hier ist eine fortgeschrittenere Jazz-Version, die zusammen mit der finalen Aufnahme von Nat King Cole spielt:

5. Feliz Navidad

Ja, eines der beliebtesten Weihnachtslieder in der englischsprachigen Welt ist zweisprachig – Spanisch und Englisch. Und wer betet dieses Lied nicht an? Das 1970 von José Feliciano geschriebene Lied erinnert mich immer an die mexikanische Austauschstudentin, die eines Winters unser verschlafenes kanadisches Dorf im Sturm eroberte und in jedem Auto, in dem sie zu fahren kam, darauf bestand, auf die Hupe zu drücken (“Ein hupendes Auto ist ein glückliches Auto!”). Sie war es, die uns die spanische Strophe Wort für Wort übersetzte.

Gitarrenakkorde für “Feliz Navidad,” Tonart  D-Dur

Em7 A7           D
Feliz Navidad, feliz Navidad
Em7              A7                D
Feliz Navidad, prospero año y felicidad
Em7 A7           D
Feliz Navidad, feliz Navidad
Em7              A7                D
Feliz Navidad, prospero año y felicidad
G                         A7
I wanna wish you a merry Christmas
D
I wanna wish you a merry Christmas
G                                       A7                     D
I wanna wish you a merry Christmas from the bottom of my heart
G                         A7
I wanna wish you a merry Christmas
D
I wanna wish you a merry Christmas
G                                       A7                     D G D
I wanna wish you a merry Christmas from the bottom of my heart

Und hier ist ein Video, in dem der Komponist selbst dir zeigt, wie man es spielt! (Versuche, Schritt zu halten!)

https://www.youtube.com/watch?v=wAlwIwTtNUw

Wir hoffen aufrichtig, dass dir das Lernen dieser Lieder Spaß gemacht hat. Frohe Feiertage von uns allen bei Uberchord! Wir wünschen dir Frieden, Freude, Liebe und fantastische Fortschritte auf deiner Gitarre!

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